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LA CREACIÓN DE SAINT SEIYA...
INTRODUCCIÓN Hay muchos misterios interesantes entorno a la creación de Saint Seiya, ya sea en manga o en anime, aunque muchos puntos siempre quedarán en la oscuridad, en algunas fuentes oficiales de datos podemos encontrar una explicación. En este extenso dossier podréis descubrir infinidad de ideas, detalles y curiosidades alrededor de la elección de los conceptos, los nombres, las técnicas y las armaduras de los personajes vinculados al universo de Saint Seiya, tanto en su versión manga como en anime.
Preguntas que seguro que os habéis planteado como por ejemplo ... ¿de dónde procede el título de la obra Saint Seiya?, ¿por qué Kurumada hizo dos versiones de la armadura de oro de Sagitario y por qué no resucitó a Aioros en la saga de Hades?, ¿qué influencia tuvieron las películas Karate Kid, James Bond o Star Wars en Saint Seiya?, ¿por qué razón fueron creados los Steel Saints y a que se debe su misteriosa desaparición?, ¿por qué el Silver Saint de Cefeo es tan diferente en sus versiones manga y anime?, ¿por qué se parecen tanto Orpheus y Mime?, ¿por qué Shaka tiene dos discípulos en el anime?, ¿qué personajes le costó más dibujar a Michi Himeno?, ¿por qué en los dibujos de Araki los personajes corren con los brazos extendidos hacia atrás? y muchas más .. encontrarán aqui una respuesta. Se incluyen informaciones en su mayoría obtenidas de las entrevistas concedidas por Masami Kurumada en las que explica la génesis de Saint Seiya, las cuales a menudo han tomado la forma de conversaciones publicadas en revistas o libros de información y arte dedicados a su obra (Cosmo Especial, Jump Gold Selection - en particular el número 3, Enciclopedia Taizen …), Shingo Araki, Michi Himeno, Takao Koyama y otros a lo largo de los años, así como documentos publicados por los responsables de la animación de Toei Animation. Nota:
podéis encontrar una recopilación bastante fiel y completa de las entrevistas
concedidas por Kurumada en icavalieridellozodiaco.net
Documental:
30º aniversario de Saint Seiya ¿En qué se inspiró Masami Kurumada? Los valientes caballeros del Zodíaco nacieron en la primera edición de la revista semanal Shonen Jump Weekly [週刊少年ジャンプ: Shuukan Shounen Janpu: Weekly Magazine Boy Jump], (revista de mangas que publicó otros mangas famosos como Orange Road, City Hunter, Dragonball etc.) desde el mes de Diciembre de 1985 hasta el mes de Noviembre de 1990. Mezcla a veces difícil, pero siempre sincera, de varias obras anteriores del autor, que capturaron de inmediato al público japonés por la originalidad de sus aventuras y peripecias. Saint Seiya es un manga/anime shōnen de lucha que cuenta la historia de cinco amigos que sirven a la reencarnación de la diosa Atenea, Saori Kido, en su odisea para recuperar su lugar como gobernante de los Saints, un grupo de guerreros asociados con el Zodiaco occidental y prácticamente con cada constelación del cielo. Cada Saint dispone de una armadura que puede transformarse de una escultura representativa de su constelación a una funcional armadura de combate. Existen tres grados de armaduras, Bronze, Silver y Gold, siendo cada grado mucho más poderoso y resistente que el anterior. Cada armadura es también una entidad viviente o arma empática y tiene voluntad para elegir a quien proteger si lo merece, así como al menos una propiedad especial y singular. Saint Seiya no es un manga demasiado complejo, ya que su historia es bastante simple: termina una batalla, aparece un nuevo enemigo y hay un combate para derrotarlo. No ocurre como con otros mangas en los que tras un combate hay unos pequeños capítulos de descanso para los protagonistas. A nivel argumental, las aventuras de los 5 Bronze Saints protagonistas son una carrera contrarreloj. Todas las sagas se construyen entorno a la finalización de una misión en un tiempo determinado. En la saga del Santuario deben cruzar las 12 casas zodiacales en plazo de 12 horas para salvar a Atenea de la flecha de oro; en la saga de Asgard deben liberar a Hilda de Polaris de la influencia maléfica del anillo de los Nibelungos antes de que los glaciares se derriten por completo y las aguas inunden el planeta y también para salvar a Atenea; En la saga de Poseidón deben destruir los 7 pilares que sustentan el reino de Poseidón para evitar una diluvio universal en curso y también para salvar a Atenea; en la saga de Hades deben detener al diosa del Inframundo antes de logre alinear los planetas y provocar un Eclipse total y también para salvar a Atenea... ¿pueden adivinar cuál es el factor común en todo esto?. De hecho, el propio Kurumada en más de una ocasión aseguró que cuando elaboraba el manga, él sólo hacía capítulos conclusivos, sin pensar que era lo que pasaría en el siguiente, aunque estuvieran en mitad de una pelea muy importante. Era su forma de trabajar y eso le ayudaba a centrarse en la trama del capítulo que estaba dibujando. Desde los inicios de la serie manga/anime hasta la última obra de Saint Seiya, está plagado de similitudes a obras, mitos y legendas de manera directa o indirecta que dieron origen a esta monumental obra
Rinkake, Fuma y Otokozaka, las ideas antes de Saint Seiya... Muchas de las ideas explotadas por Masami Kurumada en Saint Seiya fueron en realidad utilizadas por primera vez en sus mangas anteriores, (1) Ring ni Kakero [リングにかけろ:Ringu ni Kakero], (2) Fuma no Kojiro [風魔の小次郎: Fuuma no Kojiro] y (3) Otokozaka [男坂]. El aspecto y peinado de sus personajes son reciclados de otras obras. Masami Kurumada procede de la "vieja escuela" de dibujantes japoneses (dibujante del manga - "mangaka"), trabaja desde mediados de los años 70. Debutó en Shueisha [集英社], la editorial de la revista semanal Jump, en 1974. En un momento en que Japón estaba pasando por la reactivación económica, donde la necesidad de afirmarse estaba aún más asentada que nunca entre sus habitantes, surgió un período rico en mangas [漫画] que destacaban la valentía y la perseverancia.
Bañado en este universo, con un estilo propio, Kurumada creó en 1977 un manga de boxeo bastante simpático que finalizó después de 25 volúmenes, en 1981. El manga (1) Ring ni Kakero [リングにかけろ:Ringu ni Kakero: Hang in the Ring] (“Agárrate al ring”) se inspira en gran medida en el éxito de Ashita no Joe, del cual retoma en especial los valores morales. Kurumada añade un montón de personajes y demuestra así que la unión hace la fuerza. Ring ni Kakero es un manga de boxeo fantasioso donde los boxeadores tienen velocidad, fuerza y golpes sobrehumanos, usó elementos astronómicos y mitológicos para diseñar a los personajes y ataques. Ring ni Kakero sentaría las bases de lo que serían casi todas las obras de Kurumada a lo largo de su carrera. Con personajes masculinos que le asignan una preponderancia vital al honor y a la honestidad, y siempre haciendo hincapié en lo que es la amistad, el coraje y el sacrificio. Incluso todos los protagonistas son clones de Ryuji Takane. Posteriormente, las bases de Saint Seiya seran un mix de: objetivo salvar a la humanidad, personajes adolescentes con poderes sobrehumanos, armaduras bien diseñadas, mitología, astronomía, muchos combates atractivos y sangrientos, y un fuerte hincapié en valores como la amistad y la superación personal.
De 1982 a 1983, el autor se centra en un manga de diez volúmenes, (2) Fuma no Kojiro [風魔の小次郎: Fuuma no Kojiro: Kojiro of the Wind Demons] "Kojiro de los Demonios del Viento", que será adaptado siete años después en animación. Los combates interminables entre los clanes ninja enemigos no tienen nada muy emocionante o excitante, pero nos vuelven a recordar un poco el ambiente de algunos episodios de Saint Seiya, y la emoción ya está más presente. Sin embargo, Kojiro está lejos de alcanzar a Ring ni Kakero.
Al año siguiente, un manga anecdótico de dos volúmenes, (3) Otokozaka [男坂: The Steeper of Man], que no obtuvo éxito pero que empujó el nacimiento de "Saint Seiya". Ciertas ideas ya están presentes en sus obras precedentes y le ayudarán a perfeccionar su universo a medida que avanza la historia. Interesado en la mitología griega, sus primeros mangas lo marcan, (1) Ring ni Kakero y (2) Fuma no Kojiro ya estaban fuertemente impregnados de esta influencia. Citaremos:
El prototipo de Saint Seiya no tiene ningún misterio: es RING NI KAKERO (RnK) (1) Ring Ni Kakero (リングにかけろ Ringu ni Kakero), significa "Agárrate al ring" "Apostémoslo en el Ring", “Ponlo todo en el Ring” o “¡Acércate al ring!”, más tarde rebautizado “Ring ni Kakero 1" (1977), es un manga de boxeo, fue su primer gran éxito y el manga que impulsó la carrera de Masami Kurumada. La obra que sentó las bases para muchas de sus obras posteriores... Esta es básicamente la historia de un joven japonés llamado Ryuji Takane, muy similar físicamente a Seiya, empezará a entrenar para ser boxeador y así poder escapar del bullying que sufre en la escuela. De esta forma llegará a conocer a algunos de sus mejores amigos y compañeros en el ring, luchará contra diferentes oponentes y participará en torneos cada vez más peligrosos en todo el mundo. Un día, el joven mangaka estaba sentado y frustrado por no conseguir publicar nada de nuevo, entonces vio a una chica que estaba entrenando a su hermano pequeño para boxear. Eso fue lo que le dio la idea para su siguiente obra. Kurumada sabía que quería una historia que estuviera protagonizada por un chico que venía de orígenes humildes de la sociedad y que fuera ascendiendo en el escalafón (esquema / estilo típico nekketsu) gracias a un deporte, para darle contexto, pero no lograba decidirse por ninguno, en un principio pensó en sumo o lucha profesional. Al ver a esa pareja de hermanos entrenar, fue cuando se le ocurrió la idea del boxeo, un deporte que, aunque por entonces le era desconocido, él consideraba, además, muy refinado.
La serie está ambientada en el mundo del boxeo, aunque un boxeo único donde existían técnicas fantasiosas, tales como "Galactica Magnum", "Rolling Thunder Special" o "Devil Propose". Como inspiración para los nombres de personajes y técnicas Kurumada manifestó en una entrevista que se inspiró de canciones y películas. Los personajes, los combates llevados al límite extremo, las técnicas de lucha sobrenaturales, el drama y las emociones, etc. todos estos elementos son una reminiscencia de Saint Seiya, que de hecho estaba muy inspirado por su hermano mayor, "Ring Ni Kakero". Ring no Kakero fue publicado durante 6 años, desde 1977 hasta 1983, esta obra le traería fama y reconocimiento como autor, y el propio Kurumada (y los japoneses) la considera su favorita, siendo este su manga cumbre en Japón (de hecho allí está más valorado que Saint Seiya). El primer capítulo se publicó el 31 de enero de 1977. El manga fue publicado en 25 tomos / volúmenes repartidos en cuatro años por Weekly Shōnen Jump entre el #2 de 1977 y el #44 de 1981. Incluso si es poco conocido en Occidente, este manga de boxeo de 25 volúmenes fue un gran éxito en Japón cuando fue lanzado entre 1977-1983, y también es la serie favorita de Kurumada, quien él mismo tuvo un pasado boxeador. Con Ring ni Kakero comenzó la época dorada de Kurumada, el creador de éxitos, de hecho posteriormente el dibujante creó una secuela bajo el título Ring ni Kakero 2, una segunda parte con otros 26 volúmenes (2000–2009). La serie fue muy bien acogida, aunque a pesar de su fama no sería adaptaba a anime hasta el 6 de octubre de 2004 (27 años después!!). Como Ring ni Kakero 1, ya que Ring ni Kakero 2 estaba siendo publicado en manga en Super Jump por entonces, para distinguir ambas. La teleserie contó con 36 episodios. Finalmente, en 2011, Toei Animation trasladó a la pantalla las aventuras del joven boxeador con cuatro series de OVAs, dos temporadas de 12 episodios y dos de 6 episodios, un anime titulado Ring ni Kakero 1, adaptado igualmente al anime de la mano de Shingo Araki y Michi Himeno. De hecho, de las 4 historias producidas en anime de Kurumada : Ring ni Kakero, Saint Seiya, Fuma no Kojiro y B't X, las 3 primeras han estado a cargo de Shingo Araki y Michi Himeno, cuyos diseños animados son sólo una estilización de los personajes hechos por Masami Kurumada. Aunque la animación de RnK es posterior a la de StS ocurre a la inversa con el manga, por lo que es técnicamente incorrecto pensar que "un personaje de RnK está basado en un personaje de SS", ya que cronológicamente es al revés, su concepción fue previa. Nota: algo importante y curioso a mencionar sobre la adaptación animada (se empezó a emitir el 6 octubre 2005) es que el primer episodio de la primera saga del anime se ubica en el capítulo 33 del manga, obviando los orígenes de los protagonistas, así que si se quiere conocer la historia desde el principio, forzosamente se debe leer el manga de Kurumada. Cambios que el staff de Toei Animation planeó para darle mayor impacto a la animación. La base de ambos mangas es la misma, un joven debe luchar con todas sus fuerzas contra otros guerreros mucho más fuertes que él, cada vez los adversarios aumentan de poder y cada vez debe superarse a sí mismo; la diferencia básica con Saint Seiya es que Ring ni Kakero es una serie sobre boxeo, pero los personajes tienen un desarrollo similar, son jóvenes, y deben entrenar y luchar contra rivales mucho más poderosos en peleas que al principio parecen imposibles de ganar. La historia empieza con un torneo de apertura que recuerda mucho al Torneo Galáctico (Galaxian Wars) de Saint Seiya, el ring de boxeo y las gradas son muy similares. Galaxian Wars. (銀河戦争/ギャラクシアンウォーズ) en kanji "Ginga sensô", o sea "Guerra de la Galaxia"; con el furigana "Galaxian Wars", o sea "Guerras galácticas" en inglés. Torneo de Saints organizado por la Fundación Grado con el objetivo de encontrar al heredero del Gold Cloth de Sagittarius y, a la vez, sacar a la luz al verdadero enemigo.
Muchos elementos de RnK se reutilizaron más adelante para concebir Saint Seiya, a título de ejemplos podemos citar técnicas de combate sobrehumanas y espectaculares, las referencias a la mitología griega, los parecidos en las apariencias físicas de los personajes. etc. Podríamos decir que Saint Seiya copia a RnK, aunque es más preferible afirmar que es sencillamente una extensión de RnK, de conceptos e ideas que Kurumada comenzó a desarrollar un poco antes. De hecho, Kurumada precisó que inicialmente planeó "Saint Seiya" como una obra sobre artes marciales y con ciertas coincidencias con Ring ni Kakeru. Saint Seiya sería algo así como la versión “aun más fantástica” de RnK, en especial la primera parte con el torneo galáctico, con ataques y armaduras más llamativos que simples puñetazos y guantes de boxeo. Además, cuando Kurumada ideó y dibujó RnK tenía sólo 23 años, y cuando escribió Saint Seiya ya tenía 33 años... es de suponer que también las diferentes épocas y etapas de la vida del autor en que se concibieron ambas historias, puede influenciar sobre repetir / reeditar aquellas cosas exitosas, originales, ocurrentes o que te traen mejores recuerdos. Ambos mangas enfocan temas como la amistad, la superación, la fuerza de voluntad, etc., clichés comunes en todo manga shōnen anterior a Kurumada. Kurumada los unió y por eso hizo populares sus historias (de hecho Ring ni Kakero y Saint Seiya fueron los primeros grandes éxitos de Jump). Para destacar y sobresalir sobre los demás mangas añadió además combates exagerados / sobrehumanos, con individuos volando por los aires, cayendo de cabeza o con movimientos / técnicas especiales asociados con el propio boxeador / luchador. En el caso de RnK en las peleas de boxeo no está en juego el destino de la humanidad o el espacio-tiempo, sino que cosas menos trascendentales, por ser algo más personal.
Ring ni Kakero fue el primer gran éxito de Masami Kurumada como mangaka, por ello se la considera su creación favorita. Tanto es el apego que Kurumada tiene por Ring ni Kakero que él mismo se ha hecho cameos auto insertándose en la trama, cosa que no ha hecho aun en Saint Seiya ni en manga ni en anime. Hasta en el videojuego para la Super Famicom (versión japonesa de la Súper Nintendo) Kurumada vuelve hacer cameo.
Para Kurumada Saint Seiya no es ni por asomo su creación predilecta, ese puesto se puede debatir entre Ring ni Kakero y Otoko Zaka. Obviamente no lo va a decir / reconocer de forma pública ni mucho menos para no decepcionar a sus fans y porque casi nadie fuera de Japón conoce a Ring ni Kakero ni mucho menos a Otoko Zaka.
Ring ni Kakero sentaría las bases de lo que serían los siguientes mangas Nekketsu de Masami Kurumada: un protagonista único y determinado que nunca se rinde o un grupo protagónico de por lo menos 5 miembros principales. Ring ni Kakero y Saint Seiya tienen cinco protagonistas, de los cuales el líder es el típico personaje de sangre caliente, típico en los mangas de Kurumada.
Ryūji Takane (高嶺 竜児, Takane Ryūji) muy
parecido a Seiya
Argumento: Ring ni Kakero cuenta la historia de Ryūji Takane (高嶺 竜児, Takane Ryūji), un joven que ha sido entrenado desde joven por su padre, un boxeador excepcional y muy famoso que murió sin lograr alcanzar el título mundial. El joven marcha de casa junto a su hermana Kiku Takane (高嶺 菊, Takane Kiku), después de su fallecimiento, la vida de los pequeños no es fácil pues su madre se vuelve a casar con un hombre alcohólico, que los maltrata constantemente. Ambos están cansados de recibir la paliza de su padrastro, un hombre alcohólico que los maltrata constantemente, y se marchan a Tokyo, los dos quieren hacerse famosos para ayudar a su solitaria madre. En un principio Ryuji no quiere ser boxeador porque no le gusta y no para de recibir palizas de sus compañeros, pero tras conocer a Jun Kenzaki, quien se convertirá en el futuro en su mayor rival, decide convertirse en boxeador profesional y así superar el bullying (un anglicismo, el concepto refiere al acoso escolar y a toda forma de maltrato físico, verbal o psicológico que se produce entre escolares, de forma reiterada y a lo largo del tiempo) que sufre por parte de Kenzaki y el resto de compañeros de clase. Con el fin de lograr este reto, primero debe ganar a su antiguo rival Kenzaki, que es conocido por todos como “el genio del boxeo ", un luchador del que dicen supera incluso a un profesional. Ryuji cuenta con la ayuda de su hermana Kiku, quien heredó el sentido de boxeo de su padre, ambos hermanos han heredado el talento para boxear de su padre, Ryuji su fuerza y técnicas, mientras que Kiku su análisis y estrategia. Ellos entrenan duro para poder lograr este sueño y también para poder ver de nuevo a su querida madre. En su camino hacia el éxito Ryuji tendrá que hacer frente a los más difíciles desafíos por todo el mundo, pero también encontrará amigos de verdad como Katori Ishimatsu, Takeshi Kawai o Kazuki Shiratora con los que formará “el equipo de Japón Junior de oro”. El manga tuvo poco éxito inicialmente, aunque el personaje de Kenzaki era popular entre los lectores. Luego, cuando Kurumada se preguntó cómo hacerlo más popular entre la gente, sabiendo que nunca podría igualar a Ashita no Joe (un manga de boxeo creado en 1968 por Ikki Kajiwara e ilustrado por Tetsuya Chiba), inventó los nombres de los golpes fantásticos de sus personajes, dando un aspecto menos realista a sus peleas. El manga se convirtió rápidamente en uno de los principales valores de la Weekly Shonen Jump terminando en los primeros lugares de la clasificación de los votos de los lectores. Su estilo es vigoroso y su desarrollo particularmente incisivo, ello se percibe sobre todo en las escenas de acción. Es una serie que tenía como hilo argumental un boxeo lanzado hasta el límite de lo épico (una exageración que se repetiría en todas sus obras siguientes), cuyos protagonistas representan al Tigre y al Dragón de la mitología china, la cual ya marcaría algunos de los rasgos de sus posteriores éxitos. Muchos de los elementos se utilizaron más adelante para crear Saint Seiya, por ejemplo, personajes que se unen para formar un grupo, técnicas de combate espectaculares, referencias a la mitología (parábolas a los mitos griegos y asiáticos), valores como la amistad y el esfuerzo por el bien común etc. Algo sorprendente para el lector occidental es que Ring ni Kakero dejó una huella muy profunda en Japón, al menos tan grande como Saint Seiya. Esto se deba probablemente a la intensidad de la historia y el tributo que hace al manga Ashita no Joe, de Tetsuya Chiba, que dejó también un legado considerable en el corazón de la juventud japonesa de la época.
La trama del manga y los principales eventos son, aproximadamente, los siguientes: 1. Ryuuji Takane y Jun Kenzaki son rivales (el clon de Seiya pelea contra el clon de Ikki) 2. Luchan entre sí y contra otros personajes: Takeshi Kawai, Kazuki Shiratora y Ishimatsu Katori. 3. Los 5 personajes luchan en equipo contra los US Boxers: Monster Jail, Miss. Channel, Hell Mick, Mr. White, Black Shaft, y después contra los Shadow Boxers / Clan Shadow. 4. Los 5 personajes van al campeonato del mundo de boxeo, y luchan contra equipos de todo el mundo: Italia, Francia y Alemania, y el más poderoso es el equipo de Grecia, cuyos miembros usan nombres de personajes de la mitología griega. Francia:
Napoleón Baroa, Tiffany Baroa, Claudine Baroa, Sylvie Baroa y Felista
Baroa 5. Los mejores boxeadores del mundo se unen para pelear juntos contra los 12 dioses griegos (Greek Battle Gods): Zeus, Cassandra, Kreus, Artemis, Orion, Prometheus, Medusa, Narcissus, Pegasus, Venus, Poseidón y Hades. 6. Los 5 personajes luchan contra los Ashura Boxers / Clan Asura 7. 2 peleas más, Jun lucha contra un boxeador llamado Jesucristo!! (Jesus Christ's), abreviado Christ (como el Souther Cross “Silver” Ghost Saint de la película de Eris), con un golpe denominado Neo Bible.. Finalmente, en la última lucha, Ryuuji pelea contra Jun una última vez!.
El protagonista principal llamado Ryuuji es físicamente idéntico a Seiya de Pegaso, pero sin armadura y con guantes de boxeo, aunque no psicológicamente, ya que boxea para llegar a ser el campeón del mundo (con algunas peleas intermedias para proteger a los débiles de paso), por su parte, Seiya no aparenta querer convertirse en el Saint más fuerte, simplemente quiere servir y proteger a Athena y al mundo. Jun Kenzaki es el primer antagonista / rival inicial del protagonista, tiene el mismo rostro y personalidad que Ikki de Fénix (y los ataques de Saga de Géminis) y de la misma forma a su vez se une al grupo de los héroes. Ring ni Kakero está muy centrado en el combate. Casi todos los arcos de la historia tienen muchas peleas, muchos 1 contra 1, especialmente una vez la trama se centra en torneos y desafíos. Al respecto, es obvio que no todas las peleas van a acabar en un knockout (golpe de gracia). Muchas no siguen el estándar aparente que las personas hoy en día asocian con las peleas en el manga shonen. En lugar de alargar las batallas con drama y emoción, como se hace en general, los combates en RnK son rápidos, bastante rápidos, aunque hay un puñado de excepciones. Ryuji Takane participa en la mayoría de duelos. Tiene cierto sentido ya que él es el personaje principal, Kurumada confía a su protagonista las peleas más encarnizadas, probablemente debido a su condición. Eso no quiere decir que los otros personajes del elenco Ishimatsu, Kawai, Shinatora y Kenzaki tengan peleas que no son buenas, pero el problema principal con la mayoría de ellos es que no tienden a tener la misma cantidad de tiempo que Ryuji. Esto se puede considerar como un pequeño ejemplo de cómo RnK es la "Biblia" del manga de lucha, por lo tanto, los títulos posteriores de mangas dan más tiempo de pelea a personajes secundarios, pero es algo que vale la pena señalar. Un boxeo sobrehumano Masami Kurumada hizo su debut profesional en 1974 con Sukeban Arashi / Delinquent Storm, una serie comedia sobre Rei Kojinyama, quien trata de ser una colegiala ideal para honrar la memoria de su difunta madre, pero no puede evitar volver a su estilo de vida gamberro y “delictivo”. Después de que el manga terminara siendo cancelado, decidió que su próxima serie le rendiría homenaje a uno de sus mangas favoritas de todos los tiempos: Ashita no Joe. Rápidamente se dio cuenta de que simplemente siguiendo el estilo de AnJ sería perjudicial tanto para el manga como para sus propias series, así que terminó adoptando un estilo más exagerado, influenciado por Astro Kyudan / Team Astro, un popular manga que se publicaba cuando debutó. Aunque técnicamente era un manga de béisbol, las hazañas y los partidos que se jugaban eran tan absurdamente exagerados que cautivaron a los lectores durante cuatro años y 20 volúmenes; era ese concepto de "atracción" que Kurumada quería traer a su manga de boxeo. Al hacer justamente eso, Ring ni Kakero terminó convirtiéndose en una parte importante en la evolución no sólo de Shonen Jump, sino también del manga de acción, a menudo llamado "manga de combate" en Japón, en general. Super-ataques con nombres originales Por entonces, el concepto de ataques con nombre no era nada nuevo cuando debutó RnK, varios mangas de artes marciales ya utilizaron ese recurso narrativo, de hecho la idea de dar nombre a los ataques existía antes del manga, como movimientos firma. Lo que Kurumada convirtió en icónico fue darles a los personajes varios nombres de súper ataques que no eran del todo literales, en vez de darles nombres largos que evocaran diversos sentimientos e ideas. Kurumada ideó varias formas de golpear a la hora de concebir los súper ataques. El tipo más común de golpe usado terminó siendo el gancho al mentón (uppercut), ya que permitió los posteriormente icónicos "lanzamiento Kurumada" ("Kurumada Launch") y "la caída Kurumada" ("Kurumada Fall"). Después de todo, un gancho es un gancho, pero llamarlo así como "God Dimension" y haciendo que el individuo ejecutor parezca el dios Apolo nos da la impresión que la víctima ha sido golpeada por el poder del Sol mismo, haciéndolo todo muy rudo. El manga hace mención de un arma secreta procedente de la legendaria ciudad de Atlantis: el Kaiser Knuckle (en realidad se trata de un accesorio, un puño de acero, puño americano, manopla, nudillera o llave de pugilato, formada por una estructura que se ajusta directamente a la mano del usuario, más exactamente a los nudillos del mismo. Esto hace que al dar un puñetazo con este artefacto en la mano, las lesiones causadas al adversario sean de mayor magnitud y el impacto en la mano de quien golpea sea mínimo. Es un arma sumamente peligrosa y puede llegar a romper el cráneo de una persona de forma rápida y sencilla. Debido a ello, el porte y comercio de estos artículos está prohibido en varias legislaciones). Masami Kurumada no intenta ocultar el hecho de que Saint Seiya reutiliza conceptos, diseños de personajes e incluso algunos nombres de sus trabajos anteriores de nuevas maneras, sólo que la mayoría de fans occidentales no saben esto, porque sólo Saint Seiya llamó la atención fuera de Japón.
Aquí tenéis una lista de los personajes de la obra, con el nombre y sus técnicas de boxeo secretas. Notaréis muchas cosas en común con Saint Seiya, hay incluso influencia de los nombres de los ataques secretos de los boxeadores para los ataques de los Saints, la mayoría son puñetazos especiales con elementos decorativos de fondo o flotando a su alrededor (flechas, serpientes, flores, electricidad, planetas etc..) para darles originalidad y singularidad. Equipo de Japón / The Japan Junior Team (los protagonistas):
1) Ryūji Takane (高嶺 竜児, Takane Ryūji)
Ryūji es el modelo de diseño de Seiya, sus principales habilidades de combate son sus jabs de izquierda a derecha, su coraje terco y sus técnicas especiales. Hay una chica llamada Kiku Takane (高嶺 菊, Takane Kiku) que es la hermana mayor + "maestra / mentora / entrenadora" de Ryuji, protagonista de la serie, así como Seiya tiene a Marin y cree que es su hermana mayor Seika.
2)
Jun Kenzaki (剣崎 順, Kenzaki Jun) Los golpes de Jun, además de las referencias a la Galaxia, tienen ambos como fondo estrellas y planetas, como el Galaxian Explosion de Saga de Géminis. Además, la máquina que Jun utiliza para entrenar se llama Galaxian Exercizer (curiosamente era Apollo Exerciser en la primera edición, pero posteriormente Kurumada le cambió el nombre para no tener problemas de copyright con un producto real llamado Exer-Genie que se vendía en el mercado y que fue nombrado igual porque lo usaron los astronautas de la misión Apollo 11 ^^).
Galactica Magnum & Galactica Phantom Los golpes de Kenzaki invocan los poderes de las galaxias más allá de nuestra imaginación; así es como piensa Kenzaki. Primero está el poder sostenido en su brazo derecho, cuando golpea duro lo hace como la fuerza explosiva de una supernova: Galactica Magnum.
Incluso el Galaxian Explosion de Saint Seiya parece que trata de imitar la soberbia fuerza que evoca naturalmente Kenzaki, pero pierde la brillante simplicidad en el proceso. Algunos dirán que el dibujo de Kurumada para el Galactica Magnum es simple pero es altamente efectivo, con la imagen de fragmentos llameantes de un planeta en explosión que sirve como una analogía perfecta en cuanto a cómo debe sentirse el alma desafortunada que recibe el golpe; accesoriamente, a veces se agrega el efecto de sonido "BAKOOOOOOM", imprimiendo incluso más potencia.
El brazo derecho de Kenzaki ni siquiera es su extremidad dominante. En cambio, su brazo izquierdo recibe el apodo de "Brazo de Oro", el cual usa sólo en los momentos más desesperados, y acorde con su naturaleza inicialmente secreta: Galactica Phantom. Si bien no golpea con la fuerza de una supernova, es como si uno hubiera sido golpeado con la fuerza de presión del mismo universo, planetas, estrellas, constelaciones y todo eso. Si bien no tiene la misma habilidad auditiva que el Galactica Magnum, no cabe duda de que el Galactica Phantom es igual de importante; En verdad, el mejor y más supremo de los super ataques en Ring ni Kakero es el combo de Galactica Magnum & Phantom. En el anime el personaje de Helga, miembro del equipo alemán de boxeo, viene a decir que la Galactica Magnum tiene el poder de separar a los átomos, como los golpes de los Saints, pero esa parte no existe en el manga.
3)
Ishimatsu Katori (香取 石松, Katori Ishimatsu)
Katori Ishimatsu - Jabu 4)
Kazuki Shinatora (志那虎 一城, Shinatora Kazuki)
5)
Takeshi Kawai (河井 武士, Kawai Takeshi)
Técnica: Jet Upper El Jet Upper es uno de los súper ataques más emblemáticos de Ring ni Kakero. Su golpe firma es un gancho con el pucho derecho, lanzándolo con excelente fuerza y velocidad, un puñetazo vertical decorado con rosas. El personaje mejora y moldea su gancho básico teniendo en cuenta que los pilotos de jet pueden aumentar la velocidad de sus aviones volando hacia abajo antes de subir de repente. Kawai mueve su puño hacia abajo, tan cerca del suelo como sea posible, antes de volver a subir repentinamente, lo que resulta en más velocidad y poder detrás de su golpe. Kurumada a veces ni siquiera hace que Kawai diga el nombre de su golpe en voz alta; el efecto de sonido "JET" lo dice todo (el anime incluso mantiene el efecto de sonido). El Clan Shadow Cuando el equipo japonés se prepara para el Campeonato Mundial que se celebrará en Tokio, luchan contra el Clan Shadow, un grupo que usa el boxeo como una técnica asesina, liderados por Jun Shadow (影道 殉, Shadow Jun). La idea tan explotada de los hermanos gemelos, utilizada con los dos dragones negros y los Gold Saints de Géminis Saga / Kanon, se utilizó antes en Ring ni Kakero con Jun Kenzaki y Jun Shadow. Shadow Jun fue, obviamente, la base para Shiryu, hasta su golpe básico es similar. En los campeonatos de boxeo cada equipo de boxeadores que aparece es asociado a una nación y representa los estereotipos de su país. En el equipo de Estados Unidos (Norteamérica Junior) su líder es Black Shaft. El golpe fantasma del Fénix es una copia de la técnica boxeadora hipnótica de Miss Chanel miembro del equipo de los Estados Unidos. En su lucha contra Takeshi Kawai, debido al "Golpe fantasma" Miss Chanel pierde la peluca, igual que Deathtoll en el manga Next Dimension. El equipo de Italia son mafiosos liderados por Don Giulliano.
Técnica: Cosa Nostra El equipo de Alemania son nazis liderados por Führer Skorpion y su brazo derecho Helga. El Scorpion Clash de Führer Scorpion también fue una fuente de inspiración para el golpe básico de Shiryu.
En el equipo de Francia su líder es Napoleon Baroa, personaje muy similar a Aphrodite de Piscis. Napoleón Baroa, campeón juvenil de boxeo de Francia, fue la base para Misty, cuyo diseño (y la de los otros miembros del equipo) se basa en la heroína de la Rosa de Versalles. Napoleón Baroa también usa el tema de las rosas, y más tarde adquiere un golpe llamado Royal Demon Seed. Además, sus hermanos son hombres con un nombre de mujer, al igual que Afrodita.
Técnica:
Royal Demon Seed
El equipo de ''Grecia Júnior'', actuales campeones del mundo, introducido a partir del Tomo 17, es el más interesante de todos porque sus miembros son todos procedentes de las leyendas y mitos griegos que siempre gustaron a Kurumada, ellos son los 12 dioses, aunque Kurumada los “mezcló'' y no son los mismos dioses olímpicos de la mitología.
Primero el grupo de 5 protagonistas se enfrenta a un grupo formado por 5 representantes en total: el líder Apolo, junto a Ulises (Odiseo), Icarus, Orpheus (con lira y todo) y Theseus. Cuatro de ellos presentes en el Tenkai-hen de Saint Seiya!. Componentes del equipo de Grecia Junior (ギリシャジュニア, Girishajunia) que combate contra el equipo de Japón en la saga del campeonato Mundial:
Apolo / Apollon (アポロン, Aporon) líder del equipo. Ulises (ユリシーズ, Yurishiizu)
Ícaro (イカロス, Ikarosu) tiene dos alas como arma.
Orfeo / Orpheus (オルフェウス, Orufeusu) con lira y todo Se puede apreciar que los tres nombres de los Angels de Saint Seiya se basaron en ellos. Touma de Ícaro apareció en el manga Next Dimension, y los ángeles Odysseus y Theseus ya aparecieron en Prólogo del Cielo (podemos intuir que no tardarán en aparecer en el canon de Saint Seiya). Además, en el guion original de Kurumada para el Prólogo del Cielo iban a aparecer 5 ángeles pero ese número se redujo a sólo 3 por cuestión del tiempo de duración del largometraje, quedando fuera los ángeles basados en Apolo (que debería tener otro nombre) y Orpheus. ''Apolo'' se asemeja mucho físicamente a Aiolos de Sagitario del manga y evidentemente, recuerda también a quien sería después Aolia, el Gold Saint de Leo, tanto por su apariencia como por su sentido del honor. ¿Sería posible que Aiolos regresara como un Angel? Los cinco héroes derrotan y mueren enfrentándose a Apollon, Orfeo, Teseo e Ícaro, después Zeus y el resto van hasta Japón a vengarse del equipo de Japón (dando inicio a la saga siguiente, la de los doce dioses). Los protagonistas muertos son resucitados por los Misopethamenos de Apollon y Orfeo, que decidieron ayudarlos.
Los héroes en realidad no estaban muertos, fueron transportados hasta el reino de los dioses para desafiar a los dioses del Olimpo. Cada miembro del equipo de Grecia representa uno de los 12 dioses olímpicos de la Grecia. Tras la batalla con el equipo griego, los protagonistas, junto con los líderes de otros equipos del mundo, tuvieron que luchar a continuación contra los dioses olímpicos / doce divinidades:
Zeus (ゼウス, Zeusu) posee un arma dorada que es el Kaiser Nuckle.
Poseidón
(ポセイドン, Poseidon)
Hades
(ハーデス, Hādesu)
Venus (ビーナス, Viinasu) (sí, Venus es una diosa romana... vaya).
Técnica: Lightning Plasma (Aioria de Leo tiene una técnica con el mismo
nombre) No sólo eso, sino que Kurumada compensaría el uso del nombre de la deidad romana entre los dioses griegos en Saint Seiya, ya que Afrodita (el equivalente griego de Venus) terminó siendo el nombre del Gold Saint de Piscis. Aún así, aunque Lightning Plasma ahora se conoce principalmente como el ataque principal de Aioria, la versión original del movimiento es de Venus.
Pegaso / Pegassus (ペガサス, Pegasasu)
Narciso (ナルシサス, Narushisasu)
Medusa (メデューサ, Meduusa)
Prometeo / Prometheus (プロメテウス, Purometeusu)
Orión (オリオン, Orion)
Artemis (アルテミス, Arutemisu)
Creusa / Kreusa (クレウサ, Kureusa) Esta fue la primera mención de la mitología griega en una obra de Kurumada (este admitió que los 12 dioses del Olimpo le influyeron en la creación de Saint Seiya). Destaca especialmente la presencia de un Pegaso, pero también de una Venus, molde perfecto del futuro Gold Saint Aphrodite de Piscis. Hades también recuerda al dios de Saint Seiya (sólo que sus cabellos no están tan alborotados), su primera aparición es también similar. El Hades recordaba tanto al de Saint Seiya que en la animación del Pachinko se cambió su diseño y se le puso cabello blanco. De hecho, Hades y Poseidón (este un poco menos) de Ring ni Kakero recuerdan exactamente a los de Saint Seiya, podemos preguntarnos / suponer que cuando Zeus aparezca en Saint Seiya será físicamente IDÊNTICO al Zeus de RnK (?). Dado que Poseidón y Hades de Ring ni Kakero se parecen mucho a los dos de Saint Seiya, aunque se debe tener en cuenta que el trazo de Kurumada evolucionó bastante desde 1981.
Shun volviéndose villano en Hades tiene un poco de inspiración en RnK, donde Takeshi Kawai es seducido por el clan Ashura. Aunque Shun es forzado por la posesión del dios, ambos son personajes bishonen en la historia. Hay enemigos inspirados en la mitología griega, aunque dos romanos se infiltren: Ulises (Ulysses) y Venus (que incluso tiene un ataque llamado Lightning Plasma). La técnica de la flecha de Tremy es idéntica a la utilizada por uno de los 12 dioses del Olimpo. Hay mención de la sangre de los dioses (ikhor), que tiene propiedades especiales. Finalmente, la escena de la "muerte" de Seiya en Elysion en brazos de Saori es casi idéntica a la de Ryuuji cuando muere en brazos de su hermana Kiku, la diferencia es que Ryuuji realmente muere. Los fallecimientos de Ryuji y Seiya son iguales, pero ambos realmente hacen referencia a la muerte de Joe Yabuki en el manga clásico Ashita no Joe. Kurumada admitió que se inspiró en esta serie. En verdad Kurumada recicla varios conceptos entre todas sus obras. Además de usar el “Star System” (una técnica narrativa utilizada en el manga para mantener un reparto estable de personajes en las distintas obras de un mismo autor, sólo cambiando la personalidad y el nombre, Kurumada tiene "ideas" preconcebidas de apariencias para sus personajes y sencillamente los explota como actores), existen similitudes entre las personalidades, las técnicas de combate y los nombres de los personajes.
Por esa razón podemos notar a distintos personajes muy parecidos / idénticos físicamente a Seiya aunque con diferentes facetas, no siendo la misma persona. Kurumada decidió que todos los protagonistas de sus obras debían lucir como Ryuuji Takane (protagonista de su primer éxito titulado Ring Ni Kakero, manga de boxeo que le sirvió de base para futuras obras): cabello castaño alborotado, piel canela, estatura media y algo rebelde. No obstante, podemos notar diferencias a nivel psicológico, mientras Ryuuji de Ring Ni Kakero es más pausado, Teppei de la obra B’t X es más duro y desentendido, y Kojiro de Fuma no Kojiro es agresivo y gracioso. Incluso existe una leyenda que dice que todos los protagonistas de Kurumada se basan en él mismo. En la obra Ai no Jidai, basado en su biografía, entendemos porqué usa algunos conceptos en sus diferentes obras.
RnK tiene otros embriones de temas posteriormente desarrollados en Saint Seiya: un escenario de combate es la Torre Shadow (Torre de la sombra), una mini-subida de 12 casas donde hay que cruzar por la fuerza cada piso, esa idea se inspira en una película inacabada de Bruce Lee, titulada “Game of Death” (Juego con la Muerte) de 2010 (años más tarde Akira Toriyama utiliza esa misma idea con la Muscle Tower de Dragonball). Más adelante, en la saga de los Ashuras, tenemos las verdaderas 12 casas en forma de 9 puertas, un área o lugar sagrado donde los héroes deben cruzar varias puertas protegidas cada una por un guardián con el propósito de rescatar a Kiku (la chica manager hermana de Ryuji), secuestrada por unos pájaros (como Saori con los cuervos de Jamian)...
The Shadow Tower: homenaje a The Game of Death El propio Kurumada se vio influenciado al hacer su manga Rnk. Aunque es un manga de boxeo de principio a fin, con combates que se suceden en el ring, hay dos sagas argumentales que implican peleas que ocurren fuera del ring y en ambas obviamente, no son peleas oficiales. La segunda, el Ashura Chapter, hizo que Ryuji y su pandilla subieran por un largo sendero, teniendo que cruzar varias puertas y derrotar a los guardianes que las custodiaban; obviamente, esto sería una gran parte del modus operandi de Saint Seiya. Sin embargo, en el Shadow Chapter los combates son de boxeo callejero y en la segunda mitad se produce un desafío de 5 contra 5 hecho oficialmente en un ring. La primera mitad de este capítulo vio a Kurumada rendir homenaje al legendario actor y artista marcial chino Bruce Lee, específicamente su igualmente legendaria película inacabada: “The Game of Death”. En la película inacabada de Lee, el personaje principal Hai Tien se ve obligado a subir el Palsangjeon, la última pagoda de madera en Corea, para llegar a la parte superior donde una pandilla criminal tiene secuestrada a su hermana pequeña. En el Shadow Chapter de RnK, Ryuji Takane se ve obligado a subir por una pagoda japonesa para rescatar a su hermana mayor, Kiku, que está retenida en la parte superior, después de que el misterioso Clan de la Sombra (Shadow Clan) la secuestrara por sus propios motivos. Sin embargo, las similitudes van incluso más allá de eso. En el primer piso de Palsangjeon Hai tiene que combatir contra 10 karateka de cinturones negros, mientras que en el primer piso de la Shadow Tower (Torre de las Sombras) Ryuji lucha contra 100 Shadow Boxers (Boxeadores de sombras). Después de eso, entre los pisos 2-4 tanto Hai como Ryuji se enfrentan a desafíos (la mayoría) individuales, cada uno de los cuales lucha de forma diferente al anterior, ya sean diferentes artes marciales para Hai o varios métodos sucios de lucha, acordes con una forma de boxeo tendentes al asesinato, para Ryuji. Finalmente, en el último piso, Hai y Ryuji se enfrentan a hombres gigantes que luchan con el mismo estilo que ellos, ya sea Jeet Kune Do o boxeo. Es obvio que Kurumada quería rendir homenaje a Lee, quien falleció pocos años antes del debut de RnK, por lo que le dio a su manga un homenaje gigante a The Game of Death, y sinceramente es una de las mejores partes de todo el manga. Esta parte de la historia se hizo para mostrar el ingenio y la habilidad de Ryuji para adaptarse a diferentes formas de combate, al igual que la forma en que el estilo Jeet Kune Do (creado por Lee) intenta adaptarse e incluso implementar otros estilos a los que se enfrenta. Como la película de Lee nunca se terminó correctamente, la Shadow Tower puede ser el mejor reemplazo espiritual que existe. RnK fue el primer manga cuyo capítulo final fue editado a Full-Color El manga es notable entre los cómics en todo el mundo, ya que se realiza principalmente en blanco y negro, independientemente de si se trata de un pequeño o un nombre más grande; no es el único tipo de cómic que lo hace así, pero es el más notable. De vez en cuando hay toques de color en algunas páginas, generalmente reservados para promocionar nuevos debuts o para celebrar series populares, pero aun así estas inclusiones de color no son realmente "a todo color" (full-color) en la forma en que se imaginan la mayoría de los cómics. Por lo tanto, cuando un manga se edita en color, es algo para tener muy en cuenta. Actualmente, por ejemplo, Saint Seiya Next Dimension de Masami Kurumada recibe el tratamiento a todo color para cada compilación tankouban (e incluso se serializó inicialmente así). Sin embargo, cuando se trata de Shonen Jump, el club más exclusivo que existe es que una serie termine con un capítulo final hecho completamente a todo color, ya que es un club de solo cuatro en este momento. La mayoría de los fans de la revista conocen a Dragon Ball, Slam Dunk y (más recientemente) a Naruto, especialmente porque los tres han recibido lanzamientos completos en Occidente. Sin embargo, lo que no es tan conocido es el primero que recibió este tratamiento. Por lo tanto, después de dar muchos de los capítulos páginas finales en color, Shueisha publicó todo el capítulo final de Ring ni Kakero,” Ring yo Eien ni!” (Dear Ring, Forever !), en full-color, fue la primera vez que se hizo en Shonen Jump. Es verdad que Kurumada no alcanzó su mayor notoriedad hasta que debutó con Saint Seiya en 1986, y eso se debe principalmente a que fue el primer manga en adaptarse al anime, que luego se exportó a todo el mundo y se convirtió en un gran éxito en otros países. Kurumada ya maneja algunos momentos de emoción, pero aún está lejos de la intensidad de lo que será su futura obra maestra en 1986, un manga que integra todos los componentes de la epopeya de la antigüedad, con elementos trágicos, sobre un fondo mitológico. Finalmente, precisar que tanto Ring ni Kakero como Saint Seiya se centran en la lucha y heroísmo.
En (2) Fuuma no Kojiro había elementos legendarios, los héroes sostienen cada uno una espada sagrada que sólo el titular puede utilizar sin problemas. Este manga también aportó la idea de una "Tierra Sagrada", fuente de todos los conflictos y donde la Guerra de las Espadas Sagradas tendría lugar algún dia. También se presenta el concepto de Cosmo (Orden en griego), así como el concepto opuesto, el de Caos, que se pelearían entre sí con sus espadas sagradas. La idea de Cosmo proviene de este manga, pero también de frases de culto de sus películas de karate favoritas como "Ki ga Takamaru" (su Qi está aumentando!), así como la visión de un documental en la televisión que describe cada cuerpo humano como un Shouchu (Microcosmos, mundo interior). Gran parte de la saga de Hades, con generaciones y generaciones de lucha entre dos dioses y sus guerreros se inspira de las espadas sagradas de Fuuma no Kojiro. Kojiro sirvió como fuente de diseño para Ikki y Shun, que se inspiran en Musashi y Kirikaze. ●
Entrevista
Fuji TV – Japón (2003) Q58: ¿Cuál es la idea base del Cosmo? Kurumada: “En la televisión vi un programa donde el cuerpo era definido como un 'micro-universo' (小宇宙: "shô uchu"). De ahí, tomé el 'universo' (宇宙: "uchu") en el sentido estelar, y lo escribí 小宇宙 (Micro-Cosmo).” En (3) Otokozaka se pone en valor el concepto de la cosmo-energía o energía cósmica que será popularizada en Saint Seiya, se evoca la idea de que cada combatiente dispone de una estrella en el cielo que lo guía hacia su destino, algunos han nacido bajo una buena estrella y otros bajo una mala estrella ... El tiempo pasa y los mangas de Kurumada siguen girando en torno al mismo tema, uno se pregunta si es realmente capaz de hacer otra cosa, sin olvidar que la mayoría de sus obras van destinadas a un público muy joven, de entre 10 y 15 años de edad, una edad en la que se tiene necesidad de identificarse y encontrar sus valores. El único manga de Kurumada destinado a los jóvenes adultos, Akane-iro no Kaze, está mucho más lejos de esa concepción, y está más enfocado a una descripción de la vida cotidiana de un samurái del siglo XIX, sobre unos antecedentes históricos suficientemente detallados.
Karate Kid, los orígenes de Saint Seiya ... En lo que se refiere a la creación de Saint Seiya en sí misma, tiene lugar después de Otokozaka. Frustrado y enfadado por el fracaso de su manga de violencia juvenil y luchas callejeras, Kurumada se concede un pequeño período de descanso que aprovecha para sentar las bases de su nueva serie, determinado a que su siguiente manga sea un éxito. Cuando Masami Kurumada intenta recordar su pasado, siempre comienza hablando de Otoko Zaka, antes de comenzar a hablar sobre Saint Seiya. Esto es porque Otoko Zaka ha sido la obra clave para la concepción de Saint Seiya, luego de la interrupción de esa obra, Kurumada comienza a trabajar en Saint Seiya. Las ideas iniciales para Saint Seiya eran muy distintas a las que terminaron plasmándose en el papel. Masami Kurumada tuvo las primeras ideas de Saint Seiya después de ver la película norteamericana The Karate Kid (salida en 1984 en Japón la película fue titulada “Best Kid”), entonces comienza a reflexionar sobre un guion que, después de muchas transformaciones, concluirá con la saga que conocemos. Pensó inicialmente que Saint Seiya sea una serie de artes marciales, como la película “Karate Kid”, sin embargo encontró en las armaduras un elemento importante para explotar.
Una de las ideas que le dio su editor era que el protagonista debía ser hijo del dueño de un dōjō, en un barrio céntrico de Tokio; y este, al regresar a su casa de un entrenamiento en el extranjero, encontraría a su padre adoptivo asesinado y su hermana secuestrada, y reúne a viejos camaradas para ir en su rescate, pero a Kurumada no le gustó esta idea y la desechó. ●
Entrevista en Fuji TV, 2003 Q19: ¿Qué es un jefe de edición para usted? Kurumada: “En primer lugar, un fan de la obra; y alguien capaz de juzgar objetivamente como jefe de edición. En otras palabras, un compañero. En la época en que hacia Ring ni Kakero, mi jefe de edición, yo y todas las personas implicadas aún éramos jóvenes solteros, así que era común que pasáramos las noches en el estudio bebiendo mientras intercambiábamos ideas, antes de ir a dormir. El regalo más valioso que puede hacer un jefe de edición, son sus ideas. Hablar de una película que él vio, o de alguna persona interesante que vio en el tren, etc...” El planteamiento inicial le pareció un poco trivial, entonces pensó en agregar la mitología griega y los dioses, porque creía que la mitología griega traería una cierta imagen romántica, que podría gustarles tanto a las niñas como a los niños. Marcado positivamente por su viaje por Europa efectuado en 1980, Kurumada decide transponer - por gusto del exotismo - la configuración del principio de la historia de su manga y la situó en Grecia como lugar de acción, para que su héroe pudiese perfeccionar su aprendizaje. A Kurumada le pareció que se vería más occidental si hacía que los Saints entrenaran en Grecia. Decisión muy original en la época, pues los japoneses no se ven atraídos especialmente por el alejamiento cultural de su país, pero también arriesgada, dado el limitado éxito alcanzado anteriormente por los mangas que tienen lugar fuera de Japón. El giro argumental clave fue que los combatientes tuvieran súper poderes. Kurumada busca inicialmente desarrollar aún más los efectos especiales en comparación con sus mangas precedentes, e imagina personajes con poderes sobrehumanos luchando con las manos desnudas concentrando su energía vital y utilizando técnicas de combate luminosas en las que aparecían rayos y chispas. Estos luchadores iban a tener nombres basados en las 88 constelaciones y los nombres de sus ataques estarían basados en el Cosmos y el Universo. Kurumada pensó que los combatientes debían disponer también de puñetazos y patadas que pudieran congelar, quemar, paralizar y así sucesivamente, pero no podía dejarlos indefensos así que se decidió por la creación de las armaduras protectoras. Debido a que tenía pensado que los protagonistas tuvieran poderes sobrehumanos los golpes ejecutados por estos luchadores eran tan violentos que debían llevar protecciones sobre todo el cuerpo para no sufrir graves heridas. Llama a los alumnos luchadores 'Seisenshi' (guerreros sagrados) y les añade armaduras (a lo Bioman) para protegerlos de los impactos potenciales de estos ataques poderosísimos fuera de lo común, corazas que remodela en función del nuevo escenario escogido, Grecia. Originalmente las armaduras iban a ser atuendos de karate / judo, luego protecciones más parecidas a armaduras samurái, hasta que Kurumada se inspiró en las armaduras occidentales medievales y empezó desde ahí hasta donde sabemos hoy (el mejor ejemplo es el diseño del Gold Cloth de Leo). Masami Kurumada intentó (con mayor o menor fortuna y acierto) adaptar el folklore japonés a su obra Saint Seiya, los caballeros del Zodiaco, y fusionarlo con la mitología griega, que es la que nutre la mayor parte de la historia de las constelaciones que iluminan las armaduras de los Saints del Santuario. Para crear sus situaciones, escenarios, personajes y armaduras Kurumada se inspiró en personajes o universos de ciertas películas que eran de su agrado, pero sobretodo exploró la Grecia antigua y en mayor medida las historias de mitología griega, pero también usa en menor medida las mitologías egipcia, nórdica / escandinava, oriental, china y japonesa, y azteca, igualmente se inspira en la astrología (constelaciones, la eclíptica y el Zodiaco), la astronomía (planetas, astros y fenómenos celestes) y la cosmología (origen del Universo, microcosmos).
Kurumada investigó sobre los mitos de todo el mundo, pero además 3 religiones están muy presentes en su obra: la doctrina hindú, el budismo, (Shaka, Krishna, el destino y las reencarnaciones de los personajes para cumplir su misión época tras época) y el cristianismo / catolicismo (el perfil compasivo de Atenea se asemeja mucho a Jesús, Hyoga y su rosario, el orfanato etc...). También incluyó otros conceptos / referencias / menciones, como el código samurái y obras de la literatura clásica como La Divina Comedia (la visión del Meikai en la saga de Hades), los libros de Tolkien (el espectro Lune de Barlog), los libros de H.P. Lovecraft (el espectro Niobe de Deep) etc.. lo que demuestra que Kuramada se nutre del folklore universal para crear su obra.
Existen innumerables referencias hacia el Budismo, ya que a serie presenta un sincretismo religioso y mítico, véase, por ejemplo, todo lo que rodea al Gold Saint de Virgo: Shaka, como sus técnicas de combate, sus discípulos (Shiva y Agora) explotados en el anime, los diálogos, las citas o conversaciones que mantiene con Siddhartha Gautama, o la idea del cosmos, el cual se basa en las 9 conciencias del budismo; las primeras 5 son los 5 sentidos ordinarios, la sexta integra los datos recibidos de los 5 sentidos (sexto sentido o intuición), la séptima va dirigida a percibir nuestro mundo interior (séptimo sentido), la octava es una conciencia que se mantiene activa tanto en el ciclo de la vida como durante la latencia de la muerte y nos permite separarnos del "yo" para ver nuestro lugar en conjunto con el Universo (octavo sentido), además existe una conciencia más profunda (noveno sentido), todas estas alusiones / sucesos sólo se vuelven comprensibles previo conocimiento de conceptos religiosos / míticos. Seventh Sense. (セブンセンシズ) "Séptimo Sentido" en inglés. Según Mu, la esencia del Cosmo. La verdadera forma del Cosmo máximo. Eight Sense. (エイトセンシズ) "Octavo Sentido" en inglés. Arayashiki. Arayashiki. (阿頼耶識) "Almacén de la consciencia". Según la tradición budista se trata del "origen", o sea, aquello que está oculto; es decir, la octava consciencia u octavo sentido. Despertar el Arayashiki le permite a los Saints ir con vida al Inframundo y no quedar atados a sus leyes. En la saga de Hades - Infierno existen numerosas referencias a la composición del infierno cristiano, según lo descrito en la Divina Comedia de Dante Alighieri. Tal es el caso del cruce del río Aqueronte o el portal de entrada que invita a abandonar toda esperanza. Asimismo, el orfanato donde recluyen a Seiya parece ser cristiano ya que aparece coronado en su campanario con una cruz católica (ratificando este hecho, en la primera parte del torneo galáctico Galaxian Wars aparece Miho rezando en la iglesia del orfanato), también aparece el uso del rosario de la Cruz del Norte que recibió Hyoga de su madre Natassia, y que aparece en los varios momentos en que Hyoga está en grave peligro. Saint Seiya se basa evidentemente en los mitos griegos, pero en realidad va más allá de los mitos. Kurumada también se inspira en el conocimiento y el folklore universal, además de la mitología griega, también toma referencias de la mitología japonesa y la mitología china, investigó sobre los mitos de todo el mundo (por supuesto, la mitología de su propio país fue la que le aportó mayor influencia) y la cultura samurái, la teología y los conceptos religiosos, las doctrinas budista y hinduista, las filosofías trascendentes, la medicina (véase la compleja estructura psicológica de Saga de Géminis), la termodinámica (recuerden las explicaciones de Camus sobre los átomos, las temperaturas de congelación de las armaduras y el cero absoluto), así como obras clásicas de la literatura (no es difícil comprobar que la obra de Saint Seiya está directamente relacionada con el campo de la Literatura Comparada, ya que trata temas que están en el canon de la literatura universal), incluso películas de Hollywood famosas influyeron en él, todo ello le da una riqueza a la serie que la vuelven realmente original. Masami Kurumada siempre ha sabido inspirarse en sus obras literarias y cinematográficas preferidas, entre las cuales cita: "The Water Margin" (108 bandidos o Outlaws of the Marsh) traducida como "Al margen del agua", los poemas chinos Li Po, la trilogía del Señor de los Anillos, las Crónicas de Narnia, la Biblia, el Exorcista, The Omen, la trilogía de El Padrino, Damien o la Maldición, Star Wars, James Bond y Karate Kid, verdadera inspiración de Saint Seiya!. Saint Seiya no es la clásica lucha eterna entre el bien y el mal, sino que es una guerra por el futuro del planeta, por arrebatar el ideal de justicia al competidor. La amistad, el amor, la justicia y la vida humana son valores que se ponen a prueba en esta historia.
El desarrollo del manga: Seiya, Saint, Cloth, Cosmo… Cuando Kurumada se planteó como sería su nuevo manga trabajó en la definición de tres conceptos que posteriormente serían los pilares de la historia. Saint. (聖闘士/セイント Seinto) en kanji "Seitôshi", o sea "Combatiente Sagrado"; con el furigana "Saint", o sea "Santo" en inglés. Cada uno de los 88 integrantes del ejército de Atenea. La palabra "Saint" no se basa realmente en la definición más común y normal de la palabra; porque para Kurumada las palabras japonesas "Holy Warrior" (Senshi) le sonaban como "Saint”. Cloth. (聖衣/クロス Kurosu) en kanji "Seii", o sea "Ropaje" o "Vestidura Sagrada" (聖衣); con el furigana "Cloth", o sea "Paño/Tela" en inglés. Cada una de las corazas que visten los Saints de Atenea. Kurumada se basó en las túnicas sagradas que vestían los dioses griegos en la antigüedad para darle ese nombre. Cosmo/Cosmos. (小宇宙/コスモ Kosumo) en kanji "Shôuchû", o sea "Pequeño universo"; con el furigana "Cosmo". Kurumada adoptó este término luego de ver un documental en el que definían al cuerpo humano como un "pequeño universo/cosmos". En una entrevista, el autor definió este concepto como "sentir el deseo de matar" y/o "elevar el espíritu/motivación".
Originalmente, el manga se suponía sería llamado Ginga no Rin (銀河のリン:"Rin de la Galaxia" [銀河の輪:Ginga no Rin: Rin of the Milky Way], el nombre inicial del protagonista era Rin (リン), que podía significar 'Campana' o 'Rueda') de Ginga (Vía Láctea o Galaxia). Ginga. 銀河 → (ぎんが) “Galaxia”. La primera armadura que Masami Kurumada creó fue el Gold Cloth de Leo. Todos los otros Gold Cloths fueron diseñados en base al Cloth de Leo. El nombre del protagonista se suponía que iba a ser Leónidas (lluvia de meteoros como Perseidas proveniente del sector de la constelación de Leo, llamada Leónidas) y que se suponía que era el Leo Gold Saint [probablemente Saint fuera sinónimo de Luchador / Guerrero, pero lo importante es que el concepto de Saint permaneció]. En un principio Kurumada había pensado que el protagonista estuviera protegido por la constelación de Leo, pero cambió de idea tras leer información sobre las Leónidas, 'Shishiza Ryuusei Gun' (un grupo de meteoros que se encuentra alrededor de la constelación de Leo, la imagen de gran cantidad de meteoros cayendo del cielo era increíblemente hermosa, un fenómeno muy bello que encajaba con la imagen de un Saint) y la constelación de Pegaso.
*Nota: Las Leónidas son una lluvia de meteoros / estrellas fugaces que se produce cada año entre el 15 y el 21 de noviembre, alcanzando un máximo de intensidad de tormenta cada 33 años. Los enjambres de estrellas fugaces están asociados a los cometas. Los meteoros son pequeñas partículas (normalmente, entre un milímetro y varios centímetros) dejadas por un cometa a su paso, que al entrar a gran velocidad en la atmósfera de la Tierra se "queman" (en realidad el brillo se debe a la ionización del aire a su alrededor) y producen el trazo luminoso que vemos como estrella fugaz. Estas partículas desprendidas del cometa siguen a éste en su órbita y por eso cada lluvia es visible una vez al año, cuando la Tierra en su movimiento anual de traslación encuentra a la acumulación de partículas. En el caso de las Leónidas, el responsable es el cometa Tempel-Tuttle, y siguiendo al cometa en su órbita, existe una zona de mayor densidad en la corriente meteórica, que es atravesada por la Tierra cada 33 años (coincidiendo con el paso del cometa por el perihelio) produciendo las espectaculares tormentas de meteoros. El radiante de las Leónidas es un punto de la constelación de Leo, próximo a dseta Leonis (en la "cabeza" del León). Al observador le parece que los meteoros "irradian" de dicho punto del cielo. Sólo se trata de un efecto de perspectiva; en realidad los meteoros llegan a nosotros en trayectorias paralelas: al igual que las vías del tren son paralelas pero parecen unirse en el horizonte. El color de estos meteoros es generalmente rojizo, son muy rápidos, ya que la Tierra los encuentra de frente, y con frecuencia dejan tras sí una estela de color verde que persiste durante unos pocos segundos. Su distribución a lo largo de la órbita no es uniforme, por cuanto están concentrados en un enjambre más denso que ha dado lugar a las grandes lluvias de estrellas.
Cuando decidió hacer relacionar a todos los Saints con el Zodiaco para ser los que tuvieran el rango de oro (que serían los mejores luchadores) pensó que sería una mejor idea olvidarse del Leo Gold Saint y lo colocó al azar como un personaje que aparece sólo en el capítulo uno, cambiando su nombre a Aioria, pero después decidió dejarlo en la serie y hacer de él uno de los "jefes" en vez del personaje principal y optar por otra persona como protagonista que empezaría desde el principio y se haría mejor y mejor a medida que avanzara la serie. El nuevo personaje hereda los ataques del Leo, ya que quería mantener los meteoros para el personaje principal como fuera. El ataque principal de Seiya son una sucesión de impactos de meteoros con una velocidad que rompe la barrera del sonido o Mach1. Dado que finalmente descubrió quién iba a utilizar como protagonista tenía que encontrar un título. Primero pensó nombrarlo Rin y así pensó en el título "Ginga no Rin" (銀河の輪, "Rin de la Galaxia"). Sin embargo, más adelante no le gustó ese nombre, ya que era demasiado lindo para la persona fiera que tenía en mente, así que lo cambió, como el nombre del título. Luego se decidió por Seiya "Flecha sagrada" (聖矢), que luego deletreó como “Flecha estelar”, (星矢), metáfora por meteoro, nombre del muchacho protagonista que encajaba mejor con el motivo astrológico de su manga, que sería fundamental, como un nombre más apropiado, ya que el primer significado le parecía muy puro para un protagonista de sangre caliente y, finalmente llamó a su obra "Saint Seiya". ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: “El nombre de Seiya debía significar "flecha sagrada", escrito 聖矢. Pero pensé que era demasiado "lindo" para un personaje tan apasionado. Por eso lo cambié, sustituyendo "sagrado" (聖) por "estrella" (星). Ademas, ese significado me pareció más genial. (Risas).”
Así que después de encontrar el diseño del personaje que quería (el mismo que su personaje Ryuuji del manga Ring ni Kakero y también todas las otras series que lo siguieron) decidió buscar y escoger su constelación. Después de "eliminar" una por una todas las constelaciones que no se ajustaban a él, estrechó sus opciones entre dos constelaciones, Pegaso y Unicornio (el editor le sugirió que debería ser la constelación de un caballo). Finalmente terminó con Pegasus y aun hoy que no se arrepiente de la elección que hizo. Igualmente, debido a que su manga usaría las constelaciones como un elemento muy presente e importante, quiso que su protagonista dispusiera de una técnica especial semejante a una lluvia de meteoros denominada “Meteoro de Pegaso”, "Pegasus Meteor Fist" o lluvia de meteoros, inspirado en la lluvia de meteoros proveniente del sector de la constelación de Leo, llamada Leónidas. No está claro cuándo Masami Kurumada cambió de dirección a partir de una serie de lucha libre a la serie que conocemos hoy en día. Una cosa es segura, Saori no era Atenea desde el inicio de la serie, sino una niña rica mimada que se divierte con las vidas de otras personas y que Tatsumi era su guardaespaldas leal [más como un perro faldero]. Todo eso cambió después con el concepto final de los Saints. Kurumada reconfigura también la situación del primer capítulo: de vuelta a Japón, Seiya se da cuenta de que su padre adoptivo murió y que su hermana fue secuestrada por bandidos. Seiya se lanza en su búsqueda y pide ayuda a sus “antiguos camaradas”. El nombre inicial de Seiya se escribía con los kanji que significaban "Holy Arrow" (聖矢 "Flecha Sagrada" o "Santa Flecha"), para relacionar a Seiya con su condición de Saint, pero Kurumada lo cambió por los kanji que significaban "Star Arrow" (星矢 "Flecha Estelar"), metáfora por meteoro, que encajaba mejor con el motivo astrológico de su manga, para enfatizar la constelación y el motivo mitológico, ya que el primer significado le parecía muy puro para un protagonista. De hecho, Kurumada hizo pequeños guiños al significado del nombre de Seiya: "flecha estelar", al mostrárnoslo en el tomo 1 usando un par de zapatillas decoradas con una estrella y una flecha. Y también lo hizo al mostrarnos, en el tomo 7, a un Seiya vistiendo un pijama estampado con estrellas. De la misma manera, Kurumada cambió el título de su manga a Saint Seiya, una vez desarrolló el concepto de los Saints inspirándose en mitología grecolatina, en donde se llamaba santos a los que protegían a dioses/diosas, combatientes a quienes inicialmente llamó Sei Senshi (聖戦士: "Guerrero Sagrado"), luego Sei Toushi (聖闘士: "Combatiente Sagrado") y de ahí llegó a 'Seinto' ("Saint" o Santo en katakana), que sonaba como si fuese japonés, ya que Saint se pronuncia un poco de la misma forma que en japonés = Seinto, Kurumada decidió que Seitoshi se leyera Saint, puesto que Seinto es simplemente la transliteración fonética de la palabra inglesa Saint al japonés, y de derivar el nombre de ellos de una de las lecturas del kanji Hoshi, que significa estrella, la cual es Sei, homófona con el primer kanji de Saint (que en kanji se lee Seitoshi, 'Peleador Santo'). Sei hacía referencia tanto a la santidad de los sirvientes de una diosa, como a las estrellas. Todos (o casi todos) los mangas de Kurumada son historias de lucha pero a Saint Seiya le agregó un sentido mitológico y astrológico (para lo cual tuvo que estudiar mucho). En muchos países el término Saints fue cambiado a Caballeros debido a las confusiones que se podían prestar con los Santos de la religión. Es llamado Santo una persona que representa a un dios y que lucha por él, así como los Santos en Saint Seiya luchaban por la diosa Atenea.
Youtube - Canal Saint Seiya Next Dimension Fan Group SAINT
SEIYA en kanjis : 聖闘士星矢 : Seitôshi Seiya : Sei Toushi
Seiya : [Sacred Fighter Seiya] que se compone de los ideogramas sabio/santo
(聖), pelea / guerra (闘) y caballero o samurai (士) por lo que la traducción
sería algo así como “caballero santo” + el nombre del protagonista (Seiya). Los kanji 聖闘士星矢 (Saint Seiya, Seinto Seiya) significan obviamente, el Santo Seiya. Separándolos, se puede analizar más su significado. Los kanji que Kurumada usa para escribir Saint: (聖闘士) se leen Seitoshi, pero el furigana sobre ellos (caracteres pequeños que se escriben sobre los kanji que indican al lector como deben pronunciarse, como ayuda para los niños o por si el kanji es poco común), también llamado 'lectura forzada', indica que deben leerse Saint, descartando la pronunciación japonesa en favor de la inglesa pero conservando el significado en japonés. El significado de los caracteres de Saint es 'Peleador Santo' (Hijiri, Sei= Santo, Toshi= peleador). Es por el último kanji en Toshi, que son conocidos como 'Caballeros' en español pues el kanji 'shi' significa caballero (como los europeos medievales, aunque también al aplicarlo a los Samurái su significado incluye caballero, pero el equivalente español a 'gentleman'), y también significa 'guerrero' al combinarlo con el kanji bu (武, formando Bushi (武士), otro nombre por el que se conocía a los Samurái en su época. No es correcto llamarlos caballeros pues no era la idea de Kurumada darles ese nombre, la idea era llamarlos 'Peleador Santo', aunque el mismo Kurumada mencionó que es aceptable llamarlos 'Caballeros' al no ser estricto, pues es lo que son básicamente, una orden de caballeros. Kurumada menciona que escogió llamarlos Saint debido al motivo religioso y astronómico siempre presente en su manga, al pronunciarlo en japonés, Saint suena como Seinto, y 'Sei' significa Santo, así como es la segunda lectura más común del kanji 星 (Hoshi), que significa 'Estrella'. Así que Kurumada empleó un ingenioso juego de palabras doble en el nombre.
La calidad sobrehumana y atributos que poseen los héroes de la antigüedad los vuelven superiores al común de los mortales, esta naturaleza es indispensable para la trama de la historia, están destinados a vivir aventuras peligrosas, necesitan un gran poder para afrontar los numerosos obstáculos que se interpondrán en su camino. Así en Saint Seiya los caballeros son capaces de desgarrar el cielo de un solo golpe de puño y entreabrir la tierra de un simple puntapié. La fuente de ese poder Masami Kurumada la basa en el Cosmos [小宇宙: Shouuchuu: Microcosm], una energía que cada hombre posee, pero que pocos saben cómo utilizar. Esa energía permite realizar proezas, en el sentido literal, da a los caballeros el poder de pulverizar las estrellas. La idea del Cosmo vino de frases como "Ki ga takamaru" (su Chi va en aumento), "Sakki wo kanjru" (puedo sentir una sed de sangre). Las ideas que le inspiraron las obtuvo viendo un documental de televisión. El documental hablaba de cómo el cuerpo de una persona es un “Shouuchuu” (Microcosmos o pequeño universo). Entonces decidió utilizar la palabra "Kosumo" (Cosmo), junto con las palabras japonesas. Aquí, Kurumada utilizara el mito hindú de los nueve estados de la consciencia como la fuente de ese cosmos, elemento que desarrollará a través de la saga por la vía del 7o sentido, del Arayashiki y del acceso a la divinidad.
Entrevista
Saint Seiya Ôgon Densetsu – guía del juego –
Japón (1-08-1987)
Kurumada: “Cuando se habla de técnicas de lucha, generalmente pensamos en Judo o Karate, pero hacer un manga sobre este tema no habría aportado nada muy fresco, por eso basé todo esto en elementos tales como las constelaciones o la mitología griega. En cuanto a los Cloths, me preguntan a menudo si me inspiré en las armaduras medievales. Pero en realidad, la imagen que tengo en mi cabeza es la de las ilustraciones "SEXY ROBOT" obra de Hajime Soraya”. Nota: Hajime Soraya (空山 基) es un artista japonés conocido por sus trabajos de ilustración de formas humanoides y robóticas femeninas.
Kurumada quería que los personajes usaran armaduras refinadas para que se vieran más misteriosos y románticos, originalmente pensó en hacerlas como si fueran Kesa o estolas (traje tradicional de los monjes budistas), luego las imaginó parecidas a las armaduras de los samuráis, estilo japonés, pero después de considerar que no se veían demasiado bien, las cambió a un estilo más occidental, teniendo en cuenta los mitos griegos. La apariencia de las armaduras sería más cercana a las antiguas armaduras occidentales, para diseñar los hombros y faldones se inspiró en las armaduras góticas de la Edad Media, pero en vez de darles un aspecto cuadrado, Kurumada buscó darles un diseño un poco más curvado. Esa forma curvada, metálica, estilizada y pegada al cuerpo está basada en las ilustraciones del manga Sexy Robot (de Hajime Sorayama). Las armaduras medievales fueron un elemento esencial para los caballeros de la edad media, resguardándoles ante las acometidas que pudieran sufrir con espadas u otras armas. Ya desde la antigüedad cuando el hombre tenía que enfrentarse a un combate cuerpo a cuerpo, intentaba protegerse de alguna forma, primero con pieles de animales, luego con cuero, y por último con los metales, con las armaduras. Así pues, podemos llamar armadura medieval al conjunto de piezas utilizadas para la defensa, realizadas en acero (o algún tipo de metal), que cubrían todo el cuerpo de los caballeros de la Baja Edad Media y principios de la Edad Moderna. Las armaduras de los caballeros se solían usar en combates, torneos, y en enfrentamientos bélicos, por lo que las armaduras les ayudaban mucho en su defensa, intentando que les ocasionaran el menor daño posible.
En el siglo XV se dio la época de mayor auge de las armaduras de combate, a esta se le llamó armadura gótica, con zonas lisas y bastante brillo, y con sugerentes curvas y decorados, pero sin exageración, sólo en los bordes. Los petos, cascos y guardas de los brazos, y las piernas tenían zonas con hendiduras y estrías, mientras que la zona de los dedos de los pies se realizaba muy anchas. Las armaduras de esta época son unas de las más grandiosas, y aunque se realizaban para combatir, nunca se hicieron unas armaduras tan espléndidas. Durante este siglo el caballero iba armado completamente, totalmente envuelto en la armadura. En cuanto a sus rangos y apariencias, Kurumada se basó en el ejército, donde existen almirantes, coroneles y capitanes, y cuyos uniformes cubren más a medida que el rango es mayor. De hecho, las armaduras se verán un poco futuristas en los primeros volúmenes del manga, problema que corregirán los animadores de la serie de televisión y después Kurumada dando nuevas armaduras a sus caballeros. En la serie podemos encontrar elementos filosóficos interesantes de señalar. La existencia de distintos tipos de Saints diferenciados en Oro, Plata y Bronce nos remite a la idea de los distintos tipos de hombre planteada por Platón. Además, existía una especie de alquimia en cada Saint que hacia que al tener mayor Cosmos, mayor fuerza interior, se generara una transmutación de la armadura. Esto nos remite a los alquimistas medievales que mediante su propio cambio interior, lograban cambiar los elementos materiales a su voluntad. Aunque se puede decir que los Cloths de Saint Seiya son una invención, Masami Kurumada ya tenía tendencia a proporcionar armas, objetos o herramientas específicas a los personajes de sus mangas anteriores. Como por ejemplo los nunchakus utilizados por el protagonista de Sukeban Arashi o el Kaiser Knuckle de Ring ni Kakero. En realidad a Kurumada le gustaban las películas de James Bond, le agradaba mucho la idea de que el agente secreto Bond o las chicas Bond usaran artefactos u objetos en su coche o sacaran rápidamente sus armas de lugares ocultos en su persona para luchar contra los malos. Así que, en cada uno de sus mangas habría ideas como el Kaiser Kuckle, un anillo kuckle para pelear, una espada sagrada, una legendaria espada de poder etc. de ahí se inspira la idea explotada en Saint Seiya de darles a los Saints un accesorio como los Cloths, armaduras transmitidas desde la época de los mitos para ayudarlos en sus combates. Kurumada decidió aprovechar la mitología griega y la astrología para dar más fuerza y belleza a la idea de los Cloths.
Cuando Kurumada pensaba en encontrar una constelación para su héroe principal. Un editor de Shueisha le sugirió la idea de que Seiya llevara una Cloth que tomara la apariencia de un caballo cuando no la use (“si quieres, puedes hacer un caballo, son cool los caballos” = transcripción aproximada), idea que el mangaka adoptó usando las constelaciones protectoras para darles forma, pues realmente le gustó la idea de un caballo volando por el cielo (criatura que utilizaría también en Bt'x, otro manga posterior de Kurumada). De hecho, Kurumada por alguna u otra razón, decidió investigar en la mitología griega y la astrología para usarla como inspiración para Saint Seiya, no siendo ésta la primera vez que lo había hecho (para desarrollar la trama de su manga Bt'X investigó sobre Matemáticas, Física y Filosofía).
El autor hizo la aproximación con Pegaso y así nace en su espíritu el concepto de las constelaciones protectoras. Para diseñar los Cloth Kurumada se inspira del arte griego y las estatuas de los dioses griegos. Muchos de ellos vestían ropas blancas. A partir de ahí, decidió llamar a los ropajes «Seinaru Koromo" (Sacred Cloth / Sagrado Paño). Luego lo simplificó y los llamó "Sei I”, y de la palabra Koromo, sacó la palabra “Kurosu” (Cloth / Tela). ●
Entrevista
Fuji TV – Japón (2003) Q56: ¿De dónde viene la idea para la palabra "Cloth"? Kurumada: “La representación de la mitología griega, muestra a los dioses usando paños = 'cloth' ("vestidura"). Y como son dioses, lo que visten son así como "vestiduras sagradas" (聖なる衣 en japonés). Y acortándolo obtuve 聖衣 = Cloth.”
En la caracterización particular del héroe la constelación estelar de su armadura es determinante. En Saint Seiya, los personajes, tanto héroes como adversarios, son colocados bajo la protección de una constelación o una estrella que servirán de referencia para diseñar el carácter del personaje colocado bajo su patrocinio. Kurumada hará para ello numerosas búsquedas e investigaciones para que cada personaje se adapte bien a la leyenda propia de cada constelación. Ello será facilitado por el hecho que sólo escogerá constelaciones salidas de mitos griegos o del bestiario fabuloso de la antigüedad. Kurumada llevará ese tratamiento a todos los personajes, aparte de algunos adversarios sin importancia, entre los caballeros de plata, por ejemplo, los otros oponentes serán también fuertemente impregnados por la influencia de sus constelaciones. Un trabajo muy interesante será realizado para definir a los caballeros de oro en particular.
La historia sigue al personaje principal, Seiya, que pertenece a un grupo de guerreros denominados Saints [聖闘士:Seitoushi], ellos visten armaduras llamadas Cloths [聖衣: Seii: Sacred Cloth] contruídas en base a las constelaciones, que utilizan un poder procedente del Universo llamado Cosmo [小宇宙: Shouuchuu: Microcosm]. La idea del Cosmo vino de frases como "Ki ga takamaru" (su Chi va en aumento), "Sakki wo kanjru" (puedo sentir una sed de sangre). Las ideas que le inspiraron las obtuvo viendo un documental de televisión. El documental hablaba de cómo el cuerpo de una persona es un “Shouuchuu” (Microcosmos o pequeño universo). Entonces decidió utilizar la palabra "Kosumo" (Cosmo), junto con las palabras japonesas. Las bases estaban establecidas. Sólo faltaba que Kurumada escribiera un guion potable. Aquí su trabajo será excepcional: Después de seleccionar docenas de libros eruditos sobre las diversas mitologías griega, nórdica y china, se las arregla para combinar todas estas leyendas y dibujar una historia en general bastante viable.
Asimismo, en lo que concierne a los escenarios de su historia, Kurumada utiliza en su manga muchos modelos o referencias visuales del mundo, algunos saltan a la vista, otros son más sutiles: lugares célebres, obras de arte, monumentos etc. todos estos elementos son una herencia de los pueblos y culturas de nuestra historia, imágenes que Masami Kurumada desliza en su obra. Kurumada muy probablemente se inspiró de muchos lugares que había visitado antes de trabajar en Saint Seiya, Atenas seguro. El mangaka hizo una recreación estupenda del clásico arte griego al crear las 12 casas del Santuario y la estatua de Atenea, por no hablar del templo de Hades en Palaestra o el templo submarino de Poseidón.
Es muy probable también que designara como lugares de entrenamiento de los Saints a aquellos cuya historia le hubiera sorprendido. Shiryu de Dragón, por ejemplo, entrenó en un lugar fícticio de China denominado los 5 picos ancianos, que se basa en las 5 Sagradas Montañas de China: Monte Hua, Monte Tai, Monte Heng (Hunan), Monte Heng (Shanxi) y el Monte Song. Nachi de Lobo se entrenó en Bomi Hills (Liberia). Bomi es un condado situado en la parte noroeste de esta nación africana. Es uno de los 15 condados que incluyó el primer nivel de división administrativa del país, tiene 4 distritos. Tubmanburg es la capital con el área del condado. Bomi está bordeado por el condado de Grand Cape Mount, al oeste, el condado de Gbarpolu al norte, el condado de Montserrado al sureste, y el Océano Atlántico al sur.
El nacimiento de un manga de culto del género shōnen Saint Seiya - título original - es un manga en 28 volúmenes del género shōnen (少年 lit. «muchacho») término utilizado para designar aquella categoría dirigida especialmente a hombres adolescentes, que abarca los años 1986 a 1991 y está compuesto por 3 sagas o capítulos principales: The Sanctuary, The Poseidón y The Hades. Los anime y manga shōnen típicamente se caracterizan por ser series con grandes dosis de acción, incluyen a menudo situaciones humorísticas con protagonistas masculinos. El compañerismo entre adolescentes o adultos de un equipo de combate también suele subrayarse, y suele haber personajes atractivos femeninos. Saint Seiya cuenta la historia de 5 jóvenes (Seiya, Shiryu, Hyoga, Shun e Ikki) con poderes fabulosos que luchan contra enemigos cada vez más poderosos para hacer triunfar la bondad y la justicia. Presentado así en conjunto, Saint Seiya parece el modelo clásico de manga shōnen: un tipo de formato de manga invadido por la trascendencia, que sigue el modelo épico, con un patrón trágico, destinado a un público de jóvenes adolescentes, jóvenes combatientes que deben superar obstáculos cada vez más peligrosos y hacer triunfar a su causa (general: la amistad, la justicia, el amor).
Para estructurar la historia, Kurumada se reapropió del principio de la caracterización de las obras épicas y los adaptó a sus propias ideas e investigaciones, se permitió el lujo de hacer un rápido retrato de sus personajes, dejando así todo el espacio para desarrollar su historia, confiando en la inteligencia o la curiosidad de sus lectores para comprender los caracteres y personalidades de los protagonistas de su manga. Una vez que los personajes son esculpidos a través de procesos mediante los códigos del recito épico, Masami Kurumada puede centrarse en el desarrollo de su escenario. Aquí, una vez más, el mangaka se inspira en gran medida en las obras de la antigüedad, que combina en la progresión del recito épico con la tragedia. El número de fieles lectores aumentó repentinamente a la vista de las novedades propuestas por este manga, que superaba las obras anteriores de Masami Kurumada. Esta particular visión del mundo generada por Saint Seiya superó los límites de Japón y tuvo una valoración a nivel mundial. Saint Seiya fue algo nunca visto anteriormente, fue una revelación y un shock. Un espectáculo de manga y animación que empezó mostrando a chicos parecidos a superhéroes, denominados "Saints", cuyo poder provenía de dentro (microcosmo) y fuera (estrellas), nombrados en referencia a cada una de las constelaciones, que eran a la vez un patrón y un símbolo, y con un fundamento unificado detrás de su existencia y sus acciones. El grupo no estaba unido en un primer momento, y tuvo que encontrar su dirección, a veces superando fuertes motivaciones opuestas. Apoyándose en la mitología griega, la historia tenía toda la energía para implantar a su vez una nueva mitología, un universo de dioses y dioses-guerreros cuyas batallas podrían determinar el curso de la historia. Saint Seiya se presentó ante el público como un universo con una enorme profundidad implícita. Este tipo de recito gusta mucho a los jóvenes y los editores presionan a los dibujantes mangaka para que les proporcionen su dosis. De ahí el éxito de este género en los años 80, notablemente con Hokuto no Ken, Capitán Tsubasa, Yu Yu Hakusho, Dragon Ball, etc. y de nuevo a finales de los años 90, cuando el género se renueva inteligentemente ofreciendo toques de humor y frescura (Hunter X Hunter, Shaman King, Naruto, etc). El manga shōnen florece en Japón, tiene una estructura clásica, con varias etapas obligadas, una pauta que respeta los códigos establecidos.
Saint Seiya ha sido el primer trabajo de este tipo; en aquel periodo, la revista semanal Shônen Jump probablemente no tenía intención de publicar aquella obra. Kurumada pensaba poco en cuanto a los diseños, el nombre era lo importante, y no había editores interesados en publicar Saint Seiya. Sin duda, en el momento en el cual los lectores vieron las ilustraciones a colores de Saint Seiya, estas les parecieron bellas y luminosas, dando casi la impresión de ser un tesoro. Los jóvenes de la época las conservaron en sus cuartos, protegiéndolas con un plástico y dejándolas a la vista. Kurumada dice que le gustaría que los jóvenes vieran las ilustraciones elegidas por él especialmente para los fans y publicadas en el Sora, un libro especial de colección. Podemos suponer que Kurumada tenía la idea y guion principal planificado (la introducción de Atenea, su batalla contra Poseidón y luego Hades), pero no los detalles. Pudo optar por abrir su mente a las reacciones de sus lectores, desarrollar sus personajes, etc… mientras dibujaba su manga. Kurumada nunca pensó que Saint Seiya sería un éxito, inicialmente sólo planeó la saga de los Black Saints. Pero la popularidad creció y se aprobó el anime, por lo que Kurumada tuvo que ir más allá y decide utilizar a los principales dioses de la mitología griega (Poseidón, Hades y Zeus) como enemigos. De todas maneras, lo más importante para Kurumada en sus mangas no es la trama principal; lo que le importa es sorprender a los lectores, y para ello no escatima ninguna idea, por eso cada semana se tortura a sí mismo pensando en qué puede inventar para causar sorpresa. Los primeros volúmenes del manga están sobre el nivel de las anteriores obras del autor. Gráficamente, se nota mucho la influencia de la vieja escuela que marcó los años 70. Kurumada ni cambió su estilo, pero su dibujo lleva una marca de nostalgia que no hay que despreciar si se experimentaron las delicias de los mangas nostálgicos de hace treinta años. El guion, por contra, comienza a estancarse un poco en el concepto de las Guerras galácticas (que hizo durar dos volúmenes para poder colocar a sus personajes en su sitio) hasta la llegada de Ikki y su robo de la armadura de oro. A partir de ahí, todo se encadena a un ritmo más elevado hasta llegar al descubrimiento de la verdadera identidad de Saori Kido en el Volumen 6. Imaginen que la batalla del Santuario, que tarda 41 episodios en llegar en la teleserie, comienza al final del volumen 7. Es en esta saga inolvidable donde Masami Kurumada desvelará abiertamente y por primera vez su talento para los diálogos y hermosas ideas de puesta en escena conmovedoras. Se puede lamentar que algunas escenas del manga sean un poco secas y suaves en comparación con su versión animada, que se centra en las reacciones de los personajes más que en sus acciones. La saga del Santuario termina en el tomo 13, de manera algo diferente a la serie de televisión, ya que Saga se suicida y ninguno de los caballeros protagonistas es resucitado por Atenea. Lo que no impide que se despierten en el hospital en el siguiente volumen, que marca el inicio de la saga de Poseidón... Sí, ya. Asgard es, por desgracia, inédito en el manga, que incluye una breve historia en el Tomo 13 dedicada a una batalla de guerreros del Norte contra el Cisne Hyoga, los Blue Warriors (guerreros azules), que estará detrás de esta magnífica saga de la teleserie. En un principio la saga de Asgard iba a ser una OVA para la TV que uniese la saga del Santuario y la saga de Poseidón, pero debido al éxito que tuvo la película "La gran batalla de los dioses" decidieron hacer la saga de Asgard tal como la conocemos. En el caso de la saga de Poseidón, el manga es más completo que la serie de televisión. También hay muchas diferencias entre los dos, como el sacrificio de Aldebarán, que es sustituido por el de Siegfried contra Sorrento en el anime. Se observa de nuevo que los gráficos han mejorado mucho en comparación con los del comienzo de la serie y alcanzan la velocidad de crucero. El autor probablemente podía ya permitirse el lujo de contar con algunos asistentes adicionales para ayudarle. Apreciando visiblemente los finales un poco amargos (como se constata en su obra Kojiro) Kurumada da la impresión de que nuestros caballeros mueren de nuevo al final del tomo 18, pero vuelven en mejor forma en el próximo volumen, para comenzar su más difícil batalla contra Hades.
● Entrevista Editorial Star Comics - Italia (2001) Kurumada: "Al principio había pensado en una historia en la cual el protagonista fuese un muchacho que combatía con técnicas de karate. Luego me puse a estudiar las escenas de combate donde cada vez que se lanzaba un ataque aparecían rayos y chispas, y la cosa me pareció interesante. Entonces me di cuenta de que sin una armadura, el cuerpo de los protagonistas sufriría muchas heridas. Así nació el concepto de los Cloths. Pero luego me dije que si en el karate se utiliza una armadura cualquiera, estéticamente el resultado no es muy agradable, así que modifiqué mi idea creando armaduras más refinadas. La combinación de todas estas ideas con la mitología griega me permitieron diseñar una nueva historia. Inventé palabras como "Seitoshi" ("Saint" = "Guerrero Sagrado") y "Sei" ("Cloth" = "Vestidura Sagrada") la historia comenzó de repente a desarrollarse en mi cabeza. Después de haberme decidido por el protagonista, los demás personajes fueron creados de forma natural, junto con la historia en sí."
Kurumada: "Al principio quería hacer una historia sobre muchachos que practicaban karate y luchaban contra el mal. Pero era un poco trivial. Entonces pensé en agregar la mitología griega y los dioses, pero no resultaba lo suficientemente romántico. Entonces tuve la idea de dar a los caballeros armaduras con imágenes de los signos del Zodiaco, porque yo estaba fascinado por la astrología y creo que gracias a ella los Caballeros del Zodiaco son siempre misteriosos y románticos." ●
Entrevista revista
Anime Club – Brasil (1996) Kurumada: "Mi universo del manga está hecho de historias y personajes increíbles, determinados (nekketsu = de "sangre caliente"), y para componer este escenario utilizo diferentes elementos. En el caso de Saint Seiya me inspiré en las historias de los dioses griegos." Saint Seiya se clasifica en el género shōnen, es decir, un manga para niños (adolescentes) y encuentra su fuente en el “nekketsu”, subgénero que destaca el viaje iniciático de uno o varios personajes a través de la trascendencia y la superación personal (aunque muchos crítico digan que los personajes sólo corren, luego luchan y siguen corriendo hasta sus próximas peleas), pero incluye muchos elementos elegantes tales como la mitología griega, las constelaciones, o incluso, los Cloths. Al final, los mangas de Kurumada son una especie de “enka”. El “enka” es algo que encaja perfecto en el corazón de los japoneses. Un mundo de sentimientos humanos y de amistad. Eso es lo que es Saint Seiya. Sobrepasar los límites de sus cuerpos para ayudar a otro, pero sin pedir nunca nada a cambio. Nota: El Enka es un estilo musical tradicional japonés que nació en el periodo Meiji y que une ritmos occidentales y japoneses. El enka tiene un cariz muy tradicional y tiene relación con muchas otras artes japonesas, por ello podemos encontrarlo en series que ahondan dentro de las artes tradicionales japonesas y de la religión, con temas como pueden ser el sumo, los exorcismos, etc. Esta representación intenta hacer de enlace con tiempos pasados y es un intento de transmitir la cultura del país a las nuevas generaciones. Lo que muchos aprendieron de mitología griega gracias a pesadas enciclopedias, en las que estatuas representaban a diversas deidades griegas, decenas de miles de jóvenes (y no tan jóvenes) lo aprendieron frente a las páginas del manga y posteriormente ante las pantallas de un televisor y de manera más entretenida. Asimismo, todas las mitologías antiguas se mezclan (griega, escandinava, persa, egipcia, hindú...) en Saint Seiya, y con este mega mix, el autor obtiene una sustancia propia, su mitología personal. Saint Seiya es un conglomerado de tradiciones y disciplinas, que a veces rozan entre ellas hasta chocar. No obstante, no se trata de una contradicción sino del intento de aunar diferentes comprensiones atractivas y den un componente interesante para todo el mundo que la vea, sea cual sea su confesión religiosa, tradición, cultura o modo de vida. Saint Seiya también supuso un pequeño curso de vocabulario, pues Kurumada introdujo muchos conceptos propios. El autor, así como Tolkien creó un universo rico, coherente y construido con el desarrollo de una base, la génesis de su mundo, el Silmarillion, Saint Seiya tiene el Hypermyth. Este texto, basado en los escritos de Kurumada, es el fundamento de Saint Seiya. Relata el nacimiento del Universo, la creación de las armaduras y las viejas guerras.
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Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Todas las historias que he creado hablan de combates. Esta esencia no cambia en ninguno de los mundos que creo, lo único que varía es el esquema y los agregados. Entonces, en vez de que los personajes se transformen como los superhéroes de la TV, pensé en ellos vistiendo Cloths (armaduras). Los Cloths tenían que ser hermosos y aprovechar la mitología griega y la astrología daba más fuerza y belleza a la idea. Por lo tanto opté por una historia de lucha, pero adicioné un elemento más fashion: las armaduras, y como base para su diseño, opté por las constelaciones. Entonces pensé que podía identificar las constelaciones con la personalidad de los personajes, y desarrollé las ideas en esa dirección." NOTA: La revista brasileña de anime Henshin (www.henshin.com.br) ganó importancia en el mercado brasileño entre los años 2000 y 2002. El factor que los diferencia es que tenía colaboradores en Japón y siempre podía obtener información de primera mano. Por otra parte, siempre publicó entrevistas y material sobre mangakas, ilustradores de anime y actores de voz. Al menos dos ediciones fueron históricas: (edición 18) la entrevista a Seiji Yokoyama (compositor de la banda sonora de la teleserie) y (edición 31) la entrevista a Masami Kurumada (creador del manga).
● Entrevista
Fuji TV – Japón (2003) Q55: ¿Qué le hizo decidirse por usar la mitología griega como trasfondo? Kurumada: “Yo quería que las niñas también me leyeran. Creí que la mitología griega traería una cierta imagen romántica, que podría gustarles tanto a las niñas como a los niños. Hasta entonces, incluso los populares mangas shônen de peleas eran calificados como "brutales" por las niñas, quienes preferían mantenerse distanciadas. Obviamente, yo quería escribir un manga de peleas, pero me dije a mi mismo que esto también agregaría elegancia, y así fue como llegué a ese resultado. La acción es la acción, el detalle es el detalle”. Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: “Saint Seiya posee una cierta elegancia. Un manga nekketsu clásico habría tenido un lado grosero, pero Saint Seiya no llegó a ser así, y tenía elementos capaces de atraer a chicas jóvenes. Después de todo, incluso los personajes que eran derrotados tenían clase. Por lo general, ser batido es desgraciado, se termina en un triste estado. Pero en Saint Seiya perdían con clase. Derrotados pero cool, con estilo. ¿No es ahí donde se encuentra la elegancia?. Para ser honesto, en este punto, el anime ha tenido una influencia significativa. Tener a Shingo Araki como director de animación en jefe fue fantástico. Todo lo que hacía Shingo Araki era elegante! Increíblemente elegante. Él realmente estaba en perfecta sintonía con el universo de Saint Seiya!". Entrevista
revista
Kami Pro - Japón (2010) Kurumada: "Hmm, ahora que lo pienso, tuve dos periodos de transición. El primero fue de un año, entre el final de Sukeban Arashi y el comienzo de Ring ni Kakero. Después de eso, dibujé otro manga, Fûma no Kojirô, que también se convirtió en un éxito. Cuando finalicé, dibujé Otoko Zaka, pero ese no salió bien. Después me puse a pensar: "¿qué debería dibujar a continuación?". Estaba muy preocupado. Fue un año antes de que Saint Seiya fuese publicado que me tomé otro descanso. Ese fue mi segundo periodo de transición. Durante ese tiempo no leí ningún libro de historia; en cambio, me puse a leer ensayos sobre constelaciones. Nunca pensé que esa terminaría siendo mi especialidad, pero aún sigo leyéndolos. No importa como lo quieras decir, suena muy elegante, ¿no es así?. (Risas.) Al principio, no tenía ningún interés en las constelaciones. Incluso odiaba los horóscopos; son sólo un puñado de mentiras. (Risas.) En ese tiempo, me puse a leer libros sobre las 12 constelaciones zodiacales, las 88 constelaciones y sobre mitología griega. Y me puse a pensar: "¿por qué no utilizo estas ideas para mi siguiente manga?". Mucha gente me dice lo mismo (Risas.) Es por eso que para mí, ese tiempo de transición significó mucho. Realmente creo que cuanto más bajo caemos, más alto podemos saltar. Y no estoy hablando sólo de nosotros, los mangakas, creo que el mismo concepto también funciona para los luchadores y para los hombres asalariados. Como seres humanos, sin duda debemos enfrentar dificultades, pero es durante ese tiempo en el que debemos tomar coraje y pensar la manera de salir adelante, ¿verdad?. (Risas.)" Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Los mangas que había dibujado hasta entonces eran más bien de género brutal y llenos de sudor, así que quise agregar un toque de elegancia usando las constelaciones y la mitología griega como columna vertebral. Pero como este es sólo un trabajo de entretenimiento, no existe otro significado detrás de esa elección." Kurumada: "Comencé a dibujar a Saint Seiya con un preciso deseo, crear un manga que no tuviera precedentes en el género, que eligiera como escenario un mundo enorme y que fuera un gran entretenimiento. Al principio tuve muchas dificultades. En el momento de la publicación de los primeros episodios en una revista, me dijeron que los Saints, su "universo interior", el Santuario y las muchas referencias a la mitología griega eran un tema difícil de entender para los lectores japoneses. Me encontré clavado en el escritorio para garantizar que las viñetas de la semana fueran una concentración de ideas, sabiendo que la próxima semana tenía que empezar de cero. Estaba muerto de cansancio. Poco a poco, sin embargo, llegó el éxito. Me di cuenta de que las ventas de los volúmenes del manga habían superado más de un millón de copias. Fue una sorpresa agradable. Luego recibí cartas de apoyo de todo el mundo, y empezaron nuevos proyectos relacionados con el mundo de Seiya. Incluso hoy en día todavía siento el entusiasmo de los aficionados y como autor es una gran satisfacción." Kurumada : "No tengo interés sobresaliente en la mitología griega, únicamente lo normal. Mi inspiración vino porque en ella existen muchas ideas de interés que pueden ser utilizadas. La mitología griega tiene muchos personajes y los dioses son personajes poderosos e imponentes. Eso me sirvió en Ring ni Kakero, de esa forma daba a los enemigos más clase y fuerza que los protagonistas y creo que es mejor así."
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Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "No me llegaba a gustar. Yo sólo ojeaba el horóscopo de vez en cuando. Antes de Saint Seiya yo no llegué a estudiar profundamente astrología y constelaciones. Eso sólo lo hice después de haber comenzado a diseñar Saint Seiya. Con la mitología griega fue la misma historia, aunque ya había usado el tema en Ring ni Kakero (en él aparecen unos enemigos que se llamaban “Los 12 Dioses del Olimpo” -tomo 17-). Pero en esa ocasión no fui muy a fondo con esa idea. Cuando fui conociendo más sobre las leyendas y las historias de la mitología griega, yo sentí que aquello era una gran fuente de ideas. Basándome en eso, me fue posible crear un montón de personajes." Usted crea historias para entretener al público con emociones fuertes, y luego el público espera de usted otras obras como Saint Seiya. Kurumada: "Saint Seiya no ha sido sólo una gran obra, contenía elementos verdaderamente innovadores como las armaduras y el uso de la mitología. Los lectores de la serie eran tantos que se puede decir que con este manga les he dejado huella." ●
Entrevista Fuji TV – Japón (2003) Q77: ¿De dónde saca las ideas? Kurumada: “De películas o de comics del género del drama, en algunos casos. Una vez esos esquemas utilizados en los comics eran muy novedosos. Como las publicaciones semanales sólo permiten unas pocas páginas por capítulo, he luchado para crear una escena que hiciera decir a los lectores "wow, qué cool", y eso se convertía en el corazón del capítulo. Ser capaz de mostrar una acción dibujando varias veces un brazo en una página, era el privilegio que una vez tenían los mangakas, pero como los animes de hoy día tienen la misma capacidad, los mangakas deben mantenerse en guardia”. ●
Anime Land #97 - Francia, diciembre 2003 Kurumada: “Utilizo mis recuerdos. Me inspiro en ciertos personajes de mangas que he leído en el pasado, pero también en personajes o universos de ciertas películas. Por ejemplo, yo amo las películas de Yakuza, realizadas por el añorado Kinji Fukasaku. Esa saga llamada Jingi Naki Tatakai ("Batallas sin honor ni humanidad"). Me gustó mucho también la saga de The Godfather ("El padrino")”. ●
Anime Land #97 - Francia, diciembre 2003 Pero los héroes de esas historias son sobretodo malvados... Kurumada: “Es verdad, pero a pesar de todo, ellos transmiten un cierto aura. Además, esos personajes, así como los escenarios, son muy elegantes. Existe una cierta gracia y una cierta estética en esos films, que me gusta mucho”. ●
Entrevista en Fuji TV, 2003 Kurumada: “The Godfather ("El padrino") y Jingi Naki Tatakai ("Batalla sin honor y humanidad"). Esas dos siempre están en el top de mi ranking personal. La actuación de Nobuo Kaneko y Takeshi Katô en Jingi naki tatakai es genial. Puedo ver esa película docenas de veces sin cansarme. En The Godfather, el padre le hace comprender al hijo que aquellos que no le prestan atención a sus familias no son hombres. No me gustan las cosas que se arreglan mediante la violencia, pero hay un lado romántico en esa película. En efecto, incluso en ese contexto, la familia es presentada como algo importante”. ●
Entrevista Editorial Star Comics - Italia (2001) Kurumada: "Los personajes que creo son alter egos (otras personalidades) de mí mismo, por eso pienso que reflejan en sus caracteres mis experiencias, al menos en algunos aspectos. Pero en general, mientras realizo una historia, no pienso casi nunca en cosas de ese tipo, pienso sólo en cómo puedo hacerla más interesante para los lectores, por lo tanto nunca pienso en realizar una historia en la cual cuento simplemente mis experiencias. Con respecto a los datos que utilizo, nunca pienso en recogerlos con el objetivo de crear una historia. Pero en la vida cotidiana me empeño en analizar libros de arte, occidentales o chinos, especialmente las obras realizadas en China; luego leo novelas históricas u otros libros que me interesen." ●
Entrevista Editorial Star Comics - Italia (2001) Kurumada: "Para un mangaka su redactor es el primer lector, por eso no le pido consejos a nadie más, excepto a él. Raramente hablo de las ideas que tengo para una historia en entrevistas; pero mientras pienso en una nueva historia, efectúo varias modificaciones agregando las ideas más interesantes que se me van ocurriendo. Por eso, al final, el resultado es a menudo muy distinto de aquello que había contado anteriormente." ●
Entrevista Editorial Star Comics - Italia (2001) Kurumada: "Las únicas modificaciones que realizo son sólo en los diálogos." ●
Entrevista revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "No tengo interés sobresaliente en la mitología griega, únicamente lo normal. Mi inspiración vino porque en ella existen muchas ideas de interés que pueden ser utilizadas. La mitología griega tiene muchos personajes y los dioses son personajes poderosos e imponentes. Eso me sirvió en Ring ni Kakero, de esa forma daba a los enemigos más clase y fuerza que los protagonistas, y creo que es mejor así. Antes de crear Ring ni Kakero sabía muchas cosas sobre mitología griega, pero tuve que leer un libro para complementar mis conocimientos. Cuando empecé a escribir Saint Seiya tuve que leer mucho más para conocer más a fondo esos temas. En este tipo de mangas de combate, te las tienes que arreglar para mostrar un enemigo tras otro; pero en Saint Seiya, el trabajo de imaginar fue más fácil y placentero que en los otros mangas. La razón es que la mitología griega está llena de personajes como Poseidón, Hades o Zeus." ● Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "Después de Ring ni Kakero, todos los personajes de mis obras han poseído invariablemente una técnica especial; la única excepción es Otoko Zaka, que no por casualidad terminó siendo una obra inconclusa. Otoko Zaka es un personaje sin técnica ni estilo." Kurumada: "Cuando comencé a concebir Saint Seiya, tenía grandes dudas derivadas del hecho de no haber concluido Otoko Zaka. Esto porque en el mundo del manga la popularidad lo es todo, así que yo pensaba: "Si mi próxima obra no tiene éxito, será mi fin", y "mi próximo trabajo debe absolutamente tener éxito", así que cuando trabajé en Saint Seiya tenía la firme intención de obtener ciertos resultados." Kurumada: "De la caída se generan nuevas energías, y ha sido necesario una caída para hacer nacer a Saint Seiya. Sin dudas, si alguien busca crear una obra luego de no haber tenido éxito, y esta se convierte en una obra exitosa, nadie recordará las dificultades pasadas; esto es, por lo tanto, un esfuerzo comparable con el de un protagonista de un manga de acción. El manga es un "nombre", y con esta base de razonamiento he puesto mucha atención al crear la historia original de Saint Seiya." ●
Entrevista databook Cosmo Special - Japón (10 Agosto de 1988) Kurumada: "El basar la historia en la mitología griega fue algo que se me ocurrió sobre la marcha. En un principio mi idea original era muchísimo más sencilla. Como en la película Best Kid (título de “Karate Kid” en Japón), quería hacer un manga sobre un joven karateka. Pero incluso si se trataba de karate, pensé que estaría bien que los personajes pudieran lanzar chispas explosivas (risas). Y como los cuerpos sufrirían inevitablemente graves heridas ante tal potencia de fuego si carecían de armaduras, añadí el concepto de los Cloths.” Kurumada: "Por otro lado, el escenario también era distinto. En un principio iba a desarrollarse en el interior de las montañas de Japón. El jefe de un campo de entrenamiento de karate y una joven muchacha, que hacía funciones de gerente / manager del equipo, habrían encontrado a Seiya, caído cerca de su casa (risas). Entonces tuve una reunión con alguien del departamento de edición, pero este estaba poco convencido por este marco. Entonces me dije que Japón serviría como lugar de entrenamiento, pero al final me parecía efectivamente poco apropiado. Grecia por contra era perfecta para este tipo de cosas. Pero para ser honesto, como en la profesión había una especie de maldición que condena a los mangas que tienen lugar en el extranjero a tener poco éxito, no me gustaba en realidad esta idea (risas)."
El título original también era diferente al principio; no era "Saint Seiya". Realmente pensé en muchos títulos, como por ejemplo Ginga no Rin ("Rin de la Galaxia"); pero creo que el título actual es el mejor. Entonces elegí el término Sei Senshi ("Combatiente / Guerrero Sagrado"), pero me pareció demasiado común; luego pensé en Sei Tôshi ("Guerrero / Combatiente Sagrado") y de ahí llegué a la pronunciación "Seinto" ("Saint" en katakana), que recuerda la sonoridad del término japonés, y terminó de convencerme. Luego, para el nombre del protagonista, escogí la idea de una flecha sagrada (聖なる矢 - seinaru ya) y obtuve Seiya (星矢: "Flecha estelar", kanjis que significan "estrella" y "flecha"), pero me pareció que era un nombre demasiado puro para el protagonista nekketsu (Risas), por eso conservé la sonoridad pero cambié el kanji 聖 (sei - sagrado) por el kanji 星 (sei - estrella). Ese nombre me gusta mucho (Risas)." - nekketsu: de sangre caliente, algo lleno de ardor y pasión. Saint Seiya no es sólo la suma de toda la épica de Kurumada, sino que muchos conceptos de ella, sobre todo los Cloths, son ideas totalmente innovadoras que superan todo lo que Kurumada había hecho hasta ese momento, dándole una nueva amplitud y atrayendo a numerosos nuevos lectores. Kurumada perdió todo su anonimato y se convirtió en el autor que avanza por la gloria del manga. ● Después de Otoko Zaka, finalmente logró crear un manga formidable capaz de emocionar al lector. ¿Con Saint Seiya tuvo éxito con su plan? Kurumada: "La idea inicial de Saint Seiya era simple, sólo más tarde se incorporaron varios elementos tomados de la mitología griega. Quería crear una historia similar a la de Karate Kid, pero quería que las luchas tuvieran algo especial, algo realmente pirotécnico, y entonces pensé en las armaduras, que me permitieron insertar también la mitología. Al principio, mis colaboradores y yo pensamos comenzar el cómic con la escena en la que Seiya cae del cielo en una localidad montañosa japonesa, y aquí es rescatado por dos chicos (un varón y una mujer). Pensándolo bien, la escena nos pareció un poco ridícula, y pensamos en cambiar el lugar de la situación a Grecia. El título de la serie debía ser Ginga no Rin (Rin de la Vía Láctea), pero luego lo cambiamos a Sei Senshi (Guerrero de las Estrellas), pero una vez más no estuvimos todos de acuerdo, y optamos por Seitoshi, que se leía con la palabra inglesa Saint. El nombre del personaje principal lo cambiamos a Seiya, que debía significar ‘Flecha Santa’, pero al final se le dio el sentido de ‘Flecha de las estrellas’, dejando inalterada la pronunciación pero cambiando el primer ideograma que compone el nombre (los ideogramas de Santo y Estrella se pronuncian de la misma manera)." ● ¿Cuándo fue un gran éxito Saint Seiya en Japón? Kurumada: "El trabajo necesario para hacer un manga nos obligó a encerrarnos en un espacio pequeño, un estudio, pasando los día en pensar que dibujar. Por ello, no nos dimos cuenta del éxito que tenía nuestra obra. Recibíamos sólo pocas pistas a través de las cartas de los lectores. Fue entonces cuando fui al cine por primera vez y pude ver de cerca la reacción del público. Cuando Seiya o Ikki aparecían en la pantalla, el público se estremecía como si estuviera viendo a un cantante popular. Ello fue una sorpresa para mí porque nunca había visto a la gente mostrar tanto entusiasmo con el manga y el anime. Saber que mi trabajo era tan popular en Japón y en el mundo me hizo inmensamente feliz y orgulloso." ● Entrevista databook Cosmo Special - Japón (10 de agosto de 1988) Kurumada: "Después vino lo de las armaduras de los protagonistas, al principio iban a ser una especie de "kesa" (especie de túnica budista). (Risas.) Lo estuve pensando muchísimo y, como ya había decidido situar la historia en Grecia, se me ocurrió que podían ser vestiduras sagradas de los tiempos mitológicos. Llamarlos Cloth ("vestidura sagrada") me pareció lo más apropiado. A esas alturas ya estaba totalmente emocionado con la historia. El siguiente paso era concretar cómo serían los Cloths, no paraba de darle vueltas en mi cabeza tratando de basarme en la ciencia ficción o en recursos de anime, pero conocía muy poco. Entonces, un encargado de la editorial me dijo que podría ser buena idea que fuera una coraza que formase un caballo, y a mí me pareció estupendo, a pesar de que en un principio Seiya no iba a llevar el Cloth de Pegasus. Otro problema era ver como se hacían con ellas, como iniciar la historia. Esta es otra idea descartada, pero tenía pensado que el protagonista fuera hijo del dueño de un dojo, en un barrio céntrico de Tokio, y que al volver a su casa se encontrase con que alguien había matado a su padre. Esto ya no servía, y entonces me vino la idea de las constelaciones, la cadena de Shun, los Cloths, las armas... Después ya no tuve que esforzarme en sacar la trama". ● Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "Estuve particularmente atento en el modo de dibujar los Cloths en las páginas en color, en la esencia de su textura. Aunque al principio hubo numerosas páginas en color en las que no me satisfacía el resultado de los Cloths. Contrariamente a los mangas elaborados por diseñadores talentosos, los mangas de Kurumada se basan principalmente en los nēmu, pero sin embargo estaba determinado a prestar una atención particular a los Cloths. Nota: Etapa 1 - Nēmu wo kaku (ネームを描く) Los nēmu (o Story-Board) son más que un proyecto o borrador, digamos que son el manga previo al manga definitivo. Con los dibujos (aunque no sean exactos), el diseño de la página, la decoración y los diálogos. Los Nemus deben ser legibles para poder presentarlos a un editor potencial, así que son muy prácticos. Después de todo, los Cloths son cosas que nadie había visto en ninguna parte!. Por supuesto que yo tampoco los había visto en realidad, pero había que mostrarlas en dibujo. Tomé un tono básico azul, y le añadí un toque de color púrpura o bien de amarillo ... intenté todo tipo de cosas. También consideré el hecho de que las corazas tuvieran varios colores dependiendo del ángulo desde el que se miraban bajo la luz, por lo que también traté de hacerlas de esta manera ... Pero nunca acabaríamos si lo intentáramos todo y no sería posible hacer las páginas a tiempo (risas). En verdad, he mejorado gradualmente la reproducción de los colores de los Cloth a medida que dibujaba el manga, hasta llegar a algo pude considerar como completo. Es hacia la mitad del manga que finalmente encontré algo apropiado. Las páginas a todo color con las que me involucré particularmente son las utilizadas para las portadas de las revistas así como la primera página interior. Las dibujé con la esperanza de que los niños de primaria las encontraran tan bonitas que arrancaran las páginas y las colgaran en las paredes de sus habitaciones. Puse más que nunca convicción de las ilustraciones en colores en la época de Saint Seiya, y ahora estoy ansioso por ver ese libro que las recopilará!."
Kurumada: "En las películas de entretenimiento, y sobre todo las de espionaje tipo James Bond, las mujeres espía levantan repentinamente sus faldas y revelan ligueros con armas ocultas que están enganchadas. Estas son escenas emocionantes, impresionantes y sexys. Creo que el uso de estas armas me ha influido mucho. Ver esto cuando yo aún estaba en la escuela primaria me dejó impresionado. ¿Los Cloths no serían la realización final de ello?. Hasta entonces, este tipo de disfraz dio lugar a cosas con ángulos rectos parecidos a robots. Pero en el caso de Saint Seiya, le dí un estilo similar a las armaduras occidentales, así como a las formas aerodinámicas. Además, el concepto no se resumió a armaduras colocadas en el cuerpo de los personajes. Más que protecciones que llevaban el nombre de constelaciones, estas tenían la interesante capacidad de tomar la forma objeto a imagen de su constelación cuando no eran vestidas. Independientemente de la historia, el hecho de que tuvieran la apariencia de constelaciones en sí era importante. Aunque fue difícil, continué sosteniendo esta idea, y los Cloths por si mismas llegaron a ser populares! No había hasta entonces nada comparable a los Cloths en juguetes o en productos derivados. Algo que se podía colocar sobre el cuerpo de una figura y que pudiera tomar otra forma cuando no se usa. Saint Seiya puede haber sido un precursor de su tiempo en muchos aspectos."
Cada volumen del manga incluye varias páginas adicionales que detallan exactamente cómo las piezas o corazas de una armadura en forma de escultura que representa una constelación se convierten en los elementos de la armadura funcional de combate sobre el cuerpo del portador. ●
Cosmo Special/Masami Kurumada Kurumada: “En cuanto a la armadura usada por el héroe, pensé desde el principio varias cosas, como por ejemplo una kasaya (risas). Pero cuando añadí el background griego, todo esto cambió mucho. Al final, opté por la idea de las vestiduras sagradas (聖なる衣, seinaru koromo, "prenda/vestimenta sagrada") usados durante la edad mitológica y construí el término "Cloth" (聖衣), que me pareció la mejor opción posible. Esta fue otra ocasión donde me torturé por los nombres. Luego llegó el momento de pensar muy concretamente en los Cloths, y me encontré desgarrado, sin saber si tenía que acercarme a la ciencia ficción o a lo que podíamos ver en los animes. En última instancia, mi responsable de la editorial me sugirió la idea de una armadura con forma de caballo, diciéndome que sin duda sería una buena idea (risas). Para ser sincero, tenía dudas al respecto y me pregunté si sería factible (risas). Así que al principio yo todavía no había decidido que Seiya usaría el Cloth Seiya de Pegaso, ni lo que haría con esta una vez adquirida. Para hablar de otra idea que no usé, pensé en hacer al héroe hijo de un maestro de dōjō de los barrios del pueblo que un día encontró a su padre muerto al regresar, asesinado por un desconocido. Creo que al fijar claramente el marco esto permite continuar sin demasiada dificultad, como por ejemplo al decidir basarme en las constelaciones para los Cloths y las armas, como con la cadena de Andrómeda."
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Entrevista Editorial Glenat - España (2011) Kurumada: "La imagen de Pegaso, caballo del cielo, me pareció muy apropiada como el protagonista-héroe para los lectores masculinos (lectores shônen, chicos)." ● Entrevista databook Jump Gold Selection #3 (1989) Kurumada: "Cuando estaba haciendo investigaciones para preparar la estructura de la serie, vi una imagen que representaba la lluvia de meteoros de Leo (Leónidas) en un documento relacionado con los astros. Y lo encontré extremadamente bello, una gran cantidad de meteoros que caen del cielo. Eso se adaptaba bien a la imagen de los Saints. Al comienzo me dije que podría atribuirle al protagonista la constelación de Leo. Luego, investigando más sobre ese tema, me encontré con la constelación de Pegasus. La imagen de Pegasus cruzando el cielo era perfecta para el héroe y escogí a Pegaso para el protagonista. De todos modos, la imagen de los meteoritos de Leónidas se mantiene como su técnica especial."
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Entrevista en Fuji TV, 2003 ¿Cuál es la idea base del Cosmo? Kurumada: “En la televisión vi un programa donde el cuerpo era definido como un "micro-universo" (小宇宙: "shô uchu"). De ahí, tomé el "universo" (宇宙: "uchu") en el sentido estelar, y lo escribí 小宇宙 (Micro-Cosmo)”. ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "El nombre de Seiya debía significar "flecha sagrada", escrito 聖矢. Pero pensé que era demasiado "lindo" para un personaje tan apasionado. Por eso lo cambié, sustituyendo "sagrado" (聖) por "estrella" (星). Además, ese significado me pareció más genial." (Risas.) ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "Cuando se definieron las características esenciales de la historia, fueron elegidas de entre las 88 constelaciones, aquellas que pudieran ser relacionadas con los 10 Bronze Saints. Luego pensé en las características de los personajes, adaptándolas a cada constelación."
● Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "No son muchas las ilustraciones a colores presentes en Saint Seiya, lo digo sinceramente, tanto que el número total de ilustraciones a colores que existen en el manga podrían ser incluidas en un solo volumen. Pero la razón de esto es que, en la época en que se publicaba Saint Seiya, el editor estaba bastante ocupado y por lo tanto no teníamos mucho tiempo para realizar un gran número de ilustraciones a colores. Pienso que habría sido notable poder realizar, además de las tapas a colores, también un capítulo de 32 páginas, por ejemplo. Sin dudas, cuando fueron pedidas ilustraciones a cuatro colores, creo que esto hubiera sido un medidor importante para estabilizar la popularidad del manga, porque si no tiene popularidad no hay pedidos de este tipo. Pero no hay que pensar que la pesadez del trabajo lo convierte en indeseable; al contrario, me sentía muy feliz por eso, y nunca me he tirado atrás por cosas de este tipo. Durante la realización de Saint Seiya, no he parado un minuto de crear ilustraciones, y cuando en la reciente publicación de la Shônen Jump vi que existen mangakas que rechazan las páginas a color, justificando su rechazo con el hecho de que tales dibujos deben ser de colección, me sorprendí bastante. En mis tiempos eso era impensable y por más que se los hubiesen permitido, eso los hubiera descalificado a los ojos de la gente, como mangaka y quizás también como ser humano. Poco después del inicio de la publicación del manga de Saint Seiya, se decidió su adaptación en anime, y su éxito superó a todos mis trabajos, incluyendo a Ring ni Kakero de la misma Shônen Jump. Con las elevadas audiencias alcanzadas por la serie televisiva, nace una marca no aún registrada en el mercado japonés, con la serie de figuras de acción de Bandai, llamada Saint Seiya Cloth Series. Luego llegaron las grandes ventas del juego para Famicom y el lanzamiento de un total de cuatro películas. Una de las razones del éxito tan repentino de Saint Seiya es, sin dudas, la existencia de los Cloths. Algunos dicen que los Cloths fueron la verdadera innovación de Saint Seiya, sin embargo hay que recordar que antes también existía una estrecha relación entre los personajes y sus respectivos equipamientos. Por ejemplo, en Sukeban Arashi los nunchakus usados por la protagonista, o el Kaizer Knuckle de Ring ni Kakero. Pero también en algunos famosos films, como el de 007, los accesorios usados por los espías, sobre todo por las mujeres, capaces de extraer rápidamente un arma escondida en la falda, son escenas muy interesantes; para mí, sensual y con estilo. Pienso que eso me había influenciado, también porque de joven me habían producido una gran impresión, y creo que el resultado de esa impresión pueden haber sido los Cloths; antes de entonces, de hecho, esa clase de trajes eran muy cuadrados, porque pertenecían a los robots. En el caso de Saint Seiya usé el estilo de las armaduras occidentales, más curvadas, y también pensé en armaduras que pudiesen vestirse sin que se tornasen pesadas. Sin embargo, combinando cada armadura con el nombre de una constelación y dándoles las formas que éstas representan, creía que podría no ser algo del todo interesante, porque no tenía relación con la historia. Pero era importante.
A pesar de que era complicado, sin desanimarme continué con mi idea de las armaduras, ¡con el resultado de que la tuve cada vez más en consideración! Ni siquiera entre los juguetes existía algo como eso: la idea de una especie de traje puesto sobre los personajes, que se podía transformar en otro tipo de forma o figura. Fue la idea de Saint Seiya en vender, en esa época, más que todos los demás." ●
Entrevista revista
Kami
Pro (2010) Kurumada: "¡Estaba muy ocupado una vez que empecé a hacer Saint Seiya! Como mangaka, cuando tu manga se vuelve popular, tienes que hacer páginas a color para la revista. Una vez, la Shônen Jump me pidió que hiciera una tapa para Saint Seiya, así que tuve dibujar como 20 páginas a color. Al mismo tiempo, también tuve que hacer unas 30 o 40 páginas para un capítulo largo." ● La Saga de Asgard no existe en el manga. ¿Usted tuvo alguna participación en el desarrollo de esa historia y de sus personajes? Kurumada: "Yo no estuve involucrado en la creación de la saga de Asgard, es Toei Animation la que preparó el guión original de la saga de Asgard, y lo que hice yo fue darles consejos. Como máximo le di una mirada al guión, pero no participe de ella. Sólo creo que la Saga de Asgard terminó siendo muy larga y que la de Poseidón terminó siendo corta a causa de eso." Entrevista para fans de Latinoamérica, sacada del foro SNK (2008) administrado por Jesus Schraidt. El Sr. SAWA, editor de la revista Champion Red, hizo de intermediario directo con MASAMI KURUMADA, estas son las respuestas a las preguntas que 10 fans miembros de la comunidad del foro tuvieron la oportunidad de hacerle después de ser seleccionadas como las más adecuadas. 1. Epsylon (España) pregunta： “En la animación de Saint Seiya, el añadido que posiblemente ha sido el mejor recibido de todo este fue la "Saga de Asgard". La buena trama y profundidad de los personajes la han hecho una de las más queridas entre los fans de Saint Seiya y entre los de nuestra Comunidad, aunque a muchos les asalta la duda de saber cuál es su opinión sobre ella y cuánto tuvo usted que ver en la creación de esta saga?.” *Kurumada responde: “He participado en la puesta a escena de la película. Esta queda fuera de la trama principal de Saint Seiya como las sagas del Santuario, Poseidón, y Hades; sin embargo como historia alterna está bien, no crees?.” ● Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "Hasta ese momento los mangas se basaban en universos y géneros existentes bien definidos. Se podía fácilmente identificar un manga de béisbol, un manga de tenis o un manga de boxeo. El lector tenía la capacidad de comprender “el género al que pertenecía cada manga”. Sin embargo, aún no había mangas que usaran la mitología griega como soporte intrínseco, tal universo nunca se había visto, y fue toda una novedad. Ese tipo de situación nunca había sido utilizada en un manga shônen. Y fue por eso que al principio los lectores tuvieron dificultades para engancharse. No era posible responder con una palabra a la pregunta "¿a qué género de manga pertenece Saint Seiya?", era imposible clasificarlo en un género preciso. Aunque no creo que Saint Seiya hubiera sido tan popular si me hubiera contentado con hacer un manga nekketsu clásico como todos aquellos vistos hasta ese entonces, con sudor, sangre y lágrimas." ●
Entrevista Gamebook 1 - Japón (Famicom Game, 1987) Kurumada: "Primero, yo amo los deportes, pero en vez de equipos u organizaciones con mucha gente, a mí me gustan los deportes de peleas de 1 vs 1. Ahí sólo puedes confiar en ti mismo. Yo quería dibujar un manga sobre un deporte de pelea, y eso se convirtió en Saint Seiya". ●
Entrevista en Fuji TV, 2003 Q28: ¿Su deporte de combate preferido? Kurumada: “K-1 y Pride. En charlas con expertos en artes marciales, he llegado no sólo a apreciar los combates en el ring, sino que también me hizo querer ver series con atletas. Existen muchos fans de Ring ni Kakero entre los deportistas, hoy en día. Sakuraba Kazushi, por ejemplo, utilizó una técnica llamada "Hurricane Bolt" en su pelea contra Hickson.” ●
Entrevista en Fuji TV, 2003 Q48: ¿Y con respecto a las actividades en los clubes? Kurumada: “Yo estaba en el club de judo. En ese tiempo el judo era muy popular en la TV y tenía una imagen cool, con por ejemplo Sugata Sanshirô. La imagen en ese entonces era que los héroes defensores de la justicia practicaban judo, mientras que los personajes malvados, sus enemigos, practicaban karate.” ●
Entrevista en Fuji TV, 2003 Q49: ¿Ha hecho usted boxeo? Kurumada: “No, yo solamente investigué un poco. Primero pensé en el concepto de "un chico y su hermana mayor tratando de escalar niveles (en la sociedad)", y luego pensé en un deporte que pudiera mostrar eso. Al final, fue el boxeo.” Entrevista
Gamebook 1 - Japón (Famicom Game, 1987) Kurumada: "Cuando piensas en deportes de pelea, inmediatamente piensas en Judo o Karate; pero dibujar un manga sobre esos deportes no sería innovador, así que usé un concepto basado en la mitología griega y en las constelaciones. Mucha gente dice que los Cloths hacen referencia a las armaduras de Europa en la Edad Media, pero la imagen que yo tenía en mente pude haberla sacado de las ilustraciones de Sexy Robot de Hajime Sorayama". ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Hummm… No tuve influencia de nada. Fue todo original. Es enteramente un manga “estilo Kurumada”. (Risas.) Leer libros, ver películas y conocer nuevas personas me ayudan a tener ideas, pero no fui influenciado por ningún otro manga desde que me volví profesional. Mi estilo es inconfundible. No se copia de ninguno." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Si existiese un método para crear nuevas historias, a mi me gustaría aprenderlo. (Risas.) Si existiese un "know-how" (“saber cómo”), una formula hecha, creo que ninguno sufriría. Cuando veo películas o leo libros, esas cosas aportan ideas que te hacen decir: “¡Wow, que interesante!”. Yo creo que son esas ideas que van surgiendo que dan la punta para desarrollar tus trabajos. Pero una idea sola no crea una historia. Usted necesita ir juntando y guardando las mejores ideas dentro de su cabeza, y todo ese rejunte se transforma en una trabajo." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "La inspiración también es súper-importante. Pero yo necesito juntar mucha inspiración, sino sería imposible mantener historias tan largas. Por lo tanto, es importante para un autor conseguir acumular el mayor número posible de material dentro de su mente." La influencia del arte occidental en el manga SLos mangas están llenos de símbolos, citas y referencias a la cultura japonesa a través de su folclore y mitos, así como a la cultura occidental, también el cine en general, la fotografía o la publicidad. Estas obras usan las referencias ya sea gráficamente, repitiendo y reinterpretando elementos, ya sea como códigos narrativos, para ofrecer un impacto más fuerte en los momentos clave de la narración, o como citas que sirven a la narración en forma retroactiva o no. La mayoría de las obras de arte utilizadas por los mangakas forman parte de la Cultura: han marcado su siglo por su innovación, las técnicas e ideas expresadas, y se estudian en Historia del Arte. Estas obras se extraen del tiempo, van más allá de las fronteras para encarnar imágenes que forman parte de la memoria colectiva. Su presencia en los libros de texto ilustra períodos históricos como el Renacimiento o la Revolución Francesa y ofrecen una reflexión en libros de literaturas frente a los textos. La Pietà La Piedad, o Virgen de la Misericordia, es un tema recurrente en la iconografía de la pintura cristiana que apareció en Italia a mediados del siglo XIV. Presenta sólo dos personajes: el Cristo muerto y la Virgen María en mater dolorosa, la madre llorando a su hijo, llevando el cuerpo de Cristo en sus brazos, arrodillándose. Sin embargo, encontramos en los mangas una pietà donde el portador permanece en pie. Las composiciones de esta forma a menudo están estrechamente relacionadas con la Piedad de Miguel Ángel, aunque María sea representa sentada. El portador es por lo general un héroe y la persona transportada puede ser cualquiera: un amigo, un compañero, un miembro de su propia familia en agonía, hasta un valeroso rival, la posición expresa el dolor por un ser querido desaparecido, dormido o muerto. En la desesperación, el portador se da cuenta de su existencia fútil, de su debilidad. Se siente impotente y tendrá que luchar para lograr su objetivo y proteger a los que ama. Esta imagen se ha convertido en un estereotipo narrativo para que la narración adquiera mayor tensión incluyendo un momento dramático. La Pietà es utilizada por el mangaka como un estereotipo recurrente durante la muerte de sus personajes. Se utiliza de dos maneras: una donde se señala la debilidad del portador, u otra donde el portador es el héroe glorioso que sostiene a su enemigo sin vida.
Shun, un Saint de aspecto afeminado y frágil, lleva a June en brazos, su adversaria, inconsciente (volumen 8, página 65). La intensidad dramática de la escena está en su apogeo porque el autor no representa la pelea. Pone en escena el regreso impactante del joven mientras sus compañeros se preocupaban y dudaban de sus habilidades. La secuencia es dibujada sin ningún contorno, sólo con la ayuda de líneas que caen del cielo como rayos de luz. Esto añade una impresión de tristeza, incluso de muerte en una luz de fondo. En la página siguiente descubrimos la identidad de los personajes esbozados: Shun y June, la mujer inanimada.
El Saint de Pegaso, Seiya es herido tras una dura batalla en la que logra salir victorioso. Lleva en sus brazos a Misty, su enemigo, del que no sabemos si está vivo o no (volumen 5, página 187).
El David, en la búsqueda de su destino El David es una escultura de mármol blanco, hecha por Miguel Ángel entre 1501 y 1504, que representa a David, con una honda en la mano, justo antes de su lucha contra Goliat. Su actitud, un contrapposto [término italiano que designa la oposición armónica de las distintas partes del cuerpo de la figura humana, lo que proporciona cierto movimiento y contribuye a romper la ley de la frontalidad], traiciona una "violencia contenida". Está a punto de lanzar, con su arma, la piedra que golpeará la cara de su enemigo. No es el hombre victorioso que Miguel Ángel representó, ni el futuro rey, sino un niño que va a cumplir con su destino: elegido para enfrentar a Goliat, tiene pocas oportunidades "objetivas" de ganar. Su vida depende de un milagro. La frente marcada de la estatua muestra una sensación de miedo y confianza que agita al héroe. En muchos mangas, esta pose característica, donde la honda es reemplazada la mayor parte del tiempo por una mochila, se usa tan pronto como el personaje tiene que tomar una decisión sobre una dirección. En la mayoría de los casos, ir hacia adelante y abandonar el lugar, o regresar a un lugar, sin saber qué esperar. En ambos casos, él permanece perplejo por un momento, frunciendo el ceño, antes de decidir / elegir.
El Saint Misty disfruta desnudo en el mar adoptando una actitud narcisista. Él se jacta de su físico. Para que el lector-espectador-voyeur de su baño se aproveche de ello, adopta la postura del David de Miguel Ángel, el sol se refleja en el agua detrás de él (volumen 5, páginas 162-163). Aquí, el protagonista no se va a una aventura, se pone en valor imitando un ideal de belleza clásica. La pose del David se usa esencialmente cuando una situación determinante se presenta al personaje. Debe enfrentar su destino en este momento de máxima / última vacilación / reflexión antes de tomar una decisión que pueda cambiar el curso de la historia. El significado de la obra se conserva.
Relatividad y Otro Mundo, M.C. Escher El prolífico trabajo del artista holandés representa espacios paradójicos. Los mundos desafían toda lógica con escaleras, arquitecturas con ascensiones perpetuas. La reutilización de estas obras por el mangaka es perfecta para ilustrar la brecha entre el mundo físico y esta dimensión misteriosa a medio camino del Infierno donde reinan las "Manos de Dios". Estos mundos sólo aparecen cuando los personajes están cerca de la locura. Dos obras se presentan principalmente: Otro Mundo, litografía impresa en 1947 y Relatividad, impresa en 1953.
Ring ni Kakero implica también a los doce dioses del Olimpo en uno de los equipos, ¿podría decirnos desde cuándo usted se interesa por la mitología griega? Kurumada: "En realidad, yo no tengo un interés especial por la mitología griega, justo el normal. Me he inspirado porque en ella hay ideas interesantes. La mitología griega implica a numerosos personajes, y dioses potentes y elegantes. Es por eso que la usé en Ring ni Kakero. De esta manera pongo en escena enemigos que son más elegantes y potentes que los héroes, y encuentro que es mejor así. Antes del Rinkake conocía algunas cosas sobre la mitología griega, pero me fue necesario leer un libro sobre la mitología para completar mis conocimientos cuando empecé. Cuando me puse con Saint Seiya, fue necesario que profundizara aún más en mis investigaciones. En esta clase de mangas es necesario que aparezcan enemigos sin cesar, lo que puede ser difícil para imaginarlos, pero en el caso de Saint Seiya las ideas eran fáciles de encontrar. La razón es que la mitología griega abunda de personajes como Poseidón, Hades o Zeus."
El uso de las mitologías: una inspiración, pero no una copia La base de esta serie es la mitología, tanto la clásica grecolatina como otras, pero Kurumada ofrece una recreación de la versión original de los mitos porque no sigue fielmente las historias. El universo de Masami Kurumada está impregnado, obviamente, de los mitos griegos. Por lo tanto, puede utilizar varios de los personajes y situaciones salidos directamente de los mitos que las han inspirado. Esto es particularmente evidente cuando se trata de la intervención de los diferentes dioses, como Poseidón, Atenea y Hades, guías de los guerreros que luchan en su nombre. Además, hay varios equipos multinacionales de guerreros debido a la existencia de muchas nacionalidades entre los Saints, Mariners y Specters. Kurumada utiliza a tres de los dioses principales del panteón olímpico, Atenea, Poseidón y Hades, los escogió por su belicismo. Además, para crear a cada personaje y su armadura se inspira en algún mito. La Atenea adolescente sufre un proceso de cristianización, se ofrece siempre voluntaria para sacrificarse por la salvación del mundo, y eso se debe que los dioses griegos no ofrecían un modelo digno de comportamiento a seguir. La saga de Poseidón sea quizás la más fiel a las fuentes escritas. Kurumada se basa en un episodio mitológico en el cual Atenea y Poseidón se disputan la región del Ática, en donde se situaba la ciudad de Atenas. Para dictaminar el propietario de la misma se decidió que los habitantes eligieran el mejor tributo que los dioses pudieran ofrecerles. Poseidón hizo manar de la tierra un lago de agua salada y Atenea ofreció un olivo, símbolo de paz y riqueza. Los habitantes consideraron que el árbol les sería más útil, Atenea fue elegida como diosa protectora. De la misma manera, la saga de Asgard presentada en la teleserie animada es aún más fiel si nos remitimos a las fuentes escritas. Refleja la visión del mundo de los antiguos pueblos del norte, una visión complementaria y paralela a la ofrecida por la mitología grecolatina, fuente de inspiración de poetas románticos y filósofos occidentales. Sus personajes se diferencian de los héroes nórdicos, no tienen capacidad para tomar decisiones heroicas, habiendo de asumir sus roles y afrontar el destino adverso al que han sido sometidos: clima adverso, el hambre, la guerra etc.. precariedades que asumen como propias e intrínsecas a su existencia. Un modo de vida que podría resumirse en la frase de Nietzsche empleada en la película "Conan el bárbaro": "aquello que no nos mata nos hace más fuertes". La fusión de mitologías refleja lo enriquecedora que resulta la serie, pues a pesar de ser una recreación permite al fan concebir una vaga idea del maravilloso mundo de la mitología, como material visual de difusión alternativo a las fuentes escritas Cosmo
Special/Masami Kurumada Kurumada: "La mitología griega es la base de la historia, y esta continuará siendo explorada en este universo. También creo que tal vez haga una mezcla one-shot de diversas mitologías. Para ser honesto, incluso si Saint Seiya goza de gran popularidad, la competencia entre mangas es feroz en la Shonen Jump y más y más jóvenes artistas de manga llegan al oficio. Lo esencial para alcanzar la parte alta de la clasificación es la potencia que desprende una obra, por lo que dibujar mangas largos, dar a los personajes nombres elaborados y concebir buenas historias pueden parecer de menor importancia en la Shonen Jump (risas). ¿Hasta dónde voy a llegar cada semana para encontrar nuevas ideas y para preservar la fuerza de mis obras?. Si un manga falla sólo será una vez en la Shonen Jump, se hace muy difícil lograrlo de nuevo. Me voy a sentir realmente molesto si nuevos autores superan mi forma de hacer (risas). Tal vez en ese momento yo sienta que ha llegado la hora de que me retire. Lo que creo es que aunque se dibuje un manga, la empresa será en vano si no conseguimos sumergirnos en el universo producido. Los jóvenes, sin embargo, tienen la oportunidad de hacer esto fácilmente porque son jóvenes (risas). Ellos prefieren confiar en su fantasía más que en la realidad de la vida cotidiana, y de repente se vuelve más fácil para ellos entrar en el mundo de su manga. Después de todo, los mangas son un mundo de fantasías (risas). Sin embargo, cuando la vida real comienza a sonreírnos y empezamos a apreciar la vida adulta, entrar en el manga se vuelve más difícil. Después de todo, la vida real es más importante que la vida imaginaria. En lo que me concierne, Ring ni Kakero fue un manga creado por la pasión de la juventud, mientras que Saint Seiya se basa en el dominio técnico. Para Ring ni Kakero dejé que mis emociones me guiaran dibujando ese manga con una mentalidad "te voy a matar si te acercas a mí!". Saint Seiya por contra habría sido una obra muy diferente si la hubiera llevado a cabo con el mismo tipo de voracidad. Pero aunque yo insuflo mi voluntad en mis obras, no estoy tratando de transmitir un mensaje personal. Todo lo que importa es valga la pena de leer. Para decirlo de una manera extrema, para mi es suficiente si un lector obtiene placer al leer esta historia en el tren y luego lanza la revista una vez que llega a la estación. Los mangas después de todo son entretenimiento. Creo que si la revista Shonen Jump ha crecido tanto desde su creación es porque ha entendido muy bien ese principio. Es igualmente este principio al que me adhiero a título personal, creo que cualesquiera que sean mis futuros mangas, no va a cambiar."
Sin embargo, Kurumada no duda en sumergirse en el fabuloso catálogo de los antiguos héroes para insertarlos, prácticamente sin cambios, en su historia. En el capítulo de Hades, conoceremos al Silver Saint Orfeo (Orphée), Caballero de la Plata de Lira, y su amada Eurídice, quienes conocen el mismo destino trágico que su modelo.
De los 39 Saints presentados en el manga el último es Orphée de Lira, del rango Silver, en la saga de Hades. Su Cloth (de color rosado en algunas ilustraciones) destaca del resto de Saints debido a su estilo, más parecido al de Shingo Araki en el anime, siendo sus corazas no tan cuadradas y protectoras como las del resto de Silver Saints como son el caso de Dante de Cerbero, Jamian de Cuervo o Sukyo de Crateris, del manga precuela Next Dimension, con un estilo clásico de Kurumada.
En la edición Kanzenban del manga original colorearon muchas páginas del manga original, así como los esquemas de las armaduras que aparecían al final, muchos fueron pintados al estilo anime, como Orphée de Lira, aunque en el manga original era rubio y su Silver Cloth era rosa. De todos modos, el manga clásico no estaba pensado para hacerse a color, por lo tanto las páginas ilustradas en color de regalo son orientativas, los colores no eran finales.
En algunas publicaciones oficiales a color (artbooks Cosmo Special, enciclopedia Taizen) aparecen imágenes del manga coloreadas, pero con muchas contradicciones cromáticas ya que otras personas escojieron la coloración de los personajes y armaduras, no se pueden tener en cuenta porque difieren mucho de las ideas de Kurumada. Otros protagonistas mitológicos aparecen en el manga, con un rol mayor o menor: Caronte, Pandora, los jueces de los Infiernos (Aiacos, Minos y Radamanthe), etc. Estas apariciones son como guiños dirigidos al lector aficionado a la mitología.
Más sutiles son aquellas situaciones específicas que se inspiraron en leyendas precisas, la situación se resuelve de la misma manera que la leyenda que imita. Por ejemplo, durante la batalla de Seiya contra el caballero de oro de Tauro, este último abandona la lucha después de que Seiya le haya roto el cuerno de su casco. En la mitología, Hércules tuvo que hacer frente a un gigante para obtener la mano de Dejanire. Multiforme, el gigante tomó la apariencia de un toro. Agarrando fuertemente a la bestia por la cornamenta, Hércules le rompió un cuerno, lo que hizo que el gigante abandonara la lucha. Como pueden ver, estas dos situaciones son idénticas: el mismo formato, y casi el mismo protagonista (el Caballero de Tauro es un gigante y Seiya, porque tiene que cruzar las 12 casas y llevar a cabo 12 trabajos, puede asimilarse a Hércules en este caso).
Podemos hacer el mismo análisis de la batalla entre Shiryu y el caballero de plata de Perseo, con el escudo de la Medusa, confrontación que se llevará a cabo casi del mismo modo que entre el propio héroe mitológico Perseo y la criatura monstruosa Medusa. En cierto modo, la reutilización de estas situaciones o personajes directamente inspirados de las antiguas leyendas mitológicas refuerza la colorización mitológica de Saint Seiya.
Un universo desarrollado y expandido Las leyendas griegas son parte de un universo mitológico más o menos coherente y desarrollado, y tienen sus raíces en una génesis épica. Los mismos personajes, especialmente los dioses del Olimpo, se reutilizan y desempeñan muchas funciones en muchas leyendas, lo que da una impresión de coherencia y de una realidad totalmente ficticia. Además, se combina con la propia imaginación del autor, que incluye referencias del mundo asiático, con discretos toques: Shiryu es colocado bajo el signo del dragón, pero Kurumada usa un dragón asiático en vez de explotar la leyenda del dragón guardián del jardín de las Hespérides.
Masami Kurumada desarrolla el universo de su manga sin limitaciones. Pues narra varios capítulos dedicados a los caballeros de oro, plantea la sinopsis de una novela en dos volúmenes (Gigantomachia), proporciona las grandes líneas argumentales de una precuela de su manga (Saint Seiya Episode G) pero, sobre todo, supervisa la redacción de una génesis de su mundo, creando una cosmología interesante, dando una enorme amplitud a su manga: el “Hypermyth". Si el comienzo del manga parece arraigado a un mundo contemporáneo, más la historia avanza, más tomará aspectos de fantasía, fuera de tiempo. Las condiciones de vida en el Santuario son idénticas a las de la antigua Grecia, las personas se visten con túnicas y capas graciosas. En resumen, a medida que los caballeros libran combates más y más importantes, se mueven en una especie de realidad paralela, en la que los guerreros sacrifican anónimamente sus vidas para la protección de un mundo que ignora su existencia. Sanctuary. (聖域/サンクチュアリ) en kanji "Seiiki", o sea "Santuario"; con el furigana "Sanctuary", o sea "Santuario" en inglés. Recinto de Atenea, el Pontífice y los Saints.
Sin embargo, Kurumada conserva con humor la independencia de su inspiración: en medio del uso de los mitos griegos, rindió homenaje al escritor inglés Tolkien a través del espectro Rune de Balrog (este espectro se enfrentará a un Saint en un puente y será derrotado cayendo en el abismo, como en la novela “El Señor de los Anillos”) y al autor americano H.P. Lovecraft, por medio también de un espectro, Niobe de Deep. El manga de Los Caballeros del Zodiaco es una fuente maravillosa de introducción a la filosofía griega antigua y de la reflexión en general. La mayoría recordaréis la frase que decía: "Cada 200 años, cuando la Tierra se ve amenazada, los caballeros de Atenea vienen a restablecer el equilibrio entre el bien y el mal". Ellos no vienen a "hacer el bien" sino a "restablecer el equilibrio". De hecho Seiya, Hyoga, Shiryu, Shun e Ikki no tratan de crear un paraíso en la tierra o la salvación o el bien absoluto al mundo. Luchan para evitar que el "caos" domine el mundo. Esto es lo que profesaba la filosofía griega antigua, mucho antes de que la tradición judeo-cristiana redefiniera la norma estándar. El "Caos" en griego significa "desequilibrio" y es lo peor que les podía pasar en aquella época, que el mundo ya no estuviera en el "orden", que no estuviera equilibrado, balanceado (no en vano es el Caballero de Libra el más cool) el peor temor de los griegos en la antigüedad no es el vacío, es el desequilibrio, el "caos" como lo llamaban. Lo que importa en la Grecia antigua no es el "bien absoluto" como se define en el mundo occidental, sino el mantenimiento de un delicado equilibrio. El "caos" griego, significa el "desequilibrio", el peor temor de los griegos en la antigüedad no es el vacío, es el desequilibrio, el "caos" como lo llamaban. Mientras nosotros los occidentales moderna oponemos a un "bien" puro a un "mal" absoluto, los antiguos griegos se aferraron a preservar el equilibrio del "caos-desequilibrio" que, en griego, se llama ... Cosmos!.
Have you ever felt your Cosmo (Cosmos)? El Cosmos, en griego, es a la vez el Universo y el equilibrio. Un todo en armonía. Siglos antes de Newton y Galileo, ellos comprendieron que todo vive en el equilibrio... y recuerden cómo Seiya y sus amigos triunfaban sobre sus enemigos: ardiendo sus cosmos, con ayuda del sentido séptimo que "engloba a todos los demás". Esta invención que podría considerarse totalmente estúpida, toma otra dimensión cuando se coloca en perspectiva con el pensamiento griego. El séptimo sentido no se entiende como "la suma" sino como "el conjunto" de todos los demás, un "cosmos" en el sentido griego. La ciencia nos dejó como imagen del Cosmos la de estrellas y galaxias, pero no tanto la idea original del término, que también se refiere al "todo en equilibrio", pues el "cosmos" es eso en la antigua Grecia, es el "TODO absoluto", la entidad en su conjunto, el equilibrio, la globalidad. Pues sí, los "Caballeros del Zodiaco" triunfan alcanzando un equilibrio y una visión global del mundo (como el Caballero de Virgo que desarrolla esta capacidad hasta el punto de viajar a otras dimensiones lo que hace que sea tan carismático como el de Libra). Tanto el manga como el anime de Saint Seiya no sólo se basan en acción, luchas y batallas, en sus diversas sagas argumentales la obra evoca sentidos muy fuertes sobre la amistad, el amor, la fidelidad y la muerte, con mensajes subliminales que se refieren a los actos de los seres humanos. De hecho la trama invita al lector / espectador a valorar seriamente sus acciones en relación con el resto del mundo. Los mensajes transmitidos quizás sean más impactantes en el anime que en el manga, debido a la mayor intensidad de la que goza el medio animado (color, música, gráficos, movimiento etc.), en su mayoría remiten al amor por otras personas, a la creencia en un Dios o en un objetivo común mucho mayor que la propia vida. La unión y apoyo de un grupo también revela cuán importante es desarrollar amistades que demuestren lo mucho que la vida puede ser especial, y también cuánto cada individuo puede ayudar en la vida de los demás. Los mensajes son muchos, claros y objetivos, y se vuelven aún más intensos y reflexivos con el transcurso de la trama.
Mime : “¿Por qué insistes en pelear?, ¿Por qué Andrómeda? ¿acaso crees que podrás proteger esta pobre y miserable tierra? ¿crees que esta tierra merece que apuestes tu pobre vida? ¿o crees que llegará el momento en que haya paz sin delitos, acaso lo crees?, eres un utopista, piénsalo... tu has herido a muchas personas en la batalla de las 12 Casas Andrómeda; incluso tú también resultaste herido... ¿y que fue lo que conseguiste?, todo lo que has conseguido es... otra batalla.” Este diálogo nos lleva a preguntarnos qué sentido tienen todas nuestras acciones. La saga de Hades sea quizás aquella que evoca más mensajes sobre el sacrificio y la muerte. En este arco argumental los diálogos de los personajes se vuelven más largos y son mucho más emotivos. Como ejemplo, vale la pena citar el célebre monólogo de Shaka y Buda sobre la muerte.
Shaka : “Las flores nacen, después se marchitan... las estrellas brillan, algún día se extinguen.. esta tierra, el sol, las galaxias y hasta el mismo universo algún día también se destruirán.. comparado con eso, la vida del hombre no es más que un parpadeo, un escaso momento.. en ese escaso momento, las personas nacen, ríen, lloran, luchan, son heridas, sienten alegría, tristeza, odian a alguien, aman a alguien.. todo en un solo momento, y después son abrazados por ese sueño eterno llamado muerte.” Estos resquicios de pensamiento prueban que la filosofía está siempre presente en Saint Seiya, se focaliza en diversos núcleos y sentimientos humanos, y de algún modo educa a los fans con lecciones de moralidad y de pensamiento. ¿Por qué los japoneses entienden mejor a los filósofos griegos? Para bien o no, los asiáticos en general no han sido influenciados por dos cosas que han dado forma a nuestra influencia judeo-cristiana. 1. La Religión En primer lugar, el Antiguo Testamento común, en el cristianismo, el Islam y el judaísmo (listados por orden alfabético para evitar las controversias), establece que hay un "Bien” absoluto y frente a este un "Mal" absoluto, contrariamente al pensamiento oriental, que considera que aquello "bueno" históricamente sea el equilibrio. Muchos conocemos el símbolo del Ying y el Yang, lo que se identifica con el "bien" en este modo de pensar no es el "todo blanco", sino la perfecta armonía entre el "blanco" y el "negro".
Los dioses griegos no eran todos muy amables y agradables, para ellos todo era un juego, a veces eran muy considerados con los seres humanos, a veces crueles. Algunos siglos más tarde, en Occidente Oeste y Oriente Próximo, el mundo a veces era de color gris oscuro, a veces gris claro, pero nunca se planteó la lucha del Bien contra el Mal. Los asiáticos han sido menos influenciados por esta forma de pensar y han sido capaces de conservar este punto de vista general de las cosas, este enfoque "cosmogónico".
2. La Cosmogonía Lo que "Los Caballeros del Zodiaco" nos dicen a través de su elevación de "cosmos" es la esencia de la filosofía griega antigua. El Cosmos es un todo, un equilibrio y no un bien absoluto, algo que nuestra cultura occidental ha perdido de vista los últimos siglos, lo que ha afectado a nuestro modo de pensar, nuestra medicina y nuestra sociedad. A veces deberíamos cuestionar nuestro sistema de razonamiento. Al visionar una caricatura animada de una cultura como la japonesa, que todavía mantiene un enfoque "global" del "bien" y del ser humano, nos damos cuenta de ello. Gracias a los Caballeros del Zodiaco podemos comprender el enfoque de los antiguos griegos. El éxito de Saint Seiya se debe en gran parte, como el de otros títulos similarmente populares, a que sigue el esquema clásico de iniciación guerrera del héroe, con peleas con enemigos más fuertes y hazañas cada vez más sorprendentes, de un joven héroe. Ese esquema encaja bien con el de varios mitos antiguos, sean éstos griegos (Teseo, Perseo, Jasón, Odiseo, Belerofonte…) o no (Sigurd, en la mitología nórdica, la historia del Horus egipcio), y fue retomado por George Lucas en el personaje de Luke, en su célebre saga de “La Guerra de las Galaxias”. Al espectador poco atento, Saint Seiya podría parecerle una simple sucesión de batallas sin gran sentido con un trasfondo de dioses y constelaciones griegas que apenas si parecen el pretexto para explicar el origen del poder sobrenatural de los Saints y maquillar una trama tipificada de bien contra mal en una extensa lucha por el dominio del mundo. Villanos cada vez más poderosos se turnan en intentar tomar el control del mundo pero los buenos siempre los logran vencer. En ello Saint Seiya entraría en el esquema más que clásico y poco innovador del típico shonen, con un héroe joven e inexperto (Seiya) que busca cumplir con algún propósito (encontrar a su hermana Seika al inicio, proteger a Atenea después) gracias al uso de su fuerza interna (cosmos en Saint Seiya, chi en otros mangas más tradicionalmente japoneses), ayudado por compañeros de combate encontrados a lo largo de su periplo, algunas veces tras haberlos afrontado (Shiryu, Hyoga, Shun e Ikki). Dragon Ball comenzó como un manga fuertemente influenciado por la clásica leyenda china del Rey Simio (Sangoku) y otros mangas de este tipo como Inu Yasha, Shaman King o Yu-Gi-Oh retoman situaciones similares, curiosamente, también basadas en la tradición mitológica de otras culturas. La potente influencia cultural que ejercieron las culturas indo asiáticas sobre Japón durante miles de años y el interés que portan los ayudó a que los japoneses estuvieran predispuestos a los temas tratados en estos títulos. La mitología griega, en cambio, encontró en el público del archipiélago asiático poco terreno común a causa de una importante barrera cultural. Los elementos de la epopeya, de la tragedia y del relato épico griegos eran totalmente foráneos en un país de influencias y tradiciones eminentemente orientales. Algún estudioso de la historia y civilización japonesa podría pretender trazar un paralelo entre las diferentes guerras civiles en Japón y los conflictos que se pueden encontrar en Saint Seiya, primero entre miembros con ideales similares pero leales a diferentes señores (Batalla del Santuario), comparable a los conflictos entre los años 1854 y 1868 del fin de la Era Edo y posteriormente entre dioses (Poseidón, Hades), similares en influencia y poder a los señores de la guerra del medioevo japonés, tales como Ieyasu Tokugawa. Incluso, este enfoque tiene cierta validez en el sentido de que podría permitir explicar satisfactoriamente que la obra sí haya tenido una acogida relativamente buena, aunque no espectacular, en un país asiático como Japón, tan ajeno a la cultura y a los ideales que le legó el mundo helénico a occidente. Sin embargo, la riqueza de la historia creada por Masami Kurumada y del universo mitológico que creó (el célebre producto derivado ‘hypermyth’ es prueba de ello), merece que se le preste un poquito más de atención al trasfondo de la trama y a los personajes que en ella se desenvuelven. Se trata, en realidad, de un manga de influencia tan claramente europea, de valores y personajes tan afines con una cultura occidental, que de no ser por el estilo gráfico y ciertos elementos típicos de la historieta japonesa, así como conceptos como el cosmos, las constelaciones y los dioses, podríamos creer que Saint Seiya es obra de algún escritor griego, italiano o francés. Veamos, a continuación, de qué manera Masami Kurumada construyó en realidad un relato y un universo tan ajenos a la historia, civilización e ideales tradicionales de Japón. La epopeya y la tragedia griegas Saint Seiya está construido según los cánones de la epopeya griega, que mezclaba elementos históricos con personajes mitológicos, oscilando así entre la ficción y la realidad, y según los de la tragedia clásica, que liga cada personaje a un destino inexorable y que se basa en la trasgresión de las normas, de lo correcto. Cada cual tiene un rol definido desde antes de nacer y aquel que intente evadirlo o izarse más allá será castigado. Inicialmente, el relato está construido de manera similar al de un manga deportivo o de peleas. Se presenta a un protagonista, joven e inexperto, que comienza a seguir la vía del practicante de artes marciales. Usando el cosmos, espera ganar un torneo para poder reencontrarse con su hermana. Debido a que los combates ocurren en un ring, podríamos evocar un manga anterior de Masami Kurumada, Ring no kakero, que se desarrolla en el ámbito del boxeo. Aún con los elementos sobrenaturales de ataques basados en alguna constelación, vemos que los Saints golpean con sus puños, dan patadas, rodillazos o cabezazos o utilizan armas (los colmillos de Hidra, las cadenas de Andrómeda) para combatir. Luego aparecen ataques más inusuales como el polvo de diamantes de Hyoga o las ilusiones del Fénix. Después de haber vencido a Ikki, los Saints restantes descubren junto a Saori Kido que la joven heredera es la reencarnación de Atenea. A partir de ahí, podría percibirse que los Saints siguen el camino del Samurai, jurando lealtad a la diosa y luchando contra armadas de guerreros que sirven a otros Señores, en este caso otras deidades del panteón griego: Poseidón y Hades, y veremos en el futuro cual es el papel de Zeus. A pesar de este inicio, ya de entrada podemos reconocer elementos poco usuales en un manga japonés, como lo es la utilización del término cosmos, la importancia que se le otorga a las estrellas, el destino con el cual cada una de éstas marca al Saint que nació bajo su signo y los conflictos psicológicos internos de cada personaje, más profundos en general que la usual búsqueda de mayor poder o la realización de un deseo en particular. Los personajes son huérfanos, fueron sometidos a los más duros entrenamientos y no sobrevivieron más que 10 sobre 100 que fueron enviados alrededor del mundo. Seiya ha perdido todo rastro de su hermana Seika, Hyoga vive en el recuerdo de su difunta madre Natassia, Shun intenta no causarle ningún daño a nadie, pero pelea con la esperanza de encontrar a su hermano mayor, Ikki, quien perdió a Esmeralda, la mujer que amaba, y se convirtió en un guerrero desalmado para intentar olvidar sus remordimientos. Marcados por la tragedia, condenados a una vida de luchas incesantes, obligados a renegar todo lazo familiar o cualquier amago de una vida normal, los Bronze Saints protagonistas no tardan en descubrir la razón de sus vidas al recibir la revelación de que Saori Kido es la diosa Atenea. A partir de ese momento, su destino será el de protegerla y salvar así la raza humana de su perdición. Superar los obstáculos En la mayoría de los mitos antiguos, el objetivo del héroe es superar muchos obstáculos que los dioses o el destino colocan en su camino. Esta estructura narrativa fue descrita por Campbell en su monomito. El
héroe debe: Hércules, después de cumplir sus doce trabajos, será llevado al Olimpo por Zeus. Perseo obtendrá la mano de Andrómeda tras derrotar a Medusa y el monstruo marino ante el cual la joven princesa iba a ser sacrificada. Jasón ganó el vellocino de oro para convertirse en rey, y Ulises, después de su odisea, se sienta en el trono de Ítaca. A veces el héroe no lucha por sí mismo, sino por un propósito elevado o superior. Ellos dan sus vidas para hacer triunfar una causa que los sobrepasa.
El
caso más célebre es la historia novelizada de la batalla
de las Termópilas, donde un puñado de espartanos, pagaron
el precio de su vida para retrasar al ejército persa con el fin
de dar tiempo para que el ejército griego se reuniera. Del mismo
modo, la retaguardia del ejército de Carlomagno, dirigido por
Roland, luchó hasta el último hombre para que el grueso
de las tropas pudiera ponerse a cubierto. En
Saint Seiya, este aspecto es llevado a su paroxismo, y se inspira en
modelos antiguos y medievales. Los caballeros no luchan por ellos, sino
que están al servicio de un Dios que los guía. Atenea
dirige los caballeros del Zodíaco, Poseidón tiene sus
generales, Hades sus espectros. Estos guerreros sagrados dan sus vidas
por la causa y deciden defender a su Dios: El motivo de su lucha va
más allá, son sólo hombres. Así que los
caballeros de bronce, los héroes de la saga, se enfrentarán
a oponentes millones de veces más poderosos que ellos, sufrirán
mil muertes, se sacrificarán, verán morir a sus seres
queridos, pero nunca abandonarán, pues de hecho, luchan por una
causa mayor, bajo las órdenes de una diosa. Una vez más, el talento gráfico de Masami Kurumada hacer maravillas: las armaduras de los héroes se rompen, agrietadas por todas las partes, sus ropas están hechas andrajos, la sangre fluye de una docena de heridas, y nuestros héroes lloran por cada amigo que se sacrifica. Pero siguen su camino sin tregua.
La
batalla en el Santuario vs la guerra de Troya Con la travesía de las 12 casas, Saint Seiya se tiñe de matices complejos y difíciles de discernir, en un relato que ha sido comparado al de la Ilíada de Homero. Es en los diferentes enfrentamientos con los Gold Saints que todo el valor mitológico de los personajes se apodera de la escena. Algunas batallas recrean momentos de las leyendas griegas (el cuerno que pierde Aldebarán de Tauro, por ejemplo, se asemeja al que pierde el gigante Polimorfo a manos de Hércules) y cada Saint está marcado pos su constelación (Fénix muere y revive, Andrómeda se sacrifica ante Pegaso), pero más que imitar los mitos ya existentes, Kurumada se inspira de ellos para enriquecer una historia totalmente propia con personajes multidimensionales.
En cuanto a la tragedia, no es difícil ver las similitudes entre La Guerra de Troya y la saga del Santuario. Ambos bandos son admirables e incluso podría tomarse partido por el bando supuestamente “enemigo”, los Gold Saints engañados y manipulados por el Pontífice usurpador. Al Héctor de La Ilíada podemos responder con Shaka de Virgo, Milo de Escorpio o Camus de Capricornio. Incluso, las muertes de ciertos Gold Saints son incluso más dolorosas para algunos fans que las de los mismos Bronze Saints rebeldes.
La Ilíada narra la guerra librada entre griegos y troyanos, cada uno lucha por su causa. Cada campo posee sus nobles héroes, sus cualidades y su razón para luchar. Para el espectador de esta guerra, neutral por esencia, es muy difícil tomar parte por unos u otros porque ambos lados parecen admirables. Después de todo, esta guerra fue orquestada por los dioses. Los mortales no tienen otra elección, luchan entre sí sin que ninguna de las dos partes aparezca como vil y merecedora de la derrota.
Parece que este aspecto ha marcado especialmente a Masami Kurumada, pues desde el primer capítulo de su saga presenta el choque de dos campos con igualdad de motivaciones. Por un lado, los Caballeros de Bronce que saben que están luchando por Atenea y que el Santuario está lleno de maldad. Por otra parte, los caballeros del Santuario, incluyendo los Caballeros de Oro, que no son conscientes que su líder es un usurpador y piensan que deben castigar a los rebeldes. Los enfrentamientos resultantes serán especialmente dramáticos, muchos caballeros mueren por una causa errónea, tomando consciencia de su error en su último aliento. Aquí, gracias a la caracterización de los personajes, Masami Kurumada no facilita que el lector tome parte por un bando u otro: si los caballeros de bronce son, indudablemente, los héroes, los Caballeros de Oro se baten igualmente por una causa que parece justa, y tienen una clase tal que muchos fans del manga los prefieren a los cinco jóvenes héroes. Las razones que llevan a la guerra y a la muerte de tantos grandes combatientes no dejan de ser tristes y lamentables, pero es interesante notar que en ambos casos, se da porque un hombre se aprovecha de la confianza que se le otorga para tomar el poder. En el caso de la epopeya homérica, Paris traiciona la hospitalidad de Menelao y secuestra su mujer, la bella Helena. Saga de Géminis actúa de manera similar con Atenea, reencarnada en un bebé, quien en vez de proteger, intenta asesinar, y cuya muerte inminente por una flecha dorada los Bronze Saints intentan detener. Posteriormente, ambos bandos de Saints creen que luchan para proteger a la diosa, controlados por un hombre que lleva en su interior el mismo conflicto que ha propiciado a su alrededor: la lucha entre el bien y el mal, entre lo que se debe y lo que se desea hacer. La catarsis se da en la caída sucesiva de los combatientes de ambos lados y en la resolución del conflicto externo entre los Gold y Bronze Saints, y del dilema interno de Saga que para redimirse recurre a una solución curiosamente muy japonesa, como lo es el seppuku (suicidio). La lucha fratricida, y en un momento hasta patricida, si se considera la relación maestro – discípulo entre Camus y Hyoga como la que tiene un padre con su hijo, se salda en sangre derramada por una causa equivocada. Al final de la Guerra de Troya, Menelao se reencuentra con Helena y la lleva de vuelta a Esparta. La Batalla del Santuario culmina en la salvación de Atenea por parte de Seiya y sus compañeros. No hay ganadores ni perdedores, solamente sobrevivientes y una anhelada reconciliación.
Es interesante notar que de haber seguido el plan original que concluía el manga con la Batalla del Santuario, Masami Kurumada habría dado a entender que los Saints estaban en la agonía y que el costo de salvar a Atenea había sido no sólo la muerte de la mitad de los Gold Saints, sino también la de sus símiles de Bronze. Los otros dos capítulos de este manga ponen este aspecto un poco entre paréntesis. Sí, efectivamente, Poseidón tiene un punto de vista que se defiende (purificar la tierra de la humanidad que no la merece), Hades sólo quiere el poder por el poder. Ambos capítulos se distinguen por otros elementos tomados del registro de la tragedia. En la serie animada, y su saga de Asgard, podemos encontrar este aspecto de oposición de valores.
La ofensiva de Poseidón vs La Odisea de Homero Aún se están recuperando los Saints cuando estalla la siguiente acometida, propiciada por Kanon, hermano gemelo de Saga, que manipula a Poseidón, pero posteriormente plenamente controlada por el Dios de los Mares. No es una coincidencia que al relato del Santuario, comparado con “la Ilíada” homérica, Kurumada prosiga con una batalla de los Héroes y Atenea contra Poseidón, reproducción fiel del conflicto central de “la Odisea”, del gran poeta griego, una de las obras literarias más conocidas y hay montón de versiones. Viendo la saga de Poseidón podemos notar algunos detalles que bien podrían ser elementos de La Odisea. En la obra de Homero, se narran las peripecias que enfrenta al gran héroe y artífice de la victoria de Troya, Odiseo, para volver a casa tras haber ofendido a Poseidón, hermano de Zeus y Rey supremo de los mares en los que transita el Ítaco para volver a su hogar. Uno de los peligros a los que se enfrentará es al canto de las sirenas, aunque también en su camino tendrá que evadir la muerte del monstruo Scylla. Kurumada se inspirará en ellos para la acompañante inseparable de Poseidón, Thetis, y para dos de sus más fieles Generales, Io y Sorrento.
Muchos fans encuentran inverosímil que Masami Kurumada haya, voluntariamente, estudiado con ahínco los textos clásicos griegos, deducen que sus conocimientos son sólo superficiales y funcionales a la producción de Saint Seiya, pero no podemos negar que La Odisea colabora tanto en la fundación del pensamiento occidental que implícitamente define los eslabones del héroe.
En La Odisea, hay un momento donde Odiseo (o "Ulises" en sus versiones latinas) y su tripulación se enfrentan al Cíclope, que tiene un solo ojo... ¿Casualidad que Isaac de Kraken sea tuerto? La técnica de vientos huracanados de Bian de Hipocampo recuerda a la bolsa de vientos de Eolo que evita que Odiseo y los itaquenses lleguen a su reino.
En un momento de La Odisea, la tripulación debe enfrentarse al hipnótico canto de las sirenas... ¿Más o menos como la canción de Thetis o la música de la flauta de Sorrento de Sirena? ¿Y qué hacía el canto de las sirenas que era tan hipnótico?. La víctima escuchaba las voces de sus seres queridos que le llamaban... ¿más o menos como Kaza de Lymnades?.
El Scale del general Mariner Io de Scylla y su habilidad de generar un remolino es una clara inspiración de los monstruos Escila y Caribdis.
Todo el viaje de Odiseo es un reto entre Zeus y Poseidón, donde este último trata de probar que un humano no puede engañar a un dios... ¿Tal y como Kanon lo engañó a él?. En la Odisea, la gran aliada que siempre salva del peligro a Ulises es la Diosa Atenea, siempre gran protectora de los héroes y opuesta desde siempre a Poseidón. En Saint Seiya, los roles se ven invertidos, pues es Seiya quien, junto a los otros Bronze Saints, debe guerrear contra los Generales del Dios para salvar a Atenea, aunque a fin de cuentas, es ella quien está dándoles tiempo a los Saints y recibiendo las lluvias que estaban destinadas a acabar con la humanidad. La ciudad Atenas, incluso, fue objeto de disputa entre ambos dioses, quienes deseaban ambos ser reconocidos como los protectores de tan gloriosa urbe. Poseidón les dio a los atenienses el acceso al mar, pero Atenea les ofreció el ramo del olivo, llevándose así la victoria y otorgándole su nombre al lugar.
Los dioses juegan un papel significativo en esta epopeya. Athena es ayudante de Odiseo, Poseidón es su enemigo, y Zeus... bueno, en realidad no quiere involucrarse. En cualquier caso, la enorme importancia inicial de Poseidón puede aún entreverse, pues es él y no Zeus el principal causante de los sucesos. Atenea, por su parte, es la guía de Odiseo, quiere ayudarlo aunque Zeus le ha dado instrucciones de no hacerlo, se compadece de él mientras otros dioses lo abandonan, lo salva constantemente de la muerte y le da sabios consejos en las decisiones a tomar. Por otro lado, mientras en la Odisea Poseidón odia a Ulises, abriga en su alma un profundo resentimiento porque privó de la vista a Polifemo su hijo amado, en Saint Seiya tiene resentimiento hacia Saori por haber rechazado su petición de mano.Los papeles de Zeus, Poseidón y Atenea con respecto a los Bronze Saints han sido de algún modo adaptados a Saint Seiya. Nuevamente tenemos los elementos de la tragedia épica griega, con guerreros tales como Sorrento, que descubre haber sido manipulado por Kanon cuando creía estar ayudando a construir un mundo mejor. El hermano de Saga también está marcado, como su hermano, por la traición y por el destino, que los lleva ambos a intentar manipular la autoridad divina y la voluntad de los humanos para luego redimirse al servicio del bien. Hyoga, sin duda el Saint con la cruz más pesada, tiene que enfrentarse, tras haber matado a su maestro-padre, a su compañero de entrenamiento, casi hermano, Isaac de Kraken. Odiseo, durante su periplo, llega a la entrada del Infierno en donde reencuentra a héroes caídos y a antiguos compañeros. No faltará mucho tiempo antes de que los Saints y Atenea se enfrenten, ellos también, con Hades en el reino de la muerte. Nota: Si os interesa podéis leer un exhaustivo resumen de los viajes de Ulises en la Odisea de Homero en la ficha del Gold Saints Ophiucus Odysseus, concretamente en el apartado herencia mitológica. Del Inframundo a los Campos Elíseos: El descensus ad ínferos La más fascinante y última aventura de los Saints es también la menos conocida y la que los adeptos del anime más tardaron en poder apreciar. En ella, Masami Kurumada retoma elementos de "La Divina Commedia" de Dante Alighieri y todos los mitos relativos a los Infiernos griegos para construir un mundo de las sombras mucho más aterrador que los bellos templos del Santuario griego o los plácidos mares del anterior enfrentamiento. El sistema de las tres funciones: lo sagrado, lo guerrero, la producción, se encuentra en la estructura de la Divina Comedia. Se puede observar en la obra de Dante la importancia simbólica del número 3 que representa estas funciones. Efectivamente, está organizada en tres partes: Infierno, Purgatorio y Paraíso; a su vez, cada una de ellas está compuesta de 33 cantos constituidos en tercetos. Para Dante, el número 3 es el símbolo de la Trinidad, es decir, el de la perfección. El descensus ad ínferos de Dante, en la primera parte de la Divina Commedia: Inferno trata el tema de la salvación sobrenatural, nos habla recurrentemente de la visión que de las ciencias naturales tenía el hombre culto de la baja edad media; una forma peculiar de ver el mundo que a la vuelta de unos siglos se vería desafiada por el modelo copernicano y por los cambios propiciados por el renacimiento. Según la visión ofrecida por el autor, Masami Kurumada, el Meikai es el reino de los muertos donde son juzgadas las almas en las distintas prisiones. Es el habitáculo de todos los espectros, incluyendo al dios de los muertos Hades. El Meikai de Kurumada se compone de 8 prisiones, 3 valles, 10 fosos y 4 esferas. Además, es también el pasaje hacia los Campos Elíseos, lugar donde sólo los elegidos por los dioses pueden llegar. El Meikai corresponde a los infiernos, es algo así como el Tártaro de la mitología griega, allí donde caían aquellos que pecaron durante su existencia. El término Meikai de Saint Seiya significa Inframundo que, a diferencia del Inframundo griego, incluye el Yomotsu Hirasaka. En el Hades, mundo a imagen y semejanza de su gobernante: “El que entre aquí debe abandonar toda esperanza”. La muerte, ineludible y sin ninguna ilusión, está presente en cada uno de los seres que moran en las macabras tierras del más allá. La tragedia aquí está no sólo sugerida, sino esta vez escenificada en todo su esplendor, al ver los destinos de todos Saints caídos en el combate, convertidos ahora en almas sin vida, sufriendo, esclavos de los Specters de Hades, que reina omnipotente sobre todos los que alguna vez fueron humanos. Entre los Specters de Hades, a diferencia de los Gold Saints o de los Mariner Generals de Poseidón, pocos son realmente dignos de admiración. Son seres crueles, desalmados, tiránicos, inhumanos. No se trata esta vez de una tragedia que opone a grandes héroes en ambos campos. En esta ocasión, el bien y el mal están claramente definidos; todos los Saints queridos y valorados están luchando contra la muerte, contra las sombras y contra una existencia de opresión infinita que el Dios de las Sombras quiere implantar desde antes incluso de la muerte, es decir, en el mundo de los vivos. Nos reencontramos con otros protagonistas de leyendas griegas, como es el caso del músico Orfeo, cuya historia es fielmente representada en el manga de Kurumada y que está condenado desde tiempos inmemoriales a existir, sin realmente gozar de vida, lejos de su amada. También resurgen los Gold Saints, incluso aquellos que ya habían perecido, y asistimos por vez primera a una guerra entre todos los sirvientes de Atenea, Diosa protectora de la raza humana, y los déspotas de Hades, Dios de la Muerte y del castigo eterno. Más allá de una lucha por la protección de Atenea, en esta ocasión está en jaque la supervivencia de todos los seres humanos, aún de los que todavía no han nacido. Todos van cayendo en el combate y el encuentro final se da en un mundo opuesto en todo a los Infiernos. Es una pradera llena de flores, de luz y de paz, poblada únicamente por los más fieles allegados de Hades, los dioses gemelos Hipnos y Thanatos, y residencia del cuerpo mortal del Dios. Los Bronze Saints logran ingresar en el lugar sagrado, gracias al sacrificio de los doce Gold Saints, quienes confían en ellos para acabar exitosamente con Hades. En esta batalla, Atenea endosa por vez primera su armadura, pues es este el verdadero adversario eterno a quien nuevamente nació para enfrentar. Los Bronze Saints, dignos del poder de los dioses, han sido revestidos con los God Gloths, armaduras divinas de sus constelaciones. El combate puede, al fin, hallar un desenlace. Saint Seiya, tragedia de la trasgresión Desde un punto de vista de la Tragedia clásica, como relato de los Dioses y de sus descendientes, de los Héroes y de sus tristes fines, de los Hombres, confrontados a un poder divino, a su falible humanidad y a la infalibilidad de la muerte, nada es más fuerte que el Destino ni falta más grave que la Trasgresión. Los Bronze Saints El Destino es en griego Fatum, que también significa fatalidad. Es entonces el destino un camino que irremediablemente lleva a la muerte, pero también un calvario marcado más por la tragedia que por la gloria. Aquel que intenta enfrentarlo se ve arrastrado por él, cual Edipo que huye de “sus padres” para terminar encontrando en su camino a sus verdaderos progenitores. La trasgresión es un elemento clave de las tragedias, en un mundo con reglas invisibles e infranqueables que serán duramente juzgadas. El mismo Edipo, máximo ejemplo de ello, está marcado junto a Jocasta por esa involuntaria falta que los hace convertirse en un monstruo de incesto y parricidio. Paris, al secuestrar a la bella Helena, franquea la sagrada barrera de confianza que existe entre huésped y anfitrión, en la tradición de la hospitalidad griega. Orfeo, llegado al Hades para rescatar de la muerte a su bella Eurídice, sucumbe a la tentación de volverla a ver antes de salir de los Infiernos, y con ello se asegura de haberla perdido para siempre. En Saint Seiya, los Hombres y los Dioses pecan de orgullo y de codicia. Los gemelos Saga y Kanon intentan evadir su rol de servidores de Atenea y traicionan a la Diosa y a los ideales de justicia que habían jurado defender. Su castigo será el peso de la culpa y su salvación, el sacrificio por aquella a quien habían intentado matar. Poseidón, Dios de los Mares, intenta influir también en el destino de los hombres terrestres y esa veleidad lo llevará a ser vencido por Atenea. Hades, el dios más poderoso que se representa en la obra de Kurumada, intenta expandir su influencia sobre los hombres más allá de la muerte, a la vez que se enorgullece de haberle dejado a los mortales únicamente la condena de los Infiernos sin dejarles acceso al laurel de los Campos Elíseos. Los Bronze Saints logran ir más allá de sus primeras posibilidades y salir airosos de tantos combates precisamente porque una vez que reciben la revelación de Atenea, nunca se apartarán de su lado ni intentarán ni controlar o escaparse del rol de protectores que se les ha asignado. Entre todos los Saints de esta Era, son los únicos que nunca dudan, que siempre prevalecen, aún a costa de la vida que llevaban o que hubieran podido anhelar. Ikki muere y revive varias veces en defensa de la paz, habiendo dejado en el pasado el recuerdo de Esmeralda, fenecida precisamente porque antes de convertirse en el Fénix, fue incapaz de enfrentarse a su maestro Guilty y de aceptar su destino. Shun, pacifista empedernido y enemigo de la violencia, tendrá que asesinar a más de un Saint y así, con las manos manchadas de sangre, renegar su verdadera naturaleza. Shiryu, sacrificará en un primer momento su vista y posteriormente una vida al lado de Shunrei, para seguir las enseñanzas de su maestro y proteger la vida de Atenea. Hyoga dejará en el pasado, aunque forzado a ello por Camus, el recuerdo de su madre Natassia en las aguas heladas de Siberia. Luego tendrá que fraguarse con su maestro y con su antiguo compañero de armas. Seiya abandona la búsqueda de su hermana Seika, que parecía tener tanta importancia para él al inicio de la historia, para lanzarse de lleno en el combate por y al lado de la Diosa. No obstante, el último enfrentamiento entre Seiya y Hades se salda en una fatal herida para el Bronze Saint más valeroso y más emblemático de la serie. ¿Cómo explicar que el héroe más admirado y respetado por los otros Saints y por la Diosa termine siendo el único Bronze Saints caído en la batalla? Una vez más, habría que recurrir al destino, marcado en el caso de Seiya por la Constelación de Pegaso. Aquel caballo alado nacido de la sangre de Medusa fue siempre la montura predilecta de los grandes héroes como Perseo o Belerofonte. Sin él, ambos semidioses habrían sido incapaces de cumplir con sus grandes gestas. De la misma manera, Seiya termina siendo no un superhombre, como lo fuera en tantas otras cruzadas, sino más bien el forjador de la victoria, el respaldo de los héroes, corcel en cuyo lomo los otros Bronze Saints obtendrán el triunfo, inspiración de Ikki, Shun, Shiryu, Hyoga y hasta de la Diosa Atenea. Animados por el valor y la entrega de Pegaso, saldrán victoriosos del enfrentamiento con Hades. Al igual que el gran protagonista de la Guerra de Troya, el divino Aquiles, el valeroso Seiya cae en pos de una victoria que sin su ayuda nunca se habría podido alcanzar. Dilemas cornelianos y destinos trágicos Elementos
esenciales de la tragedia, ya sea antigua o no, el dilema del héroe
y su destino son evocados constantemente. El héroe debe tomar
una decisión a menudo, y ninguna de las opciones es satisfactoria.
Esto conlleva a menudo parricidios, conflictos fraternales, la pérdida
de un amor, etc. El destino es siempre trágico e inevitable,
a pesar de los esfuerzos por escapar. Una vez más, Saint Seiya toma como modelo las grandes tragedias de la antigüedad. A menudo, los caballeros tienen que seguir un destino que no han elegido, haciendo caso omiso de las preocupaciones que podrían haber tenido. Este destino los colocará frente dilemas insolubles y las decisiones que tomarán lastimarán a sus almas tanto como sus cuerpos.
Hyoga, el Caballero del Cisne, es probablemente el más marcado por esta calamidad. Dos veces obligado a matar a sus próximos para hacer triunfar su causa, no saldrá intacto. Así, durante la batalla de las 12 casas, deberá matar a su maestro, su padre, el caballero de oro de Acuario quien le ha enseñado todo. Luego durante la guerra contra Poseidón, será Isaac su antiguo compañero de la formación, su "hermano" a quien le debe la vida, tendrá que enfrentarse a él y matarlo. Durante esta misma batalla, los Caballeros de Oro también deben tomar decisiones: dejar pasar a estos jóvenes caballeros que parecen tan determinados, con el riesgo de ser considerados traidores, o matarlos en el acto, arriesgándose a no poder nunca disipar dudas sobre sus palabras.
Pero es en el último capítulo, el Hades, cuando la fatalidad del destino y el dilema corneliano surgen de la forma más cruel. Resucitados por Hades, los Caballeros de Oro muertos en la batalla de las 12 casas reciben la orden de matar a Atenea. Pretendiendo obedecer a Hades en la superficie, de hecho su intención es llegar hasta su diosa para confiarle los secretos de su enemigo. Lamentablemente, bajo la supervisión de los espectros, no pueden revelar el motivo de su presencia en el Santuario por temor a que su efímera vida termine según la voluntad del dios del infierno. Se verán obligados a luchar contra sus antiguos compañeros de armas, que los tomarán por traidores. Los combates fratricidas que vendrán se saldarán con muchas víctimas innecesarias, trágicas. Este lado trágico culminará en las páginas finales del manga: Seiya, después de haberse sacrificado una y mil veces para la salvaguardia del mundo, no sobrevivirá a la batalla final. Aparentemente murió en los brazos de su diosa, y no podrá aprovechar la paz restablecida. La caracterización de los personajes: el espíritu épico La epopeya tiene por principio la utilización de personajes situados entre la historia y la leyenda, y en los límites de lo sobrenatural: lo verdadero y lo falso se fusionan. Poemas épicos y leyendas sobre una fuerte caracterización de los héroes mitológicos, pasando por varios factores. La calidad sobrehumana La mayoría de los héroes de la antigüedad poseen los atributos que los hacen superiores al común de los mortales. Esta naturaleza superhumana es esencial para la economía de la historia: ellos están condenados a vivir peligrosas aventuras, necesitan el poder necesario para hacer frente a muchos obstáculos que no cesaran de interponerse en su camino. Aquiles, por ejemplo, es invulnerable desde la infancia, y ninguna arma puede herirlo. Perseo tiene un coraje inquebrantable, que le permite hacer frente sin temor a los peligros. Hércules es considerado el hombre más fuerte del mundo etc. La mayoría de los grandes héroes o semidioses de la antigüedad se definen por uno o más calificativos adaptados a su nombre, haciendo hincapié en un rasgo de carácter particular. Esto permite identificar inmediatamente su temperamento, para identificarlos inmediatamente en la historia, y para precisar su rol. Con ello se evita una tediosa enumeración de las motivaciones de numerosos personajes de epopeyas: un adjetivo bien colocado permite a menudo decir muchos más que todos los acontecimientos del mundo.
Aquiles el invencible era "similar a los dioses”, Ulises el astuto era "el hombre de los mil trucos", Helena "la belleza insuperable” y el noble Agamenón, el símbolo absoluto de la realeza y la nobleza. Lo mismo se aplica a los dioses, que no eran otros que los héroes de los primeros mitos fundadores: el cojo Hefestos, el astuto Hermes, el infiel Zeus y la celosa Hera, Atenea de los ojos de lechuza ... Este "epíteto homérico", refleja el principio de la caracterización de los personajes, será reutilizado en la mayoría de las epopeyas épicas más tardías, como la búsqueda del Grial: Lancelot es "el más valiente caballero de Bretaña," con el espíritu de darle una imagen rápida en el seno del recito. Es este primer punto que Masami Kurumada tuvo la inteligencia de recuperar, y de forma más bien brillante. En efecto, en Saint Seiya, los personajes, héroes como adversarios, se colocan bajo la protección de una constelación o una estrella que servirán de referencias para configurar el carácter del personaje situado bajo su patrocinio. Para ello Kurumada llevará a cabo numerosas investigaciones a fin de que cada personaje esté en consonancia con la leyenda propia de cada constelación. Esto, evidentemente, será facilitado por el hecho de que eligirá las constelaciones salidas de los mitos griegos y del fabuloso bestiario de la antigüedad, aunque con algunas desviaciones.
Finalmente, se pueden apreciar también muchos detalles que denotan la influencia de la saga Star Wars (los films de George Lucas) en la obra de Kurumada, la apariencia física y sabiduría del viejo maestro Dohko de Libra, física y psicológicamente idéntico al maestro jedi Yoda, ambos maestros centenarios y sabios consejeros, es el indicio más notorio.
Así como la relación entre Luke y Obi-wan Kenobi, discípulo y maestro Jedi. Recuerden cuando el joven Luke Skywalker está en peligro o desorientado y aparece de repente la imagen espectral de Obi-wan Kenobi para darle sabios consejos o estímulos.
Estas escenas nos hacen pensar inmediatamente en Seiya / Marin, Hyoga / Camus, Shun / Ikki o Shiryū / Shura, cuyas apariciones son similares a las de Obi-wan ante Luke. Tampoco hay que olvidar la escena en la que Luke llama a Leia después de su encuentro con Darth Vader, Leia puede sentir la fuerza de Luke, lo que nos recuerda a Saint Seiya, cuando alguien está en peligro, los demás pueden sentir su Cosmo.
El hombre enfrentado a los dioses Otra interpretación de la historia de Saint Seiya nos ofrece un ensayo sobre las posibilidades del hombre en el mundo en el que está condenado a vivir, conflicto entre lo que se desea y lo que realmente se puede hacer, entre la existencia que un individuo intenta llevar confrontado al inevitable desenlace que le espera. Sencillamente, Saint Seiya muestra a una humanidad sublimada en un grupo de combatientes modernos que pelean contra dioses y se rebelan así en contra de su condición humana. El héroe se enfrenta a la muerte, su destino, a los dioses, sus creadores y a su mismísima esencia mortal. Saga y Kannon deciden rebelarse en contra de una autoridad divina y plantar los cimientos de un mundo controlado por los hombres, iguales en poder e influencia a los dioses. Nietsche decía en su época que se encontraba en el advenimiento de una nueva era con base en un incipiente existencialismo, en el que la humanidad tomara las riendas de sus vidas y dejará de condicionarse por la voluntad de un Dios omnipotente.
“Dios ha muerto, ha nacido el superhombre”, decía el filósofo alemán. De alguna manera, lo que intentan erróneamente los Saints gemelos es sublevarse a la autoridad de Atenea y apoderarse del mando de la Tierra y controlar el destino de los hombres. Error de interpretación, si se quiere, porque Atenea más que una diosa, es también una mujer. En ello comparte la esencia divina y humana a la vez, al igual que Jesucristo, y como él, intentará salvar a la humanidad oponiéndose al antiguo régimen y ofreciéndoles ya no el castigo inapelable del Antiguo Testamento, sino el perdón de los pecados y la redención del Nuevo testamento. Siguiendo esta interpretación, lo que propone Poseidón es apenas una recreación del gran diluvio que acabó con una humanidad viciada y dejó en vida apenas a uso pocos elegidos en el Arca de Noé. Hades aboga por un juicio final prematuro, pues además de recluir a todos los hombres por igual en el Infierno, decide retirarles toda posibilidad de vivir en el bien y prefiere condenarlos de antemano, con la anhelada implantación de un mundo de sombras sobre la Tierra. Saint Seiya termina siendo, entonces, una oda a la humanidad, un mensaje de fe y esperanza en el ser humano, incluso el más traicionero y pecador, que siempre podrá ser acogido en el seno de Atenea. Seiya parecía encaminado, tras haber pasado por las doce casas del Santuario como Hércules y haber demostrado ser igual en poder a los dioses, a convertirse como el hijo de Zeus en un semidiós. Será, por el contrario, un superhombre que nunca renunciará a su humanidad, incluso cuando será revestido, al igual que sus compañeros, por armaduras divinas.
Inspirado por el sacrifico de los 12 Gold Saints, similar a los 12 discípulos de Jesús, Seiya se convertirá a su vez en mártir, en luchador incansable de la humanidad que, en vez de ascender directamente a los Cielos tras su muerte, cae fatalmente herido precisamente en los Campos Elíseos, lugar de reposo de los Dioses. Con él, cae también el Dios de las Tinieblas, y su mundo de amargura y aflicción. Ha llegado, en realidad, una nueva era: la de Atenea, la diosa protectora de la Tierra y de la humanidad. El diseño andrógino de algunos guerreros Saint Seiya se convirtió en un éxito mundial en la década de los años 90 pero también fue blanco de críticas. Una de ellas era el número excesivo de escenas de violencia y sangre pensando en el público objetivo que estaba dirigida (niños). Pero la crítica más común y la de mayor relevancia por los padres fue por el visible guiño homoerótico que tenía la caracterización de algunos de los personajes, un aspecto cotidiano en la cultura japonesa, situación que significó la mutilación y censura de la serie en algunos países más conservadores. ¿Pero esto se debe a un error de ilustración o el aspecto masculino - masculina es común en el discurso japonés? La forma de hombre con rasgos femeninos en el anime está mucho más suavizado con respecto al manga de Saint Seiya, cuyos rasgos están más exaltados, pues el manga original se encuentra completamente dibujado en el estilo bishōnen.
Bishōnen (niño hermoso), es un concepto estético japonés utilizado para describir al hombre hermoso, joven e ideal, cuya belleza y atractivo trasciende el límite de género u orientación sexual. Este término ha mostrado su manifestación en la cultura pop japonesa, ganando popularidad con bandas andróginas desde los 80's hasta el día de hoy. Sin embargo, este concepto tiene raíces en la antigua literatura japonesa, en los ideales homosociales y homoeróticos de los intelectuales y la corte imperial medieval, como en los conceptos estéticos indios transferidos del hinduismo, importados con el budismo a China. Pero esta peculiar caracterización tenía un propósito comercial bien infundado por su creador Masami Kurumada y era poder "integrar" o “atraer” al público femenino, por esta razón basó la historia de Saint Seiya en la mitología griega, porque pensó que le daba un aire romántico y a su vez incluyó "hombres imposiblemente bellos" (bishōnen), personajes muy atractivos para el público femenino en Japón.
Los Saints Bishōnen más populares entre las fanáticas fueron: Shun de Andrómeda: Tiene una personalidad pacífica y detesta las peleas, tanto que siempre resulta herido por temor a herir a sus enemigos y sacrificaría su vida por salvar las de otros. Shun es la persona con el corazón más puro de la tierra. Hyōga de Cisne: es un personaje con la personalidad menos definida de los cuatro Bronze Saints principales. Hyōga representaba al chico "cool" del grupo. Milo de Escorpio: A pesar de parecer como una persona cruel y despiadada en un principio, a medida que la trama avanzaba se fue mostrando como una persona humilde y fiel a sus compañeros. Es un Gold Saint muy orgulloso y con mucha confianza en sí mismo. Camus de Acuario: Es el más frío de los 12 Gold Saints, pero su frialdad no se basa en suprimir sus sentimientos si no en controlarlos. Camus hace gestos simples, durante la batalla no se exalta, no grita, no se esfuerza, siempre permanece calmado, frío y calculador.
Misty de Lagarto y Aphrodite de Piscis, no obstante, a pesar de ser unos claros ejemplos de personajes andróginos no gozaron de excesiva popularidad, seguramente por su personalidad, caracterizada por su excesivo narcisismo y orgullo. A menudo las representaciones en el manga por y para hombres muestran "un hombre idealizado siendo ultramasculino y fálico", en cambio los personajes bishōnen son dibujados "enfatizando su belleza y sensualidad", Saint Seiya tiene una combinación de ambos tipos personajes, es común que las ilustradoras femeninas japonesas reaccionen contra la representación ultramasculina dibujando andrógino y "estéticamente hermosos” a los hombres. Según la famosa revista japonesa Animage, Saint Seiya es uno de los mejores animes de la historia, recibiendo el premio "Anime Grand Prix" en el año 1987. Con respecto al tema tratado, pienso que los temas expuestos por el anime no son nada que no hayamos visto antes, y por lo tanto no deberían escandalizarnos, estos temas son tabú en países occidentales ya que predominan las bases patriarcales judeocristianas que nos rigen moralmente, por eso rechazamos o juzgamos lo que es distinto o diferente, por esta razón para ver anime, manga o algún arte de culturas diferentes, debes tener criterio formado y obviamente una mayor amplitud de mente, ya no puedes censurar el arte, moralizando o demonizando, sólo por que nacimos escuchando que algo era de una forma y no de otra. Recuerda que nada presenta un solo lado, y eso los asiáticos lo saben muy bien, por algo es tan famoso el concepto del Ying y el Yang, y es que todo tiene su opuesto, que nada es absoluto sino relativo, ya que nada es completamente yin ni completamente yang. Conclusiones Masami Kurumada, se inspira superficialmente de los mitos que le agradan para concebir Saint Seiya. Gracias a una inteligente y pertinente reutilización de los códigos del recito épico, los incorpora en el esquema del género del shōnen manga para hacer de su obra un digno heredero de las grandes epopeyas y de las más nobles tragedias. El regreso actual a la moda de Saint Seiya demuestra que, lejos de ser una moda pasajera, este manga tiene cualidades reales de unir a un amplio sector de público de todo el mundo.
LAS ARMADURAS Cuando concibió la idea de luchadores con grandes poderes Kurumada quiso que sus personajes llevaran protecciones, armaduras refinadas para que se vieran más misteriosos y románticos. Buscando en sus libros de arte antiguo se dio cuenta que todas las estatuas estaban vestidas con estolas blancas. Así nacieron sus armaduras, originariamente las llamó Kesa (袈裟) = estolas, traje budista (la ropa que usan los monjes budistas para la práctica budista, de hecho se parecen a los mantos griegos antiguos, el traje budista consiste principalmente en un hábito holgado y rústico, suelen ser de tejidos como algodón, seda o lino, no obstante la indumentaria de colores oscuros y apagados, como el negro, gris y marrón. La palabra ‘Kasa' proviene del sánscrito ‘Kasaya' que significa «color desvaído» o «color no determinado que carece de belleza».) y Zenka = ropas perfectas (que son vestiduras de monjes del budismo Zen, de hecho el kanji de Zen es el mismo del budismo Zen, no el de perfecto, en todo caso, ese kanji de zen que puede significar perfecto, también significa todo, total, o sea, se refiere a una vestidura integral que cubre todo el cuerpo, no realmente a perfecto), luego las imaginó parecidas a las armaduras de los samuráis, estilo japonés, pero después de considerar que no se veían demasiado bien, las cambió a un estilo más occidental, teniendo en cuenta los mitos griegos. La apariencia de las armaduras sería más cercana a las antiguas armaduras occidentales, pero en vez de darles un aspecto cuadrado, Kurumada buscó darles un diseño un poco más curvado. Posteriormente las llamó “Seinaru Koromo” = santa vestidura (聖なる衣, seinaru koromo, "prenda/vestimenta sagrada"), un nombre casi idéntico al nombre final: “Cloth” (聖衣), porque tiene los mismos kanji, sólo que usa otra lectura del segundo kanji, y utiliza Seinaru en vez de sólo Sei, pero es lo mismo, significa igualmente ‘Santa Vestidura’ para referirse a armaduras usadas durante la edad mitológica, sólo dicho ligeramente en japonés, como si en español dijéramos 'Sagrada Vestidura' o 'Santa Vestimenta', suena ligeramente diferente pero es lo mismo.
Cloth = santa vestidura es la forma en que se leen los kanji "Seigi", y que quieren decir Santa Vestidura. Hábito es también correcto, es una traducción exacta, sólo que está fuera del contexto, porque los Saints no son sacerdotes, ni curas, ni monjes, así que ‘Santa Vestidura’ sería la traducción más acorde.
Ayuda de los fans: Cloth Design Contest (1986) Los diseños de los Gold Cloths de Acuario, Virgo y Cáncer, están inspirados en unos diseños ganadores de un concurso organizado por la Shônen Jump de la editorial Shueisha. En 1986, para celebrar la pre-publicación del volumen 50 del manga, Weekly Shônen Jump (la revista que publicó Saint Seiya) lanzó un concurso, denominado “Cloth Design Contest”, en el que se invitaba a los fans/lectores a enviar a la sede de W.S.J. diseños técnicos de cloths nuevos y originales para cualquier constelación que eligieran (el manga recien iba por la pelea de Jamian de Cuervo y Seiya). Como premio, los 11 mejores prototipos serían seleccionados por el propio Kurumada (los diseños podrían incluirse o no en el manga) y serían publicados, además, el diseño ganador tendría el derecho y honor de ser rediseñado por la mano del propio Kurumada en el manga. Muchos asiduos a la serie participaron enviando sus diseños siguiendo los modelos de Kurumada (¿quién lo iba a decir, verdad?). La armadura de Acuario resultó vencedora, pero otras también sirvieron de inspiración al mangaka.
El
ganador fue Kazuki Kakihara, prefectura de Hiroshima.
Youtube - Canal Saint Seiya Next Dimension Fan Group Cloths asimétricas Las armaduras consagradas a Atenea son simétricas por la línea sagital (es decir izquierda y derecha del cuerpo) en pecho y hombros, excepto algunas excepciones como el Gold Colth de Libra (hombros), los Silver Cloths de Águila, Flecha y Hércules (hombros), y los Bronze cloth de Pegaso, Lobo y León menor (pecho). La armadura de Libra tiene un hombro curvo y otro recto, Águila tiene sólo el hombro izquierdo cubierto, Hércules tiene una sola hombrera, pero su hombro derecho está cubiero por una extensión del brazo, Flecha junta las características de Águila y Libra, por su parte los de bronce sólo tienen el corazón cubierto, León menor por la parte anterior del rostro del león, mientras que Pegaso y Lobo por las patas traseras de su cloth en la forma object. Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "La apariencia proviene de las antiguas armaduras occidentales, pero en vez de darle un aspecto cuadrado, busqué de darles un diseño un poco más curvado. Creo que lo más cercano a mis primeras ideas es el Leo Gold Cloth de Aiolia. Muchos Cloths, fruto de discusiones con mis asistentes, fueron creados unos tras otros. Fue realmente difícil, no te lo puedes imaginar." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada : "Cómo la revista era semanal, yo necesitaba hacer todo en ese intervalo de tiempo. Por lo tanto, el plazo para hacer todo es de una semana, como máximo." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada : "Yo no economizo ideas. Lo que pienso lo arrojo sobre el papel y comienzo todo de cero en la semana siguiente. Hay bastante información concentrada en aquellas páginas." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada : "Exactamente. Claro que, a la hora de transformar el manga en anime o en figuras de acción, el personal fue obligado a cambiar algunos detalles porque surgían algunos problemas. Pero nunca nadie había pensado en un objeto con forma, por ejemplo, del signo de Sagitario, que usted pueda desmontarle las piezas para vestirlas como un Cloth. Fueron esas ideas que convirtieron a Saint Seiya en algo original." Los Cloth tuvieron un look un poco futurista en los primeros volúmenes del manga, problema que corrigieron los animadores en la serie TV, así como Kurumada en posteriores volúmenes, dándoles a sus héroes nuevas armaduras.
Toei por pedido de Bandai tuvo que cambiar los diseños de las armaduras del manga para que la adaptación de los Cloths en figuras de acción fuese más sencilla y funcional. Una de las ideas iniciales que Bandai presentó puede verse en la siguiente imagen, donde en el título se lee: "Diseños de referencia acordados con la compañía Bandai". En la parte superior se aprecian los diseños sugeridos por Bandai para los Cloths de Pegasus y de Phoenix, y en la parte inferior se observan los diseños de dos de los Steel Cloths: el Cloth del Sky Saint y el Cloth del Land Saint. Afortunadamente estos diseños más tarde fueron cambiados por Toei Animation para el anime. Luego de los diseños iniciales de Bandai, descartados por Toei, se decidieron por los siguientes que pueden observarse en la imagen. La curiosidad, es el primer diseño del Sky Saint, ¡el cual parecía un Megazord de la franquicia de los Power Rangers! (el Megazord es un mecha con forma humanoide que resulta de la combinación de los cinco Dinozords: Tyrannosaurus, Pterodactyl, Mastodon, Triceratops y Sabertooth Tiger, mechas o bestias mecánicas más pequeñas con formas de dinosaurios, criaturas míticas o animales voladores pilotadas por cada uno de los miembros del equipo de Power Rangers).
Colorización de Jaxom (Francia) Si bien el trazo de Kurumada es un poco limitado y desproporcionado en lo que se refiere a la anatomía humana, y sus personajes masculinos parecen más salidos de un manga Shōjo (少女, «niña joven», enfocado hacia las chicas, un público juvenil femenino), por sus grandes ojos, su pelo largo y el estilo del rostro, en lo que se refiere a las armaduras y sus texturas es espectacular, sobre todo con los Gold Colth, las cuales, a pesar de ser dibujos en blanco y negro, realmente parece que son de oro por su nivel de detalle, sus sobreados y sus resplandores. ●
Entrevista en Fuji TV, 2003 Q66: ¿Qué es lo más importante cuando dibuja un personaje? Kurumada: “Los ojos. Yo pienso que si el cuerpo está hecho por otra persona, no importaría; pero si los ojos no los hago yo, los lectores dirán inmediatamente "este no es el Kurumada de siempre". Un detalle muy acertado fue incluir en el manga los diagramas / esquemas de diseños y montajes de las armaduras, explicando visualmente como se acoplan al cuerpo de cada Saint, por un lado el personaje con las corazas puestas y por otro las piezas ensambladas imitando la forma ‘object’ de la criatura que representan, con algunos gráficos explicativos sobre como las piezas se acomodan entre sí y en el cuerpo de portador. Estos dibujos esquematizados fueron incluidos en los capítulos en los que aparecían los personajes respectivos, al final de los tomos del manga (croquis que después les fueron muy útiles a la compañía Bandai al sacar su línea de juguetes). Se nota que cuando Kurumada comenzó con Saint Seiya su estilo era aún muy inmaduro, sólo hay que ver la evolución de las armaduras de los protagonistas. Al comienzo eran muy simples, pero poco a poco fueron evolucionando y mejorando en diseño, así como el aspecto y apariencia de los personajes, que fueron ganando una anatomía y rasgos físicos más razonables que los que tenían al comienzo del manga.
Kurumada dotó a sus personajes con armaduras míticas, directamente relacionadas con las constelaciones que los guían e inspiran. Como parte integrante de la caracterización de los protagonistas, las armaduras no pueden ser vestidas más que por las personas que dependen de las constelaciones que representan. Estas tienen muchas particularidades que permiten definir mejor la personalidad de sus titulares. Así la armadura de Andrómeda posee cadenas con una poderosa función defensiva, destacando el lado no agresivo de Shun, la armadura del Dragón se considera como la más sólida, teniendo además un escudo invencible, lo que permite dar a Shiryu el aura del poderoso dragón chino Long, y la armadura de Libra incluye un set de 12 armas que Atenea distribuye entre sus caballeros cuando la justicia se ve amenazada. Tanto Kurumada en el manga como Araki en el anime tuvieron que romperse la cabeza para plasmarlas en el papel y la pantalla.
Las jerarquías, rangos, apariencias de las piezas y amplitud de cobertura de las corazas de los Saints y sus Cloths están inspirados en la división escolar japonesa y los uniformes del ejército japonés. Las filas de los Saints se inspiran en las divisiones escolares japonesas: -
Estudiantes de secundaria (Junior High) : Bronze Saints. Los rangos y la cobertura de los Cloths se inspiran los uniformes militares: -
Oficial de compañía: Bronze. Los rangos más bajos, como cadetes u oficiales de compañía, se pondrían uniformes que cubren menos area corporal, jumpers con mangas cortas, los oficiales de mediano rango, como oficiales de campo, coroneles y capitanes, usarían chaquetas y los altos rangos, como los generales o almirantes, abrigos largos con más ornamentos y condecoraciones. Entrevista
revista Figure Ou - Japón (2007) Araki: "Aquella fue una época difícil. Yo realmente sufrí mucho por culpa de las armaduras (risas). En verdad, las primeras armaduras (cloth) que debieron ser diseñadas como muestra eran la versión del manga original. Por entonces, Bandai vendería posteriormente las figuras, entonces la forma de las armaduras fue alterada para que fueran materializadas fácilmente. Después de eso, fue más difícil. A pesar de que las armaduras eran un elemento importante que reflejaba las características de los protagonistas, no me gustaban mucho los diseños tipo ‘máquina’ (risas). Así que después de muchos intercambios de ideas con Bandai, conseguimos enfatizar de manera adecuada a los niños. Y finalmente, concluimos con el desarrollo de las respectivas imágenes de animales (nt: Araki se refiere a las imágenes formadas por las armaduras cuando no están en los cuerpos de los Caballeros), sin romper con la imagen del manga original." Entrevista Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Himeno: "Estos juguetes (Saint Seiya Cloth series) eran increíblemente populares en ese entonces, y creo que la razón era esa posibilidad de conseguir transformar la armadura de una forma acoplada a una forma de objeto. Como Shingo Araki y yo fuimos también responsables de elaborar el diseño de las cajas, todo fue bastante agotador. De hecho, el responsable de Bandai nos escogió sistemáticamente para hacer esos dibujos, y ello, pasara lo que pasara. Cuánto más popular se hizo, más se incrementaba la cantidad de trabajo. Para ser honesta, di un suspiro de alivio cuando terminó la serie de televisión (risas)."
Cloth Box. クロスボックス (kurosu Bokkusu) “La Caja del Cloth” o “La Caja de la Armadura”. Pandora Box. (パンドラボックス) "Caja de Pandora" en inglés. Nombre con el cual se conocía al Cloth Box en la era mitológica. Como cualquier japonés lo notaría, los Pandora Boxes están claramente inspirados en las tradicionales viejas cajas de utilidad usadas por los vendedores en Japón desde tiempos ancestrales. Eran comúnmente usadas para transportar ropa, utensilios y eran muy frecuentemente usadas por los vendedores de tabaco del periodo Edo (1600-1868 dc). Tenían proporciones muy similares y la forma de transportarlas es exactamente la misma. Aun es común verlas en Japón, ya no tanto como antes, pero aún se usan, y son muy similares a los Pandora Box.
La caja que guarda el cloth se llama Pandora Box. La misma Eagle Marin la llama asi en el vol. 1. Aquí el diálogo: その箱は神話の時代にはパンドラボックスとよばれていたのさ (Sono hako wa shinwa no jidai ni wa Pandora Box toyobareitanosa) es decir "Esa caja era llamada Pandora Box en la era de los mitos", y está hablando de la caja del Pegasus Cloth. Luego le cuenta a Seiya la leyenda de la caja de Pandora y su relación con los Cloths. No es que este comparando las cajas. El nombre de los contenedores de los Cloths es, en efecto, Pandora Box desde la era de los mitos. La explicación a esta asociación entre el mito griego de Pandora y el nombre de las pandoras box Cloths es que Kurumada utilizo el mito como motivo referencial en su manga, no es que hubiera bestias o males en su interior, ni nada por el estilo. Lo que Kurumada quiso transmitir es que en el universo de Saint Seiya, las desgracias que Pandora liberó sobre la humanidad, con el tiempo llegaron a tener relación directa con los Saints en la conciencia colectiva griega. Un Saint puede traer esperanza o destrucción, según el uso que haga de su Cloth. Es idéntico al motivo que usó el célebre mangaka Gou Nagai en su híper-famoso manga Mazinger o Majinga, el Dios/Demonio en japonés: Con el mega robot, el protagonista y piloto Kouji Kabuto podria convertirse en un dios, o un demonio. De ahi que Nagai lo llamara Mazinger : (Ma= Demonio, Shin (Jin) = dios). La correcta romanización seria Majingar, y no Mazinger, pero bueno. Así que esa es la razón intrínseca de la mención del mito. El uso del poder y la eterna dicotomía entre el bien y el mal resultante, producto de nuestras decisiones.
Poca gente sabe que cuando se empezaron a producir Los Caballeros del Zodíaco (Saint Seiya) en anime (diseño animado japonés) fueron realizados algunos test, principalmente en la adaptación del trazo y la colorización de las armaduras de los personajes. Lo más interesante es que inicialmente la idea de Toei Animation era respetar los diseños y los colores del manga de Kurumada, tal como se puede apreciar en las siguientes imágenes con Ikki y Seiya, Shingo Araki (el principal diseñador de la versión animada de Los Caballeros del Zodíaco) intentó seguir el estilo de las armaduras diseñadas en el manga.
A petición de Bandai, los diseños originales de Kurumada debieron ser modificados para simplificarlos, ya que de esa manera era más fácil adaptarlos para crear las figuras de acción. En este afiche promocional se pueden observar los cambios y nuevos diseños de los Cloths de Dragon y de Pegasus, y de sus respectivos colores. La curiosidad se encuentra en los colores escogidos para la ropa de Seiya y su Cloth. Al parecer Toei quería mantener el amarillo de su ropa de entrenamiento, y por alguna razón eligieron el rojo para el Cloth. Entrevista Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Himeno: "En lo que concierne a las armaduras, al principio quisimos dibujarlas casi como en el manga, pero por deseo del patrocinador Bandai las hicimos más bonitas / atractivas visualmente. Fue durante esta etapa de trabajo que tuvimos la idea de diseñar algún tipo de faldas que encerraran las caderas. De hecho, en la época de los antiguos griegos, los hombres llevaban efectivamente vestimentas parecidas a faldas llamadas "chitones". En lo que respecta a los cascos en forma de máscara o diadema nos dijimos que numerosos animadores no lograrían dibujarlos. Entonces partimos de animales. Por ejemplo, si un animador sabe dibujar una cabeza de caballo, sabrá dibujar el casco de Seiya." Las armaduras pueden parecer poco prácticas pues aunque ciertos Cloths son demasiado voluminosos para caminar, y mucho menos luchar, están justificados por ser símbolos del estatus del personaje, y cuanto más intrincado sea diseño menos probable es que el enemigo se rebaje a lanzar golpes. Al final de la serie los cascos de las armaduras se vuelven inútiles. Todos los cascos se rompen, se pierden en las peleas o simplemente no se usan (porque los personajes se ven mejor de esa manera). Hasta Atenea usa el suyo en una sola página y luego lo pierde cuando Hades golpea su escudo. Si bien los Silver y Bronze Cloths no cubren el cuerpo en la práctica como deberían, los pocos Cloths femeninos incluyen placas para los pechos, aunque cubren menos, están diseñadas para ser más atractivas y curvas, y muchas veces incluyen tacones de aguja. Esto también se da en la Mermaid Scale, aunque la tendencia es diferente en la armadura del Ghost Saint Geist.
Himeno: "En cuanto a las armaduras, empecé por considerarlas como mechas* y luego arreglé sus curvas para que fueran bellos objetos que la gente estaría feliz de poner en su escritorio." NOTA: Un mecha (abreviación del japonés "Meka" (メ カ), por la palabra inglesa "mechanical") es un robot (humanoide, animal, medio de transporte, o armas móviles, etc.; de proporciones variables y diseñado tanto para protección de una ciudad como para uso militar u otros usos). Los mecha son un subgénero en la rama de la ciencia ficción tanto en el ámbito de la animación japonesa (anime) como en sus cómics (manga). Algunas series de mechas son: Mazinger Z, Mobil Suit Gundam, Transformers, Tengen Toppa Gurren-Lagann, Macross / Robotech y Neon Genesis Evangelion.
Otras más, donde podemos ver la evolución de los bocetos coloreados de Ikki y Seiya, viendo a Ikki podemos corroborar que inicialmente se pretendió seguir la versión totalmente fiel al manga de las armaduras y que hubo cambios antes de llegar a apreciar las primeras armaduras de bronce que todos admiramos en la teleserie de anime. Igualmente, parece que a Toei y a Bandai no les gustaron los primeros colores y los cambió por diseños más elegantes que fomentaran las ventas de figuras que todos conocemos. El coloreador Kunio Tsujita hizo varias mezclas, una con la armadura roja de Pegaso usando un traje amarillo como el que usaba cuando entrenaba en Grecia. Cuando la animación de la obra original fue estudiada, fueron elaborados cuadros de imágenes para ser mostrados a Kurumada y a los patrocinadores. Los primeros fueron diseñados con las armaduras iguales a las del manga, lo que fue muy interesante. Estos bocetos tomaban como base las ideas de los sponsors, para que el trabajo con el diseño de las armaduras pudiera ir avanzando. A pesar de la corta fase preparatoria de la teleserie, fueron hechas importantes alteraciones y retoques, hasta que finalmente se estableció el diseño definitivo y conocido hoy. Algunas publicaciones en revistas de anime utilizaron las versiones con colores diferentes como imágenes promocionales previas del programa de TV. Araki: "Entonces, después de muchos intercambios de ideas con Bandai, conseguimos enfatizar una forma adecuada a las creaciones. Finalmente las desarrollamos en base a las respectivas imágenes de los animales (Araki se refiere a las imágenes formadas por los totems de las armaduras, cuando no están en el cuerpo de los caballeros, sin romper con el manga original."
Entrevista
revista Figure Ou - Japón (2007) Araki: "Pegaso. En primer lugar el yelmo que debía ser usado, yo quería hacerlo en un formato que se viera bien desde cualquier ángulo. De cualquier forma, era el protagonista. Sobre todo, yo tenía que planearla de forma que los movimientos de la animación fueran lo más fáciles posibles, por eso intenté rediseñarla para facilitarlo." Presentadas como seres vivos, las armaduras juzgan a sus titulares, no dudan en abandonarlos si estos se muestran indignos de su rango de caballero sagrado de Atenea. Así, durante la batalla de las 12 casas del Zodíaco, el caballero de Cáncer se comporta de forma tan cruel que su armadura lo abandona, dejándolo indefenso ante un furioso Shiryu. Por otro lado, la armadura de Sagitario protege a menudo a Seiya, juzgándolo digno de ese honor por su coraje. Este
enlace caballero / armadura se hace tan presente que cuando muere la
armadura (es decir, es destruida más allá de sus facultades
de regeneración), necesita la sangre de un caballero para encontrar
la vida. Mejor aún, cuanto más poderoso es el caballero
que dona su sangre, la armadura resucitará más bella y
poderosa.
Las armas Otro
aspecto de caracterización del personaje del recito épico son las armas
u objetos poseídos o utilizados por el personaje. Estos accesorios,
a menudo mágicos o malditos, dan otra visión de la personalidad del
héroe, mostrando, de una forma más heroica o funesta, su trágico destino.
Estos objetos a menudo desempeñan un papel clave.
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Entrevista en Fuji TV, 2003 ¿De dónde viene la idea para la palabra "Cloth"? Kurumada: "La representación de la mitología griega, muestra a los dioses usando paños ("Cloths"). Y como son dioses, lo que visten son así como "vestiduras sagradas" (聖なる衣 en japonés). Y acortándolo obtuve 聖衣 ("Cloth")”. Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Antes de empezar el manga, imaginaba varias armaduras como las que usan los samurái y un estilo de lucha como el karate. El concepto era que los ataques fueran tan poderosos que los personajes necesitarían de una protección especial mientras combatían, pero las primeras armaduras no me convencían y cuando trabaje en el concepto, vino a mi mente la mitología griega. Me dije que si me inspiraba en las constelaciones, el resultado podría ser fabuloso. Entonces comencé a diseñar los Cloths con el estilo europeo antiguo y con formas más curvadas. El Leo Gold Cloth de Aiolia es un claro ejemplo de estas primeras ideas. Con mis asistentes debatíamos constantemente sobre los diseños de los nuevos Cloths, fue realmente agotador. Ya tener que pensar en la historia, era realmente cansador." (Risas.)
Nota: Quizás si las armaduras hubieran sido japonesas los tipos de alto rango hubieran tenido armaduras de clase samurái, mientras que los de bajo rango habrían tenido lógicamente combinaciones simples de kendo. Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "Estuve particularmente atento en el modo de dibujar los Cloths en las páginas en color, en la esencia de su textura. Aunque al principio hubo numerosas páginas en color en las que no me satisfacía el resultado de los Cloths. Contrariamente a los mangas elaborados por diseñadores talentosos, los mangas de Kurumada se basan principalmente en los nēmu, pero sin embargo estaba determinado a prestar una atención particular a los Cloths. Nota: Etapa 1 - Nēmu wo kaku (ネームを描く) Los nēmu (o Story-Board) son más que un proyecto o borrador, digamos que son el manga previo al manga definitivo. Con los dibujos (aunque no sean exactos), el diseño de la página, la decoración y los diálogos. Los Nemus deben ser legibles para poder presentarlos a un editor potencial, así que son muy prácticos. El nēmu es un proyecto en el que se transcribe por primera vez el guión y las imágenes. La hoja se suele dividir en 2 páginas distintas trazando una línea vertical en el centro o haciendo un pliegue. Se debe tener en cuenta que el lector ve dos páginas a la vez. Eso es el「mihiraki 見開き. La calidad de los dibujos no es muy importante. Se pueden hacer garabatos o dibujar de una forma más limpia. En los nēmu se ejecuta la técnica komawari コマ割り: se organiza en el papel la disposición del número de viñetas, su tamaño y forma, y la de los personajes, etc. También se pueden escribir informaciones sobre como deben hacerse los fondos de los planos y los tipos de letra a utilizar. El nēmu es revisado y modificado tantas veces como sea necesario, hasta quedar satisfecho. A continuación, se envía por fax al director para su aprobación o corrección, de ahí que el formato sea en papel A4. Al configurar los nēmu siempre hay que pensar en cómo van a leer el lector. El criterio esencial que se debe tener en cuenta es el diseño de la disposición de las viñetas para lograr que el lector tenga ganas de seguir pasando las páginas. La otra cosa importante es pensar si se alcanza o no el objetivo del contenido de la obra. Si hay retratos psicológicos se debe asegurar de que son comprensibles. Después de todo, los Cloths son cosas que nadie había visto en ninguna parte!. Por supuesto que yo tampoco los había visto en realidad, pero había que mostrarlas en dibujo. Tomé un tono básico azul, y le añadí un toque de color púrpura o bien de amarillo ... intenté todo tipo de cosas. También consideré el hecho de que las corazas tuvieran varios colores dependiendo del ángulo desde el que se miraban bajo la luz, por lo que también traté de hacerlas de esta manera ... Pero nunca acabaríamos si lo intentáramos todo y no sería posible hacer las páginas a tiempo (risas). En verdad, he mejorado gradualmente la reproducción de los colores de los Cloth a medida que dibujaba el manga, hasta llegar a algo pude considerar como completo. Es hacia la mitad del manga que finalmente encontré algo apropiado.” Kurumada: “Algunos dicen que los Cloths fueron la verdadera innovación de Saint Seiya, sin embargo hay que recordar que antes también existía una estrecha relación entre los personajes y sus respectivos equipamientos. Por ejemplo, en Sukeban Arashi los nunchakus usados por la protagonista, o el Kaizer Knuckle de Ring ni Kakero. Pero también en algunos famosos films, como el de 007, los accesorios usados por los espías, sobre todo por las mujeres, capaces de extraer rápidamente un arma escondida en la falda, son escenas muy interesantes; para mí, sensual y con estilo. Pienso que eso me había influenciado, también porque de joven me habían producido una gran impresión, y creo que el resultado de esa impresión pueden haber sido los Cloths; antes de entonces, de hecho, esa clase de trajes eran muy cuadrados, porque pertenecían a los robots. En el caso de Saint Seiya usé el estilo de las armaduras occidentales, más curvadas, y también pensé en armaduras que pudiesen vestirse sin que se tornasen pesadas. Sin embargo, combinando cada armadura con el nombre de una constelación y dándoles las formas que éstas representan, creía que podría no ser algo del todo interesante, porque no tenía relación con la historia. Pero era importante.”
Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Los Scales son protecciones basadas en las escamas de los peces. El resultado de dibujarlos (a los Scales) con muchas escamas no era agradable, por eso diseñé muy poco en ese sentido. Los Scales representan monstruos marinos, pero elegí aquellos que se vieran mejor en la medida de lo posible. Claro que no podía tener una anémona marina, ya que su técnica hubiera sido “tragarme todo a mi alrededor”. (Risas.) Por el contrario, he pensado mucho sobre Isaak, su Scale y diseño, debido al pasado compartido que tenía con Hyôga."
Fanarts de Trident (Bélgica) Al principio, Masami Kurumada pensó dar color azul a los Scales de los Marina, para representar el color de las aguas de los mares. Pero le pareció que no daban la impresión de poder y fortaleza y por eso decidió darles tonos anaranjados y dorados para evocar el poder de los Gold Cloths, eligió hacerlos de color dorado para darles una apariencia más poderosa e imponente. La escritura en kanji que Kurumada usaba para algunos Marina muestra que el buscó equivalentes descriptivos para dar al lector japonés una mejor comprensión del personaje que su Scale representaba: Para Mermaid : 人魚姫 = Ningyo-hime (Princesa Sirena), para Seiren: 海魔女: Kai-majo (Bruja del mar) y para Chrysaor: 海王子 Kai-ōji (Príncipe del mar).
Entrevista revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Para ser franco, pues no me acuerdo (Risas.) Al principio tenía la intención de hacer Scales azules, pero no desprendían impresión de potencia. Creo que debí querer hacerlas de color dorado para que se parecieran a los Gold Saints, para que no se vieran peor que ellos. Dado que el anime fue transmitido al mismo tiempo que esta parte, bien pudo haberse tratado de una sugerencia de Bandai o Toei." Entrevista
a Kunio Tsujita, diseñador de colores del anime clásico Kunio Tsujita: "Que yo recuerde, los Scales no eran azules. En el manga original fueron pintados de color dorado, similares a los Gold Saints. Si mal no recuerdo, en la animación fueron cambiados por tonos naranjas porque era necesario diferenciarlos de los Gold Saints." Entrevista
a Kunio Tsujita, diseñador de colores del anime clásico Kunio Tsujita: (Respondidas juntas) "Eso fue porque los colores originales no eran típicos de las series de TV. Es necesario basarse en la imagen original, pero a veces no se puede representar su verdadera esencia cuando la adaptas. Yo pienso que no importa si las imágenes del manga difieren de las del anime cuando es adaptado. De hecho, en el manga original, tanto los God Cloths como los Surplices fueron pintados todos del mismo color, respectivamente. Por más que en el manga eso quedara bien, sentí que para una serie animada les faltaba personalidad. Por lo tanto, decidí darles colores distintos a cada uno. Y el señor Kurumada me dio el visto bueno con respecto a todo." En el manga original, tanto los God Cloths como los Surplices fueron pintados todos del mismo color, respectivamente. Por más que en el manga eso quedara bien, en una serie animada les faltaba personalidad. Por lo tanto, se decidió darles colores distintos a cada uno y Kurumada dio el visto bueno con respecto a todo. Por otro lado, los Scales no eran azules. En el manga original fueron pintados de color dorado, similares a los Gold Saints, pero en la animación fueron cambiados por tonos naranjas porque era necesario diferenciarlos de los Gold Saints.
Fanarts de Trident (Bélgica) Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Esos fueron obtenidos de las 108 estrellas de la novela Suikoden, y las asocié a varios tipos de monstruos de la mitología y de otras fuentes. Aunque debo decir que fueron mucho más difíciles de imaginar. (Risas.) Primero pensé en los Surplices con un brillo tenebroso de color negro, que se adaptara a las profundidades del infierno. En el anime se les añadieron tonalidades purpuras, pero siguieron siendo tonos oscuros como siempre. De hecho, un simple negro, los hubiera hecho muy parecidos a los Black Saints. Para los nombres de Minos, Aiakos y Radamanthys usé los nombres de los jueces de la mitología."
Fanart de Marco Albiero (Italia) Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Para poder seguirles dando un incrementos de poder a los enemigos, no me quedó otra opción más que crearlos. (Risas.) Estos eran necesarios para poder vencer a dioses como Thanatos; pero tal vez me vi un poco tentado por "no tengo otra opción, tengo que hacerlo"? (Risa irónica) Al comienzo los dioses gemelos los llaman Kamui, pero al observarlos detenidamente los llaman God Cloths, los cuales se aproximan a los Kamuis. De cualquier manera, los God Cloths son la última etapa en la evolución de los Cloths... Quizás…" (Risas.) Kamui. (神衣/カムイ) En kanji "Shin'i", o sea "Vestidura de Dios"; con el furigana "Kamui". Kurumada probablemente se basó en los Kamui, seres divinos de la mitología Ainu para su nombre. God Cloth. (神聖衣/ゴッドクロス) En kanji "Shinseii", o sea "Vestidura Divina"; con el furigana God Cloth, o sea "Paño/Tela Divina" en inglés. Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "En relación a la edad, los Bronze Saints serían alumnos de primaria, los Silver Saints estarían en preparatoria y los Gold Saints estarían en la universidad. En lo que respecta a sus alturas, los Bronze Saints están alrededor de los 165 cm, los Silver Saints en los 175 cm y los Gold Saints miden más de 180 cm. La apariencia de sus Cloths claramente diferencia sus rangos como en el ejército. Allí existen Almirantes, Coroneles y Capitanes, y con cada cambio de rango, se les permite vestir trajes que cubren más. Los God Cloths tienen un diseño que se destaca claramente del resto, y los de Dragon, Cygnus y Andromeda también recibieron alas para demostrar que son los Cloths finales."
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Los Kamuis son las protecciones usadas por los principales 12 dioses del Olimpo, e incluso Athena misma posee uno que le corresponde. Hice que ella portara un Cloth, porque eso me pareció más cool. Sin embargo Athena misma dice que ella porta un Cloth, el cual podría llegar a ser su Kamui. De la misma manera es posible que el Scale de Poseidón y el Surplice de Hades terminen siendo sus propios Kamui… Tengo la intención de revelar a la brevedad el resto de los Kamui, por eso manténganse muy atentos…" Nota: El hecho de que Kurumada valore revelar las Kamuis nos deja presumir que desea una continuación a la saga de Hades. En el manga original, las God Cloths son vestidas por los caballeros de bronce protagonistas. Atenea viste una Cloth, Poseidón una Scale y Hades un Surplice. Se sabe que tienen también Kamuis en alguna parte. El Taizen proclama ese dato y añade que las kamuis nunca se han visto en el manga. Pero Kurumada lanza que en realidad la Cloth, Scale y Surplis que visten estos tres dioses en el manga pueden ser sus verdaderas kamuis y contradice el Taizen. Podríamos pensar que las protecciones de Poseidón, Hades y Atenea son Kamuis pero que aún no han alcanzado su verdadera forma (no sería la primera vez que se ve una evolución de armaduras), así seguiría siendo una información coherente con el Taizen que dice que no se las ha visto. O, en la línea de Next Dimensión, Kurumada pasa del Taizen, incluso de su manga original y lanza ideas así.
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "En algunos casos resultó muy sencillo encontrar como se deberían ver los Cloths basados en animales como Leo o Cáncer. En el opuesto, los Cloths como el de Libra o Géminis siempre fueron más difíciles de concebir, y de hecho tuve muchos problemas para determinar cómo se debería ver el Cloth de Géminis al ser usado por Saga. Como su aparición era al final, como el último villano, tuve que pensar lo más que pude para llegar a un bello resultado y darle la sensación de poder." Kurumada se inspiró en la figura de los ashuras (deidades guerreras del hinduismo) para darle forma al Cloth de Géminis.
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Si tuviera que elegir, diría que el Gold Cloth de Géminis, aunque me gustan todos. En ese entonces, algunos directivos de Bandai estaban preocupados por el diseño, particularmente con la doble cara que llevaba en el casco; pero al final les gustó el resultado. De hecho, hay una pregunta que me hacen muy a menudo: “¿Cuál de los Saints es el más fuerte?”. Inclusive hombres de más de 30 años me siguen haciendo esa pregunta como si fueran niños de primaria. No importan las edades, Saint Seiya es una obra muy querida en sus corazones."
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "¿También tú? (Risas.) Esa es una pregunta difícil. A los 12 los diseñé de forma que cada personaje se destacara. No podría decidir cuál es el más poderoso." (Risas.)
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Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Las viejas figuras parecían hinchadas, pero estas nuevas están muy bien hechas. Uno puede sentir el avance tecnológico. Los Cloths tienen un excelente terminado, un aspecto ligero y elegante que yo quería desde un principio. Pero los Cloths no son solo protecciones que se llevan puestas, también son capaces de tomar la forma de sus constelaciones, lo cual complica la cosa. En esa época se trataba de un concepto nuevo, y los diseños, por lo tanto, se le hicieron difíciles a Bandai." Entrevista
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Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Antes los juguetes eran mucho más sencillos, pero ahora se hacen de una manera más ingeniosa. Se aprecia en ellos un verdadero avance técnico. Entre los Myth Cloths, el de Lira Orphée se destaca verdaderamente; la textura evoca un brillo parecido al de la plata. También creo que los tres Kyoto del Infierno son magníficos e imponentes. Sus Surplices tienen un acabado excelente. Pero me da pena la gente que los colecciona, existen tantos que les debe ocupar mucho espacio en la casa." (Risas.)
¿Has sentido alguna vez tu cosmos? LOS CONCEPTOS Los
Kanjis de Kurumada La terminología es una fuerte peculiaridad de "Los Caballeros del Zodiaco". Las palabras "Cosmo", "Saints", "Cloths" son ejemplos de palabras que agradaron a los lectores entorno a la visión del mundo sobre Saint Seiya. La lectura del idioma japonés es bastante complicada y con 1945 caracteres oficiales que deben conocerse para el final de la educación secundaria, leer, incluso un manga, puede ser problemático para lectores jóvenes. Por ello, en mangas orientados a público joven existe una ayuda conocida como furigana. El furigana es simplemente colocar al lado del kanji su lectura apropiada en hiragana, muy útil especialmente en aquellos caracteres con más de una lectura. Sin embargo, es común que el mangaka tome ciertas licencias y adose un kanji incluso alguna palabra en inglés. En Kurumada tenemos a uno de esos mangakas que sí aprovechan esta opción, y colocan lecturas que muy ligeramente se asocian con el carácter o los caracteres originales. Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "Términos como "Cloth" (聖衣) o "Saints" (聖闘士) son palabras inventadas. En términos comunes, los Cloths serían "Armaduras" (アーマー) (el término Inglés utilizado en japonés), pero yo no quería usar este tipo de palabras tan comunes. Y como me gustan los kanji, me aseguré de usarlos. Los dioses griegos usaban túnicas blancas, ¿no?. Es a partir de eso que me inspiré para el nombre seinaru koromo (聖なる衣 – tejido / túnica / vestidura sagrada). Y como en inglés "tejido" se dice "cloth", asocié esa pronunciación con los kanjis 聖衣, la lectura de estos seria KUROSU. En lo que respecta a Cosmos, se suele decir habitualmente "elevar su espíritu" (気が高まる - "ki ga takamaru") o "sentir intenciones asesinas" (殺気を感じる - "sakki wo kanjiru"). Básicamente, estas expresiones se refieren al espíritu (気- "ki"). Me dije que iba a calcar las expresiones con el Cosmos sobre esto para conseguir "elevar su Cosmos" (小宇宙 - "cosmo ga takamaru") o incluso "sentir el Cosmos" (小宇宙を感じる - "cosmo wo kanjiru"). En aquella época yo acababa de ver un documental de televisión que definía el cuerpo humano como un microcosmos (小宇宙 - shōuchū). Y entonces me dije que escribiría el concepto como 小宇宙 pero añadiéndole la lectura Cosmos. También me impliqué mucho en los nombres de las técnicas especiales. Mis responsables de edición me aportaron también muchas ideas." ●
Entrevista publicada en la sección Cosmo Talk del Saint Seiya Taizen,
agosto 2001 Kurumada : “Al recordarlo pienso que me desenvolví verdaderamente bien con Saint Seiya (Risas). La palabra "Cosmo" puede ser aplicada a diversas cosas. Por ejemplo, cuando se está sintiendo una amenaza mortífera de un enemigo o para referirse al aumento de la energía, en todos los casos se hace referencia a "arder su Cosmo". En lo que concierne a los "Cloth", me inspiré porque vi que los dioses de la mitología griega vestían simples tejidos. A partir de eso, imaginé el término "tejidos sagrados" (聖なる衣 - seinaru koromo), que luego comprimí en "Cloth" (聖衣).” 聖闘士[SeiTouShi] Saint: Es el nombre de los guerreros que han jurado lealtad a Atenea. Los kanjis componentes se traducen como "Guerrero Sagrado" (Sei Tou Shi), bastante acorde con su función. 黄金聖闘士 [Ougon SeiTouShi] Gold Saint: Los máximos guerreros al servicio de Atenea, que nosotros conocemos como caballeros dorados. Derivados del anterior, simplemente añaden el sufijo “dorado” (Ogon), aunque Kurumada lo lee como “oro” en inglés. 冥闘士 [MeiTouShi] Espectro: Los guerreros de Hades son los equivalentes a los santos: humanos nacidos con las estrellas malvadas de Hades y que ahora están a su servicio. Adecuadamente sus kanjis son Mei (oscuro), Tou (batalla) y Shi (samurai), lo que se traduce como “guerrero oscuro”. 聖衣 [Sei'i / SeiGi] Cloth: Es la protección tradicional de los santos y su lectura en katakana (curosu) es simplemente “ropaje” en inglés. Su lectura está compuesta de los caracteres Sei (sagrado) e I (traje), lo que nos daría “ropaje sagrado”. Es bueno aclarar que el doblaje del anime en castellano comete un error técnico importante al nombrar esta protección como armadura, pues no llega a la complejidad de una protección completa, como en el caso de las armaduras de Medioevo. En este caso, Kurumada ha respetado el tipo de protecciones usadas en la antigua Grecia, no diseñadas para cubrir todo el cuerpo, sino las partes más vitales. 冥衣 [MeiGi] Sobrepelliz: Aunque un poco rebuscado, el ropaje de los guerreros de Hades recibe el nombre de Surplice (sa-purisu), que se traduce como “sobrepelliz” (del latín Super, “encima”, y pelicium “piel”). Sin embargo, los kanjis son simplemente Mei (oscuridad) e I (ropaje), lo que sería entonces “ropaje oscuro”. Lo curioso es que el sobrepelliz es el traje usado por curas y monaguillos en las labores de la Iglesia. 女神 [Megami] Atena: Su lectura es simplemente “diosa” (Megami), como si Atenea fuera la única diosa del panteón griego. De nuevo hay que aclarar que se ha usado la versión del manga y el anime original, que proviene del inglés “Athena”. Si quisiéramos una traducción más apropiada para el castellano, deberíamos usar Atenea. 冥王 [MeiOu] Hades: En el manga, siempre se antecede el nombre de Hades con Mei (oscuridad) y Ou (rey), lo que es bastante lógico, pues el título de Hades es el “Soberano de la Oscuridad”. コスモ [Kosumo / Shouuchuu] Cosmo: El aura de combate de los caballeros, la representación del Big Bang original que existe dentro de todos los seres vivos. Por ello, sus kanjis correspondientes son Shou (pequeño), U (cielo) y Chuu (vacío), o lo que es lo mismo, ‘microcosmos’. Kurumada : “La palabra "Cosmo" (Pequeño Espacio), puede ser entendida de diversas formas. Puede ser usada cuando se está sintiendo una amenaza de un enemigo o cuando se quiere destacar el aumento de la energía propia "elevando el Cosmo". El "Cloth" (Traje/Vestidura Sagrada), por ejemplo, fue inspirado en aquellas túnicas en las que los dioses griegos aparecían representados. Aquello me parecía "un traje protector sagrado de los dioses", y de ahí aparece la idea de las "armaduras". Ese tipo de palabras eran todas inventadas, !esto significa que yo las creé todas! "armadura" o "ropaje" es, en el lenguaje corriente, simplemente algo como armadura, pero yo no quería algo tan común. Además de eso, como también me gusta el kanji, también me empeñé en usar kanji, como bien se sabe, los dioses griegos vestían mantos blancos, y de ahí es que nació la idea de manto o vestidura sagrada que es lo que significan estos 2 kanjis que forman la palabra, la lectura de estos seria KUROSU porque "manto" en inglés es CLOTH, así es como lo concebí." Kurumada ideó el concepto del Cosmo partiendo de una frase que oyó en un documental sobre el cuerpo humano, en el cual se mencionaba que el cuerpo es como un mini-universo. Es precisamente el significado de los kanji que el utilizaba para escribir Cosmo en japonés: Shouuchuu 小宇宙 (Microcosmo o Pequeño Universo). Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "El Cosmo es, en pocas palabras, una especie de energía, un modo de "elevar la propia energía" o de "sentir la necesidad de derrotar". De ahí he construido la frase "elevar el Cosmo" o "sentir el Cosmo". Para ser preciso, viendo un documental en la TV en el cual se afirmaba que "el cuerpo de una persona es un pequeño universo", fue cuando pensé: "Esta es una buena idea, hablar de un pequeño universo y llamarlo 'Cosmo'." Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "Pensé de manera totalmente seria los nombres de las técnicas especiales, y el editor me ha dado algunas ideas al respecto, muchas veces; creo que eso le había dado una cierta elegancia a Saint Seiya, porque si hubiera sido un simple manga de acción hecho simplemente con sudor y más sudor, no hubiera sido recibido de modo particular por los jóvenes. Por eso, me puse a pensar en las opciones que harían atractivas también a las derrotas; si eran simplemente golpeados, no tenía atractivo alguno, pero si eran golpeados con un cierto estilo, entonces eso se ponía interesante, y por ese motivo me decidí por esa forma de "elegancia". Y en esto, creo que la influencia del anime ha sido grande, porque el trabajo de Shingo Araki como Diseñador de Personajes ha sido verdaderamente importante, dado que todo aquello que Araki toca se convierte en algo elegante y muy original. ¡Se adaptaba perfectamente, de hecho, a mi visión del mundo de Saint Seiya!." Entrevista Artbook Sora (2003) Kurumada: "Ahora que lo pienso, era verdaderamente un universo inédito. Los Saints, los Cloths, el Cosmos eran términos que nunca habían sido escuchados y que tenían una fuerte presencia una vez se habían asimilado. Y creo que es quizás por eso que engancharon a los lectores, cualquiera que sea su país de origen. Cuando recibí cartas de los fans en francés o en inglés sentí verdaderamente en mi piel la popularidad de Saint Seiya en el extranjero. Ya había recibido antes cartas procedentes de otros países además de Japón, pero se trataba de niños japoneses que se encontraban por ejemplo en Inglaterra a causa del trabajo de sus padres. Cuando recibí cartas de verdaderos niños franceses sentí hasta que punto los mangas son maravillosos. En Francia hay numerosos fans que llegan hasta a viajar a Japón o que aprenden japonés para poder leer los mangas en sus versiones originales!. También hay fans que se han convertido en responsables editoriales de mangas. Ese es el poder de los mangas!.”
El ataque estelar La otra "arma" que tienen los caballeros son sus técnicas de combate. Se trata de ataques especiales que pueden desencadenar con el despliegue del Cosmos, ese poder que está dentro de cada humano y que hace referencia al Chi. Esos ataques son específicos de cada caballero, que conoce su secreto de invocación. Las técnicas están relacionada con la constelación del caballero (o incluso su armadura). Cuando un Saint lanza su ataque, grita el nombre (práctica heredada del célebre Mazinger Z de Go Nagai, que a su vez se inspiró en los espectáculos de lucha libre japonesa). Una vez más, Masami Kurumada hizo muchas investigaciones, incluso sobre los nombres en varios idiomas en las técnicas, para marcar su origen. Entrevista
revista Figure Ô #109 – Japón (2006) Kurumada: "De hecho me pasaba mucho tiempo cambiando y re-cambiando los nombres. Terminaba los dibujos dejando OOOO en lugar de los nombres, diciéndome a mí mismo que iría a dormir y que lo discutiría por teléfono luego. Cuando no me vienen las ideas, siempre termino consultando a mi editor en jefe y lo pensamos juntos. Incluso hoy a veces todavía lo hago. (Risas.) De hecho, en la época de la pre-publicación de Ring ni Kakero sucedía que el nombre de una técnica especial era diferente dependiendo de en donde la Jump había sido vendida, siendo la misma historia en la misma revista." ¿Cómo es eso? Kurumada: "Eso es porque mi editor en jefe cambiaba los nombres de las técnicas sin pedir mi opinión. Él me decía por teléfono: “Mira, creo que es mejor así, así que lo cambie por ti”, a lo cual yo inmediatamente protestaba diciendo: "¡¿Qué dijiste?! !Corrígelo!". Pero como una parte de las revistas ya habían sido impresas, entonces hubo copias conteniendo la vieja versión que fueron distribuidas en algunas zonas, mientras en otras zonas recibían la versión corregida. Y esa es la razón por la cual los nombres de algunas técnicas diferían de una ciudad a otra."
¿Cómo hace para encontrar los nombres de sus personajes y técnicas? Kurumada: "Busco ideas en películas, canciones o libros. Pero dada la cantidad de nombres que usé, encontraría dificultoso decir cuál fue la referencia correspondiente a determinado nombre. Es por esto que buscar nombres me asusta ahora, porque corro el riesgo de usar uno que ya había usado." (Risas.) En este sentido, analicemos un momento la capacidad del dibujante Kurumada. Es una mangaka de la vieja escuela, y su estilo, además de ser un poco obsoleto, incluso en los 80 años, no siempre fue del todo correcto, los errores de perspectiva o de proporciones son frecuentes en el manga de Saint Seiya. Sin embargo, a pesar de ello, es evidente que Masami Kurumada tiene un apreciable sentido de la disposición. Disposición de las viñetas o casillas, el uso de onomatopeyas en la acción, señales de movimiento y velocidad, ha asimilado perfectamente todas estas peculiaridades de la puesta en escena que son prerrogativa del manga. Así que cuando un caballero desencadena un ataque, Masami Kurumada, no duda en hacer uso de una página completa (o doble página) para hacer hincapié en su impacto. Sus personajes adoptan poses improbables, proclamando el nombre de su golpe cuando están rodeados por energía y aparece el símbolo (criatura o imagen representativa) tras ellos para recordar su afiliación. Estos detalles, ciertamente poderosos, juegan un papel importante en la caracterización de los personajes, por su repetición gráfica en primer lugar, y también porque muestran una manifestación concreta de las "armas" del personaje..
LOS CABALLEROS DE BRONCE Los 5 Bronze Saints fueron diseñados con equilibrio Establecidas las bases de su manga, Kurumada creó a los personajes, empezó por los Bronze Saints (青銅聖闘士（ブロンズセイント） Buronzu Seinto, casta más baja de Saints donde ubicaría a los protagonistas de su historia, y se reservó a los Saints de rango superior (Silver y Gold), para presentarlos más adelante como enemigos de estos. Seleccionó 10 constelaciones que tuvieran buena pinta y tras estudiar sus elementos astrológicos diseñó los nombres (un elemento esencial en sus mangas), las personalidades, las aptitudes combativas así como la forma y propiedades de las armaduras de 10 Bronze Saints, que serían presentados como enemigos en un torneo en el que lucharían entre sí para disputarse la Armadura de oro de Sagitario. Entonces eligió entre estas a 5 constelaciones para establecer un quinteto equilibrado de protagonistas, siguiendo las normas del shônen manga.
El término shōnen (少年, significa "adolescente" en japonés) se utiliza para designar un tipo de manga, el shōnen manga (少年 漫画, manga para chicos jóvenes, a veces escrito shounen manga) que es un tipo de manga cuyo objetivo editorial son sobre todo los adolescentes varones jóvenes. En oposición con el manga shōjo (少女 漫画 mangas para chicas jóvenes) y el manga seinen (青年漫画 mangas más sofisticados para hombres jóvenes o mayores de 16 años).
Los personajes principales y su personalidad Seiya sería el tipo apasionado, impulsivo y terco, su mayor virtud es que nunca se rinde. Shiryu el tipo de confianza, serio, tranquilo y reflexivo. Hyoga el tipo cool, aparenta ser frío pero es muy sentimental, y Shun el tipo lindo y noble, a quien no le gusta pelear. Ikki nunca fue pensado para estar en el elenco de héroes, pero considerando la adición de un quinto personaje principal, que sería el lobo solitario, quien puede acabar sin remordimientos con su enemigo, pero en el fondo cree en la justicia, para equilibrar las personalidades, este último fue perfecto para completar el grupo, así que lo agregó más tarde. Jabu se suponía iba a formar parte del elenco principal, pero debido a su personalidad muy cercana a la de Seiya, Kurumada lo incluyó en el grupo de los Bronze Saints secundarios.
Los personajes masculinos del autor son, invariablemente, heroicos y desinteresados, y Masami Kurumada obtiene gran parte de la inspiración para sus creaciones a partir de sus propias experiencias en la práctica de las artes marciales. Su interés en el boxeo, wrestling (lucha libre) y artes marciales es públicamente notorio, y mantiene relación próxima con renombradas personalidades de esos círculos. Un tema recurrente en sus obras es la amistad, el coraje y el sacrificio. La virtud masculina y cualidades como la honestidad y el honor son también rasgos que se suelen encontrarse en sus personajes. Por otro lado, los personajes femeninos de sus obras en su mayoría desempeñan un papel mucho menor, pero también se pueden encontrar algunos que tienen un papel clave, como Rei Kōjinyama (Sukeban Arashi), Kiku Takane (anillo ni Kakero) y evidentemente Saori Kido (Saint Seiya).
El Star System de Osamu Tezuka Seiya tiene un aspecto físico similar a todos los protagonistas masculinos de las obras de Masami Kurumada. La técnica del célebre mangaka Osamu Tezuka (denominada “Tezuka Star System”) ha influido obviamente en Kurumada. "Star System" es una técnica / forma de reutilización de un mismo personaje en varias obras que el maestro mangaka (autor de mangas) Osamu Tezuka, el considerado "dios del manga", creó en 1947. Este solía reciclar personajes, pues los concebía como si fueran "actores" que podían usarse una y otra vez. Uno de los elementos diferenciadores de la obra de Tezuka es el uso recurrente de miembros de reparto, personajes con apariencias físicas muy similares que aparecen una y otra vez con diferentes roles a los precedentes y en diferentes historias, ya sea con papeles principales o secundarios, incluso breves apariciones / cameos, con diferentes nombres y diferentes orígenes pero, en general, con personalidad similar y, en ocasiones, con un ligero cambio de apariencia, aunque no todos los personajes sufrían cambios dramáticos en su papel, algunos mantenían un papel similar. Muchos mangakas posteriores siguieron el modelo y utilizan este recurso de reutilizar personajes idénticos / muy similares físicamente en sus obras. ¿Por qué el autor repite las apariencias físicas de los personajes?, ¿Acaso no tiene imaginación o desea ahorrarse trabajo?, ¿Cuál es el significado / objetivo tras esta práctica "no creativa"? Podemos preguntarnos ¿cuál es la gracia de usar un mismo personaje en varios mangas?, pues, dependiendo del caso: ninguna, pero Tezuka fue muy inteligente con esta idea. La forma en que Tezuka utilizaba los personajes de su "star system" puede ser visto como algo análogo / paralelo a cómo un director de cine elige / asigna los miembros del reparto de una película, administrando un grupo "estable" de actores con diferentes roles en nuevos films, para mantener así a un grupo de personajes estable y fácilmente identificable por sus lectores. De manera que los personajes de sus historias en manga son como estrellas de cine en un estudio y él un director que reutiliza los mismos actores una y otra vez tras analizar si le gusta o no su rendimiento en las obras precedentes. En otras palabras, mientras un actor de cine se adapta a una variedad de roles diferentes en las películas los personajes de Tezuka reciben diferentes roles en varios mangas de contenido diverso, a veces con la misma personalidad o con una totalmente nueva, a veces con el nombre cambiado y con papeles muy pequeños, pero siempre reconocibles. Simplemente desarrolló esta técnica original para hacer que algunos personajes exitosos / apreciados por el público regresaran a la escena. A medida que pasaban los años y creaba más y más personajes nuevos, estos protagonizaban reapariciones frecuentes, hasta formar parte del Star System también. Aparte de los trabajos de Osamu Tezuka, ningún otro artista de manga usaba esta fórmula visionaria en sus obras. Por aquel entoces era inconcebible que la estrella de un manga aparecería en un segundo plano o en el rol de villano en otro. Los personajes repetidos de Tezuka no eran sólo personajes, él los concibió como actores y actrices reales solamente para servir a ese propósito (así como Brad Pitt, Harrison Ford o Sean Connery). Osamu Tezuka se tomó un gran placer en su papel de Director asignándoles papeles diferentes. Un bello ejemplo de ello es el "actor" Shunsaku Ban o Shunsuke Ban (uno de los personajes de más larga duración de Tezuka), un hombre calvo y corpulento, de mediana edad fácilmente reconocible por su gran bigote, a menudo cómico y de mal humor, sin embargo, de buen carácter, que interpreta al profesor en Astroboy y es el detective protagonista en Metropolis (las dos obras mayores / principales de Tezuka). El Star-system (expresión inglesa traducible por "sistema de estrellato" o "sistema de las estrellas") era el sistema de contratación de actores en exclusividad y a largo plazo utilizado por los estudios de Hollywood en la denominada época dorada de Hollywood, como medio para asegurarse el éxito de sus películas y explotar al máximo su rentabilidad. “Los actores célebres hacen espectáculos célebres". El éxito de una producción dependía de la popularidad de los actores y actrices que participan en ella, quienes eran mitificados como dioses por el público, como Claudette Colbert o Greta Garbo, entre otros. El Star-system se incluyó entre los trabajos de promoción en la industria cinematográfica y duró hasta los años 1950, aunque hoy en día sus secuelas persisten. En el Hollywood clásico un actor solía ser asociado a nivel personal con las características del personaje que interpretaba en sus películas. Los actores por lo general eran presos / encasillados en un determinado tipo de papel / personaje que los hizo famosos y terminaban siendo confundidos por el espectador con la figura del propio actor, difícilmente podían salir de él. Así, Clark Gable fue el gran galán y Shirley Temple una niña adorable. Tezuka utilizó ese tópico en su propio beneficio adoptando en sus historias un plan basado en ese Star System, donde varios personajes “actores” aparecían en series diferentes, interpretando un papel diferente en cada una. En el ápice de este juego, el mangaka – quien también abusó de cameos o participaciones especiales en sus obras [algo similar a lo que el dibujante de comics de superhéroes estadounidense Stan Lee adoraba hacer] llegó a crear salarios para sus contratistas. Osamu Tezuka incluso fue tan lejos como para elaborar una cómica y teórica tarifa de precios / honorarios que pagaba a cada personaje que tenía en plantilla en función de las apariciones / rendimiento de su actuación, cantidades basadas en las de actores occidentales famosos de la época, incluso hizo fichas con el currículum de cada uno. El término "Star System" fue acuñado originalmente en Hollywood. Charlie Chaplin y sus compañeros actores pusieron en marcha una nueva compañía de cine con el objetivo de producir películas que giraran alrededor de un grupo de actores estrella; llamaron a esta práctica "star system". Desde entonces, se utiliza esta expresión habitualmente para referirse a la creación de películas centradas en las mejores estrellas. De todos modos, el "star system" empleado en el manga de Osamu Tezuka difería un poco de su homónimo de Hollywood. El Star System de Tezuka no era simplemente una forma de organizar los personajes, sino la expresión de su filosofía central. Esta reutilización de los personajes, explorando la misma personalidad en múltiples vidas y circunstancias, incluso en múltiples reencarnaciones en algunas obras, confirió al trabajo de Tezuka una riqueza e interconexión únicas. Todos ellos contribuyen a dar vida a cada una de las obras y además dan una sensación de unidad a un universo formado por mangas que en realidad no tienen relación entre sí, pero sobre todo son un guiño a los lectores fieles de las maravillas que salían de la pluma del desaparecido mangaka. Los fans de Tezuka aman el Star System ya que recompensa a los lectores de múltiples series, proporcionándoles un guiño o saludo cuando descubren personajes del Star System. De este modo, por ejemplo, los fans que vieron / reconocieron al célebre personaje de Atom (Astroboy) como el hijo de un secuestrador en otro trabajo pudieron leer el manga con deleite. Con este recurso, lo que conseguía Tezuka era crear una experiencia global a lo largo de toda su obra, de forma que todo se retroalimentaba, y conseguía que el lector habitual sintiera una proximidad hacia esos personajes (algo que suele pasar con algunas estrellas del cine). Además, esto también permitía a Tezuka hacer ciertas bromas, con personajes que aparecen sin ton ni son, e incluso jugar con las expectativas del lector, como cuando un actor conocido por sus papeles de “buen chico” se pone a interpretar a un malvado. Por otro lado, Tezuka adoptó en su manga muchos planos, técnicas y recursos narrativos inspirados en los métodos de producción de películas. Por lo que está bastante claro que se dejó influir y realmente probó las delicias de un director de cine de Hollywood. También es interesante tener en cuenta que de vez en cuando, un personaje que regresaba de una historia a otra no sólo tenía nuevas ocupaciones sino nuevo nombre o apariencia. Algunos personajes tenían sus nombres japoneses escritos de forma diferente, aunque fonéticamente eran idénticos (ya que numerosos kanji se pronuncian igual en japonés). Algunos, sin embargo, recibían un nombre completamente diferente. Otros podían sufrir pequeños cambios en su apariencia física, como un estilo diferente de pelo o ropa. El propio mangaka Osamu Tezuka fue, curiosamente, otro de los personajes habituales y que apareció con más presencia en sus mangas. Aunque en algunas ocasiones hacía de si mismo, otras veces actuaba como una especie de alter ego, o simplemente como un personaje cualquiera (a menudo como médico, ya que en realidad tenía el título de Medicina). ¿Acaso eso era un síntoma de megalomanía o un gran sentido del humor?. Así como Tezuka reciclaba a los personajes (sus diseños) que se conciben como si fueran "actores" que podían usarse una y otra vez. Kurumada tiene "ideas" preconcebidas de apariencias para sus personajes y los explota sencillamente. Cuando Kurumada diseñó el aspecto físico de Seiya se inspiró en Ryūji Takane, el personaje principal de su exitoso manga Ring ni Kakero, obra que creó 9 años antes de Saint Seiya. De hecho, la mayoría de los protagonistas de los trabajos de Kurumada tienen un parecido a Ryuji. Lo mismo sucede con el resto de protagonistas y personajes secundarios de Saint Seiya.
Explicaciones sobre el manga por Masami Kurumada. Publicado en el Jump Gold Selection 3 en 1989. Kurumada: "Una vez definido el campo de aplicación de la obra, elegí 10 constelaciones con buena presentación para hacer a mis 10 Bronze Saints. Luego pensé en las personalidades y características de cada uno para que coincidieran con sus constelaciones. Como los dragones evocan a China, me inspiré en la alusión histórica china de la "paradoja de la lanza y el escudo" y asigné el puño y el escudo más poderosos al Cloth de Shiryu. Respecto a Hyoga, yo quería un personaje singular para equilibrar a los personajes, y es por eso que hice un mestizo con una actitud de desapego y una cierta clase. La prueba de la pared de hielo eterno a romper es una idea tuve desde que empecé a pensar en esta obra. Como al principio de la prepublicación los 10 Bronze Saints se posicionaron como enemigos respectivos, me aseguré de mostrar a un Shun un poco más frío que de costumbre. No hay ninguna razón especial tras la elección de la Nebula Chain terminada por una punta en el brazo derecho y un anillo en el izquierdo. Sólo recuperé una imagen occidental de la constelación de Andrómeda representada con una punta y un anillo en los extremos de las cadenas, y luego he interpretado a mi manera esa asimetría. Yo ya tenía en mente hacer a Ikki el enemigo más poderoso cuando seleccioné 10 constelaciones al principio. ¿Y que otra constelación diferente a la del Fénix para el hombre más poderoso?. El Hoo Genma Ken se le dio para ayudar a la progresión de la historia. Pensé en este medio para permitir insertar escenas de flashback sobre el pasado de los personajes sin romper el ritmo de la narración. Por contra, incluso cuando lo dibujaba como un enemigo, sentía vagamente en un rincón de mi cabeza que él se convertiría en uno de los compañeros de Seiya."
Las Super Sentai Series (スーパー戦隊シリーズ Sūpā Sentai Shirīzu), comúnmente abreviado como Super Sentai que se traduce literalmente como "Súper Escuadrón", "escuadrón de lucha", "fuerza de ataque" o "regimiento", es el título de una serie de televisión japonesa live action que suele estar protagonizada por cinco superhéroes con trajes de distinto color que luchan en equipo contra las fuerzas del mal, utilizando un arsenal repleto de armas y robots gigantes, llamados mechas.
Las series Super Sentai tienen como tema principal el concepto de reunir el poder de varias personas que luchan juntas y logran hacer en grupo lo que no pueden hacer solos (el poder del trabajo en equipo). En la mayoría de series sentai, el héroe principal y personaje icónico de la serie es el guerrero rojo, que implícitamente es el lider del equipo, aquel del grupo que acapara mayor protagonismo o sobre el que hay más material o información que explotar. Sin embargo, en algunas series, otros guerreros pueden tener historias interesantes o importantes, de forma que casi comparten el foco de atención con el rojo, incluso en algunos casos están más involucrados en la trama que el principal rojo. Desde 1975 y sobretodo en los ochenta, se hizo muy popular el fenómeno de las series Super Sentai, donde un grupo de adolescentes / estudiantes de a pie comunes y corrientes eran convertidos en superhéroes dedicados a combatir al mal (representados en forma de alienígenas) transformándose en guerreros de alto nivel mediante una habilidad de tipo “Henshin” que les hacía adoptar sus identidades secretas merced a unos dispositivos que normalmente llevaban en las muñecas y que les hacían cambiar su apariencia al instante con toda clase de parafernalia pirotécnica de por medio. Los protagonistas eran hombres y mujeres, generalmente se buscaba un número paritario / impar, normalmente cinco, de los cuales normalmente tres eran hombres y dos mujeres (aunque en ocasiones se modificaba la proporción en 4 de un sexo y 1 de otro), con la clara intención de embaucar también al público femenino. Todos ellos, al combatir, se convertirían automáticamente en expertos en artes marciales y, pese a estar enmascarados, serían discernibles mediante uniformes de diferentes colores que en la práctica se solían repetir: Rojo para el líder del grupo, Rosa para la mujer más relevante, Azul para la amiga de ésta, Amarillo para el gracioso y un quinto “tsundere” de Negro, Verde o incluso Blanco. Evidentemente, no todas las series hicieron gala de estos patrones, pero la repetición de roles y de su vestimenta asociada más repetida sea posiblemente ésta.
Al mismo tiempo, sólo se buscaba el atractivo y la forma física en el primero de todos los chicos, y la belleza y dulzura en una de las chicas. El resto de los miembros solía adolecer de algún defecto o una connotación poco popular como por ejemplo obesidad, obsesión por el estudio o incluso fealdad manifiesta. Dicho de otra manera, se intentaba que el comando en cuestión tuviese la composición más heterogénea posible para atraer a la mayor cantidad de público y eso fue exactamente lo que se hizo una y otra vez cambiando detalles mínimos o reduciendo el elenco de guerreros de cinco a tres en algunos casos. Tras unos combates horriblemente coreografiados, llenos de poses cómicas y con no pocos gazapos en sus rodajes, el némesis de turno terminaba por crecer y transformarse en un monstruo gigante, lo que les obligaba a recurrir a unos vehículos motorizados especiales que poseían y que sólo podían utilizar en momentos de necesidad que solían coincidir con ésos. Todos ellos estaban basados en un animal diferente al que, se suponía, que cada uno de los guerreros representaba. Asimismo de un modo u otro terminaban en el mismo plano todos ellos fusionándose para crear un robot colosal que finalmente destruía al enemigo de turno con un movimiento normalmente basado en un espadazo. Naturalmente, el guion estaba concienzudamente planificado por la compañía de Bandai, que a finales del siglo XX se había convertido en una de las empresas más rentables de Japón. El merchandising basado en los androides de esas producciones fue, durante muchos años, una mina de oro.
Saint Seiya es el resultado de una compleja y terriblemente irregular carrera del mangaka Masami Kurumada (se trataba en realidad de un híbrido entre sus trabajos más relevantes), la influencia del género Super Sentai sería decisiva en esta serie, donde se reconvirtió el Super Sentai a la mitología europea.
Saint Seiya era un Super Sentai animado. A pesar del número inicial de diez, cinco terminarán por ser los Saints que protejan a Saori. A su vez, todos ellos tendrían poderes asociables fundamentalmente a animales, a los que les acompañaría un color. Seiya era el caballero de Pegaso y su aura era blanca con vestimenta roja (la de los líderes), Shiryu, el Dragón, tenía un espíritu verde, Hyoga, el Cisne, era blanco con traje azul, Shun, Andrómeda, Rosa (debido a su orientación homosexual) e Ikki, Fénix, hacía gala de un fondo anaranjado que simulaba el fuego, correspondiente con su alma Tsundere (término que describe a una persona cuyo comportamiento es frío, hóstil, violento y reservado hacia los demás, pero que después de un tiempo muestra su lado cálido, sensible y amigable. La palabra es una derivación de los términos tsun tsun (ツンツン), que significa apartarse con disgusto, y dere dere (デレデレ) que significa volverse cariñoso. Tampoco sus ataques se libraban de la comparación. Los “caballeros” se veían obligados a ejecutar ciertos movimientos similares a una danza cada vez que ejecutaban una de sus técnicas, en una clarísima referencia a las patochadas con la que los guerreros de carne y hueso de Super Sentai entraban en acción.
Lejos de Japón, estas producciones serían conocidas fundamentalmente a través de la distribución francesa sobresaliendo entre todas las licenciadas Choudenshi Bioman, que fue comercializada con el nombre de “Bioman” y que irónicamente era conocida como una de las peores al contar únicamente con tres guerreros. Aunque en ello mucho tuvo que ver que la imitación americana de estas ocurrencias, la franquicia conocida como Power Rangers, irrumpiese en las televisiones de medio mundo con un lenguaje mucho más occidentalizado y asimilable para un público como el europeo o estadounidense.
Kurumada
utilizó kanjis más específicos para mostrar nombres más descriptivos,
y los significados implícitos en los nombres occidentales de las constelaciones
de algunos Silver y Bronze Saints, para una más sencilla comprensión,
a título de ejemplos: ●
Entrevista Editorial Star Comics - Italia (2001) Kurumada: "Todos los personajes de esta historia fueron creados por mí, por eso soy fanático de todos ellos, y por lo tanto no puedo elegir a uno en particular." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: “Son los cinco Bronze Saints: Seiya, Hyôga, Shiryû, Ikki y Shun.” Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Es una pregunta que me hacen frecuentemente, pero yo amo a todos mis personajes y eso no se limita únicamente a Saint Seiya. He invertido mucho en cada uno de ellos y todos me dieron la sensación de un parto doloroso, no podría elegir uno solo."
Tres de los Bronze Saints protagonistas tienen motivos astrológicos en sus nombres: Seiya (Flecha Estelar), Ikki (Destello) y Shun (titileo, como el de las estrellas). Por otro lado, Hyoga (Glaciar, por la cruz del norte) y Shiryu (Dragón púrpura) tienen motivos más relacionados con sus constelaciones. Seiya, el caballero de Pegaso, representa al joven héroe fogoso e impetuoso, el héroe en el sentido noble. ¿Podría ser de otro modo, ya que es colocado bajo el signo de la montura de los héroes más valientes?. El joven Shun, bajo el patrocinio de Andrómeda, la princesa que se sacrificó para salvar a su pueblo de la ira de Poseidón, es un chico sensible, que detesta la violencia y es obligado a luchar. De acuerdo con su estrella, será aquel que se sacrifica más, tanto por los demás como por sí mismo y la relación con su pacifismo. Ikki, el ave Fénix, pájaro solitario por excelencia, inmortal que renace constantemente de sus cenizas, es el más solitario de los caballeros, el más encarnizado y más "duro de roer”.
Este tratamiento se extiende a todos los personajes. Aparte de algunos adversarios sin importancia (como la mayoría de los caballeros de plata, por ejemplo), otros opositores serán también fuertemente afectados por la influencia de su constelación. Un trabajo muy interesante se hará para definir a los Caballeros de Oro, en particular. Así,
no es casualidad que el caballero dorado Mu de Aries sea aquel que repare
las armaduras. En la astrología Aries es el primer signo del
Zodíaco, y se supone que poseen virtudes regeneradoras. En la
mitología, el famoso vellocino de oro buscado por Jasón garantiza
la inmortalidad a su portador. Del mismo modo, el Caballero de Géminis
representa la fusión de dos mitos: Cástor y Pólux, los
hijos gemelos de Zeus y Leda, y famosos guerreros – es decir Saga
y Kanon, los gemelos que llevan ese título en el manga-, y Janus,
el dios latino de dos caras: el casco de la armadura simboliza la doble
personalidad del usurpador Saga.
Entrevista
Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Himeno: "Cuando empezamos el primer volumen del manga ni siquiera había salido, tuvimos que trabajar con las páginas recuperadas del Shonen Jump. El productor Hatano nos dijo entonces que envejeciéramos a los caballeros de bronce en dos o tres años en relación con el manga. Y de repente, dimos al grupo de Seiya apariencia física de colegiales o escolares de secundaria. En términos de diseño, quizás sean Saori y Shun los que fueron difíciles de hacer. Como en el manga sus dos rostros son casi los mismos, tuvimos que cambiar algunos detalles para que pudieran diferenciarse fácilmente en la pantalla. Por otro lado, como la identidad del Pontífice al principio nos era desconocida, fue bastante difícil para nosotros. Al principio es una buena persona, pero se convierte poco a poco en el malvado de la historia. ¿En el opening se lo presentaba como el villano de turno no? (risas)." Kyôkô (教皇). "Pontífice". Mal llamado "Patriarca". El líder del ejército de Atenea, mientras ella se encuentra ausente en la Tierra. ●
Entrevista revista
Anime Club – Brasil (1996) Kurumada: “A veces busco inspiración en el cine o en la TV. Pero básicamente creo todos mis personajes cuando estoy solo, en mi escritorio”.
¿Cómo definió las características / personalidades de los cinco Bronze Saints héroes de la historia? Kurumada: "Pensé en el equilibrio clásico del Shônen (manga para jóvenes). Un héroe con sangre y carácter bullicioso, valiente y de personalidad explosiva, un muchacho serio y analítico, un muchacho cool (genial) del grupo, uno más bien kawaii (calmado y callado), y por fin otro que tiene el papel del muchacho muy poderoso, el tipo más fuerte del grupo, lo que explica por qué tenemos a Seiya, Shiryû, Hyôga, Shun e Ikki. Por el contrario me dije que no sería interesante que los cinco formaran un grupo desde el principio, como en los estereotipos, y es por eso que Ikki fue presentado como el enemigo común. Además, contaba también con hacer de Hyoga un asesino a sueldo del Santuario que les habría dado dificultades, que daría un giro a la historia". Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Pensé en el equilibrio clásico de los shônen: Un héroe valiente y de personalidad explosiva, un muchacho serio y analítico, uno tipo “cool” (genial), un muchacho bello, y el que debería ser el tipo más fuerte del grupo; y así tenemos a Seiya, Shiryû, Hyôga, Shun e Ikki. Hice que Ikki fuese su enemigo en el principio, porque me pareció que no sería interesante que los cinco formaran un grupo desde el comienzo, como suele ocurrir habitualmente. También, de la misma forma, hice que Hyôga fuese un asesino a sueldo a las órdenes del Santuario. Seiya y Ryûji (Ring ni Kakero) son dos tipos diferentes de héroes, de hecho Ryûji es un personaje complicado de usar, no es del tipo “vamos por el enemigo”, sino más bien espera a que vengan a él. Utilizar este tipo de personajes, no es fácil. En Saint Seiya, Shun era muy similar a Ryûji; mientras que Seiya es más parecido a Ishimatsu: cuando un enemigo aparece, él automáticamente saldrá a enfrentarlo."
● Entrevista Cosmo Special - Japón (10 de agosto de 1988) Kurumada: "Cuando ya tenía decididos a los protagonistas, sus caracteres salieron por naturaleza. Seiya es el tipo protagonista: apasionado y temperamental; Shiryû es el tipo que representa la justicia; Hyôga es del tipo "cool"; el rol de "niño lindo" lo desempaña Shun; y por último, Ikki es el lobo solitario. Creo que los nombres que les puse son muy apropiados. (Risas.) Bueno, con el de Jab me enredé un poco, y es que en principio iba a tener un carácter muy similar a Seiya". A pesar de que Kurumada destacó y atribuyó el éxito de Saint Seiya al hecho de haber creado cinco personajes protagonistas tan diferentes entre sí, como algo novedoso, desde hacía 5 décadas era muy común ver mangas con varios protagonistas. El mangaka Shōtarō Ishinomori lo hizo en los años 60 con su manga Cyborg 009, los 9 cyborgs protagonistas de su comic son muy diferentes entre ellos. Gō Nagai hizo lo propio en su manga Mazinger Z, los protagonistas Kōji, Tetsuya y Sayaka no tienen personalidades parecidas tampoco. Hasta los comics americanos lo hicieron décadas antes. La Justice League en 1960 y los Avengers en 1963, y todos los personajes son diferentes. De forma que podemos afirmar que realmente el éxito de Saint Seiya viene de otros factores.
Kurumada: "Después de definir a mi protagonista, naturalmente me ocupé del resto de personajes. Como Seiya es del género Nekketsu, un personaje capaz de sentir emociones fuertes, el verdadero protagonista de un manga Nekketsu, hacía falta un personaje recto y serio como Shiryu, el típico chico bueno y gentil. Hyoga es un tipo desilusionado, pausado y tiene clase. Luego está Shun, que es bastante agradable, cumple el papel de chico adorable, mientras que Ikki es como un lobo solitario. También creo que encontré nombres que les quedan bien. Todos los nombres de los personajes tienen un significado. Hyoga, por ejemplo, significa isla de hielo, y nosotros los japoneses usamos el término inglés Cool para describir un carácter desilusionado. Al principio, la Cloth del protagonista tenía que ser similar a la Kesa (el traje clásico de los monjes budistas), pero cuando se decidió incluir la mitología griega también se cambió ese detalle en particular. Para Saint Seiya fue realmente difícil elegir los textos, por ejemplo, no teniendo mucha familiaridad con la ciencia ficción y la animación, era difícil pensar en cómo debían ser las armaduras, y mi editor me dio ideas que a mi no me gustaban. Su idea era crear un personaje nacido en una familia que practica artes marciales, y un día, volviendo a casa, encontraba a su padre asesinado. Esta historia me parecía ridícula y trivial, la descarté inmediatamente y opté por el uso de la mitología. Más tarde fue fácil decidir las situaciones, la historia y los personajes, así como las armaduras y las armas, que fueron creadas de manera natural."
¿Cuál es su personaje favorito? Kurumada: "Es una pregunta que me hacen muy seguido, pero yo amo a todos los personajes, y no se limita sólo a Saint Seiya. He invertido mucho en cada uno de mis personajes, y todos ellos me dieron una sensación de doloroso parto. No podría hacer una elección." ●
Entrevista
Fuji TV – Japón (2003) Q59: ¿De dónde viene la idea de que Mitsumasa Kido tenga 100 hijos? Kurumada: “Viene de una historia que leí en la Biblia sobre 100 niños que fueron sacrificados. Mitsumasa Kido tuvo también que sacrificar a sus hijos para oponerse a un terrible mal.” En una entrevista de fans, Takao Koyama (guionista principal de la serie animada de Saint Seiya hasta el final de la Saga de los Doce Templos y de la película La ardiente batalla de los dioses) afirmó que en la teleserie se quitó del argumento el hecho de que los 100 niños enviados a convertirse en Bronze Saint fueran hijos/medio hermanos (excepto Ikki y Shun) de Mitsumasa Kido porque no se hubiera visto realista. En el manga era una cosa, pero en el anime se hubiera visto absurdo, y se pregunta si alguien se hubiera encariñado con los personajes si la disputa de los Bronze Saints se hubiera llevado a cabo entre hermanos. En el desarrollo de la historia, Koyama borró esa idea ya que no era algo que fuese a afectar de manera negativa ni destruiría el universo original. ●
Entrevista
Fuji TV – Japón (2003) Q60: ¿Hay algún personaje inspirado en usted mismo? Kurumada: “Los personajes principales representan mis principios y mis sueños. Al contrario, los antagonistas representan los aspectos que detesto de mi mismo”.
Entrevista revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "No hay muchas constelaciones elegibles de entre las 88. No podía haber elegido Circinus (Compás) o Antlia (Máquina de Aire). (Risas.) Las 12 constelaciones principales del Zodiaco estaban reservadas para los contrincantes desde un principio. Tentativamente elegí 10 constelaciones que parecían ser utilizables, pero luego estuve obligado a descartar 5. Creo que con Hydra Ichi y Lionet Ban eso no podía evitarse, ¿verdad? (Risas.)"
Jabu
(邪武): Los kanji significan literalmente "maldad" y "guerrero".
Una traducción adecuada sería "aquel que combate la maldad",
ya que no se lo puede traducir como "guerrero maligno" porque
no es el caso con Jabu. Unicorn Jabu iba a ser uno de los protagonistas principales, pero como Seiya tenía una personalidad similar, la del "héroe apasionado", entonces pasó a formar parte del grupo secundario. Entrevista revista Saint Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "De hecho, al principio pensé en dejar a Jabu también como regular, un poco más involucrado en la historia. Sin embargo es básicamente un personaje con la misma personalidad que Seiya, el personaje de tipo "sangre caliente y apasionado" iba a ser Seiya, así que decidí sacarlo de los principales y lo puse junto a Ichi y los demás. Todavía lo llego a pensar en ocasiones, pero estoy seguro de haber tomado la decisión correcta con Pegasus."
Juné (ジュネ): “June”, (Juno – Juné, nombre griego común). Ocasionalmente lo pronuncian como el mes de junio en inglés, pero realmente Ju-, suena como llu- de lluvia, y né está acentuado... Ju-né. (no hay variantes al nombre) Pero frecuentemente es mal pronunciado como el mes de junio en inglés, June. Cuando la forma correcta es Yu-né.
Kurumada concedió una entrevista en febrero de 1987 a una revista japonesa llamada "June" (ジュネ) [d͡ʑu͍ ne] publicada por la editorial Magazine Magazine, orientada sobre mangas yuri/yaoi y sadomasoquismo, (la entrevista fue publicada en dos partes, la primera en la edición de mayo y la segunda en la edición de julio). En ella, según se cuenta, el entrevistador le preguntó si él podía crear un personaje que llevara el nombre de la revista. Kurumada prometió hacer un personaje con el nombre de June. Así que creó al Bronze Saint femenino de Chamaeleon con tintes "sados", y la llamó June, en honor a dicha publicación un mes después (marzo de 1987). Ello explica quizás porque aparece y desaparece rápidamente de la historia, así como el diseño de su armadura y atributos, ella estaba allí como referencia a la entrevista, no para durar como Shaina o Marin.
En el número #16 de la Weekly Shônen Jump hace su primera aparición Chamaeleon June, quien, sorpresivamente, lo hace totalmente desnuda debajo de su Cloth; mientras que en la edición tankôbon #8 eso fue cambiado y se le agregó un par de pantalones para cubrir sus piernas. También se hicieron otros cambios, como el agregado de protectores a los costados del torso, el cambio de aspecto del látigo y la corrección del error del nombre de la constelación (en la pre-publicación sale como "Amaeleon" cuando debió decir "Chamaeleon"). Entrevista
Editorial Glenat - España (2011) Kurumada: "Dado que el protagonista es Seiya, será difícil que los Bronze Saints sean protagonistas. En cualquier caso, ellos también protagonizarán varias aventuras." ¿Cómo hace para encontrar los nombres de sus personajes y técnicas? Kurumada: "Busco ideas en películas, canciones o libros. Pero dada la cantidad de nombres que usé, encontraría dificultoso decir cuál fue la referencia correspondiente a determinado nombre. Es por esto que buscar nombres me asusta ahora, porque corro el riesgo de usar uno que ya había usado. (Risas)." Entrevista revista JUNE 34 - Japón (1987 ) Kurumada: “…Cada técnica de combate tiene un enlace / vínculo con la constelación correspondiente. Como Shiryu es de la constelación de Dragón, tiene un ataque que evoca un dragón ascendente. Es como un ataque perteneciente a su constelación. En el caso de Hyoga, escuché decir en la radio que el Diamond Dust es un fenómeno que se produce con tiempo muy frío en el Polo Norte, y que consiste en una lluvia de cristales de hielo. Como Andrómeda era una princesa que estaba atada con cadenas, técnicas de combate asociadas a Shun también se basan en cadenas”.
●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "No veo problemas. Creo que “Caballeros del Zodiaco” debe ser más fácil de comprender para el público extranjero. "Saint Seiya", el título original, es muy difícil de entender. Al principio, hasta los lectores japoneses tenían dificultades para leer el título correcto." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "¿Usted cree?. Pero me gustó que no le hayan cambiado los nombres a los personajes. Seiya continuó siendo Seiya. Sólo en algunos países cambiaron los nombres de los personajes." ●
Entrevista revista
Anime Club – Brasil (1996) Kurumada: “Yo creo que el manga existe principalmente para el ocio, así que no pienso en colocar un mensaje específico. Escribo esperando que los lectores queden contentos con mi historia, pero si además de quedarse contentos ellos pudieran captar algo más, como dibujante me sentiría totalmente realizado”. ●
Entrevista
Fuji TV – Japón (2003) Q62: ¿En su opinión, por qué esta serie es tan popular en el extranjero? Kurumada: “Hay lágrimas, risas, pasión, gente débil que logra derrotar a gente más fuerte que ellos. Esas son las bases de Saint Seiya, y yo pienso que estas son cosas que entretienen en cualquier parte del mundo. Incluso si los personajes de Saint Seiya están vestidos "a la occidental", la base es el "naniwabushi" y el "enka". He conocido a fans de Francia e Italia. Gente que ha estudiado japonés para poder leer Saint Seiya en su versión original. Estoy feliz de haber creado una obra que tuviera tanto impacto”.
●
Entrevista Editorial Star Comics - Italia (2001) Kurumada: "Creo que el hecho de que mis historias hayan sido aceptadas en países donde se hablan lenguas diferentes del japonés significa que el mensaje que les doy es universal, y esto es ciertamente una cosa muy agradable para un mangaka". Kurumada: "Con Saint Seiya quería crear un manga que se hiciera popular desde el principio para superar la sensación de "incompleto" que tenía con Fuma no Kojiro y Otoko Zaka. Las cosas salieron como esperaba y pronto ganó gran popularidad. La explosión tuvo lugar en el invierno de 1986, cuando comenzó el anime. Mientras tanto, el manga se hizo muy famoso cuando a se rebeló que la engreída Saori Kido era Atenea, y aparecieron los Caballeros de Plata. El éxito creció enormemente gracias al doble efecto del anime y el manga, que eran increíbles. El manga mantuvo su popularidad por un período muy largo, pero me sentí como una estrella que empieza a perder toda la fuerza que tenía en la saga de Hades, así que pedí a Shueisha que me permitiera concluir Saint Seiya en diez semanas." Cuando Kurumada terminó el manga en el arc de Hades dijo que su cansancio era extremo... dibujar los Cloths era demasiado ya para él luego de seis años. Lo raro es que luego de que terminó StS un tiempo después se puso manos a la obra con el manga Silent Knight Shō, cuyos dibujos eran igual o más complejos que en StS, la única diferencia es que las armaduras no eran metálicas... así que se hace difícil entender como si estaba tan cansado siguió con algo que estaba igual o más difícil. Sabemos que su plan original era seguir luego de la saga de Hades con el arc de Zeus y los dioses olímpicos para luego terminar con el arc de Chronos y concluir ahí su obra. ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Ni siquiera un poco. Creo que todo comenzó en Francia, luego vino el éxito en la venta de figuras. En América del Sur se produjo el problema de los productos pirateados, pero con el tiempo, se redujo. Un año después, conocí a un autor de manga en China, y comentó que había perdido millones de yenes en derechos de autor allí. Parece que cuando el manga japonés se introdujo en China, y esto sucedió hace 10 años, los títulos más populares eran Dragon Ball y Saint Seiya, pero piratas. Piensen en el tamaño de la población china (risas). Pero nada de eso fue por mi culpa." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: “Dicen que Brasil es el país más distante de Japón en la faz de la Tierra. Saber que mis trabajos son conocidos allá en el otro lado del planeta y, además de eso, recibiendo el apoyo de los fans, me hace muy feliz. Espero que continúen gustando de mis trabajos.” Entrevista
revista
Anime Club – Brasil (1996) Kurumada: “Lamento tener que decir que desconocía el boom de Saint Seiya en Brasil. A Japón casi no llegan noticias sobre Brasil. Pero creo que cuando se hace una historia sobre la amistad y la justicia, sentimientos que forman parte de la esencia del ser humano, no existen barreras culturales. Los lectores de cualquier país podrán compartir la misma emoción, si la historia tiene esos ingredientes”. ●
Anime Land #97 - Francia, diciembre 2003 Saint Seiya se difundió en USA. ¿Qué piensa al respecto? Kurumada: “Hace algunos años, un proyecto para un film live action (película con actores reales) llegó a mi oficina. En Hollywood habían producido un piloto de 15 minutos. Pero la esencia de la serie no fue respetada. Los diseños y la realización hacían pensar en una especie de Ninja Turtles, los nombres fueron cambiados, etc... El proyecto fue abandonado por que no pudieron obtener un resultado satisfactorio”. A Kurumada no le gustó el resultado, y finalmente el proyecto de película live action de Saint Seiya fue abandonado. Entre algunas particularidades de este proyecto, se sabe que los actores eran demasiado "machos" y no encajaban con la imagen de los protagonistas; Shun era representado por una actriz; el actor que hacía de Death Mask, era muy parecido; los Bronze Saints utilizaban los Cloths de la segunda etapa; los nombres fueron cambiados; los efectos y diseños... En resumen, el espíritu de la serie no fue respetado. ●
Entrevista
Fuji TV – Japón (2003) ¿De dónde saca las ideas? Kurumada: “De películas o de comics del género del drama, en algunos casos... Un piloto para una película de Saint Seiya fue hecho en Hollywood. El resultado fue muy cool, pero como los actores eran demasiado "machos" no encajaban del todo con los personajes”. Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón
(2006) Kurumada:
"¿Un
mangaka debe realmente revelar qué es lo que hace encantador a su manga?
No quiero señalar el manga yo mismo y decir: “Esto es lo que te debe
gustar”. (Risas.) Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón
(2006) Kurumada:
"No. Pasa que hace mucho calor allí. (Risas.) Las temperaturas
sobrepasan los 42 grados en verano. Y como nunca fui, creo que el Santuario
que diseñé debe traicionar los modelos originales. Renjirô Shibata (autor
japonés de los años 1950-1970) escribió en algún lugar que: “Un novelista
es alguien capaz de escribir mentiras convincentes”.
Seiya, Pegaso y Sagitario Seiya
(星矢): "Flecha Estelar". Nombre
compuesto de dos kanjis (ideogramas). Primer juego de palabras que encontramos
en la obra de Kurumada. El nombre del protagonista está formado a partir
de los kanji “estrella” y “flecha”. Vamos, que está predestinado a convertirse
en el caballero de Sagitario. La metáfora en el nombre de Seiya fue
reforzada por Kurumada al escoger el Sagittarius Gold Cloth como el
premio del torneo Galaxian Wars. En cuanto a los kanji de Seiya, su origen es similar al nombre Saint, pues Kurumada reutilizó el motivo astronómico. Cuando Masami Kurumada estaba en proceso de creación del manga, se suponía que el título sería "Rin de la Galaxia" [銀河のリン:Ginga no Rin: Rin de la Via Lactea] y el protagonista se llamaría Rin (que podía significar 'Campana' o 'Rueda') y se relacionaba con la Vía Láctea, pero tras leer información sobre las Leónidas decidió llamar al héroe Seiya [聖矢: Flecha Sagrada] debido a que el personaje tendría una relación fuerte con las estrellas y con los meteoros (en japonés, ryusei), después de un nuevo pensamiento, cambió el nombre una vez más a Seiya [星矢: Flecha Estelar], ya que el primer significado le parecía muy puro para un protagonista de sangre caliente. Primero definió el nombre con el kanji que significaba "Holy Arrow" (Flecha sagrada), para relacionar a Seiya con su condición de Saint, pero más tarde decidió usar el kanji que significaba "Star Arrow" (Flecha Estelar), para enfatizar la constelación y el motivo mitológico. Seiya significa "Flecha estelar", una forma figurativa y poética de Kurumada de referirse a los meteoros, y es ese el origen del nombre. Aun así, Kurumada primero concibió el nombre utilizando un kanji diferente para Sei: primero pensaba escribirlo 聖矢, igual se pronunciaba Seiya pero significaba Flecha Santa, decidiendo después llamarlo 星矢, (Seiya, Flecha Estelar), para evitar redundancia con el significado de Saint y para enfatizar el motivo astronómico de su manga. De hecho, el motivo / significado del nombre de Seiya ("flecha estelar") es representado gráficamente por el maestro Kurumada, humorísticamente en algunos pasajes de su manga: En el volumen 1 Seiya aparece vistiendo unos zapatos / zapatillas decorados con un dibujo de una estrella y una flecha en la lengüeta, y en el volumen 7 Seiya viste un pijama estampado con estrellas. La metáfora en el nombre de Seiya fue reforzada por Kurumada al escoger el Sagittarius Gold Cloth como el premio del torneo Galaxian Wars, pues representa a un centauro arquero. Además, es el signo zodiacal del propio Kurumada. Finalmente, Kurumada cambió el título de su manga a Saint Seiya, una vez desarrolló el concepto de Saints. Cuando Kurumada diseñó la apariencia de Seiya, se inspiró en los rasgos físicos de Takane Ryuji, el personaje principal de su exitoso manga Ring ni Kakero, que creó 9 años antes de Seiya. De hecho, la mayoría de protagonistas de los trabajos de Kurumada se asemejan a Ryuji, porque Kurumada se suscribe a la reverenciada técnica de manga denominada Star System de Osamu Tezuka, una técnica que establece un elenco estable de personajes copiando su aspecto físico, haciendo que el público los asimile fácilmente. Seiya es claramente el arquetipo de héroe, quien ante cada caída, se levanta, que entrega toda su energía por la Humanidad. Pegaso: Tanto la constelación como la armadura recuerdan al caballo alado regalado por los dioses a Belerofonte, que nació luego de que Perseo le cortara la cabeza a Medusa. Curiosamente Seiya debe pelear contra el representante de Perseo (Algol) y termina convertido en piedra. Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "La elección de los nombres es un elemento esencial en mis mangas. Es necesario que los protagonistas tengan nombres interesantes, ¿verdad?. Entonces, obviamente tenemos a Seiya (“flecha estelar”). (Risas)."
- un tipo con temperamento (nekketsu) será el héroe, Seiya (que designará como “flecha o meteoro de las estrellas” y no “flecha sagrada”), debido a la técnica que este realizaba y que este se convertiría en el Santo de Sagitario (el nombre se inspiró el libro de "la flecha sagrada", dedicado a objetos sagrados). En un principio pensó en hacer a Leo como la constelación del santo principal, ya que Kurumada quedó impresionado por el fenómeno de las Léonidas 'Shishiza Ryuusei Gun'. Modificó su primera idea después de haber tenido la idea de crear una orden de excepción con los 12 signos del Zodíaco. Tuvo entonces que encontrar otra constelación para su héroe principal. Después de un debate con su editor (“si quieres, puedes hacer un caballo, son cool los caballos” = transcripción aproximada), Kurumada optó por Pegaso, ya que significaba que podría volar en el cielo, símbolo de la mitología griega y criatura utilizada también en Bt'x, otro manga de Kurumada. Por contra, el héroe conservará el ataque a base de meteoros, el famoso “Pegasus Ryuusei Ken”, los "meteoros de Pegaso", así se mantuvo la idea original de "el grupo de meteoros de Leo". El ataque fetiche de Seiya provino de la "Shishiza Ryuusei Gun” y se convirtió en el eslogan más famoso, 'Pegasasu Ryuusei Ken! (Pegasus Meteor Punch). Masami consideró el significado del nombre de Seiya como "Flecha de las Estrellas". Debido a que su manga usaría las constelaciones como un elemento muy presente e importante, quiso que su protagonista tuviera una técnica especial semejante a una lluvia de meteoros. ●
Entrevista
Fuji TV – Japón (2003) Q57: ¿Cuál es su técnica preferida de Saint Seiya? Kurumada: “Pegasus Ryûsei Ken.” La razón por la que Masami Kurumada escogió la armadura de Sagitario como la más poderosa Gold Cloth fue por su simbolismo en relación con Seiya (además de ser el signo zodiacal del propio Kurumada). En lenguaje japonés, Seiya significa "flecha estelar", una metáfora de "meteoro", y Sagitario representa a un arquero, por lo que Kurumada pensó que podría encajar perfectamente con Seiya, especialmente porque tenía en mente que la Gold Cloth de Sagitario sería vestida por Seiya en ciertas partes del manga. Por esa razón su signo zodiacal es Sagitario, según el canon de Kurumada el portador de una Gold Cloth debe ser del signo zodiacal que representa la armadura. Seiya encarna el arquetipo de héroe japonés, apasionado y temperamental, representa así el joven héroe noble y fulgurante. Situado bajo el signo de la montura de los héroes más preciados. Sin embargo, a pesar de que Seiya era el santo favorito de su creador, debido a que siempre se lleva el crédito y siempre es el que resulta premiado, paradójicamente es el más odiado por todo el mundo; quizás fue por eso que se decidió matarlo en la saga de Hades, para que tuviese un final heroico (aunque muchos han aplaudido esta decisión). Comentario:
¿Qué sería de Saint Seiya sin Seiya...? Se ha visto que Seiya es uno de los personajes menos queridos entre los fans de esta serie. Aunque lleve su nombre hay muchos que no aman a Seiya y se decantan por otro de los 5 caballeros de bronce protagonistas, la mayoría idolatramos a un caballero dorado o a Ikki, quizás uno de los motivos principales sea que Seiya siempre da el golpe final y se lleva todo el mérito de la victoria, cuando de hecho siempre lo hacía con la ayuda del Cosmo de los demás.... eso pasó con Saga, con Siegfried y hasta con Poseidón. Así que.. ¿qué hubiera pasado si Seiya hubiera muerto... de una forma honorable y que se pudiera recordar con orgullo ya ni al principio de la serie... en medio... y hubiera servido de ejemplo para los demás caballeros??. Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Es verdad. Además, hay que decir que el Mask del Cloth se parecía a un protector de rugby luego de que Mû lo reparó por primera vez, ¿verdad? De hecho, como ese Mask no me gustaba demasiado, me las arreglé para hacerlo desaparecer rápidamente en los combates en el monte Fuji." (Risa irónica.)
Entrevista a Takao Koyama, guionista principal de la teleserie de 1986. Aparecida en el Dragon Box en 2003. La relación entre Seiya y Miho fue reforzada en el anime, ¿no es así?. Koyama: "Una vez que Saori se convirtió en Athena, ella dejó de actuar en función de sus deseos personales, y este aspecto fue transferido a Miho. Pero como el foco de la historia del manga fue colocado enseguida en el Santuario, no hubo demasiadas oportunidades para incluir a Miho en la segunda mitad (risas)."
Shiryu Shiryuu
/ Shiryû (紫龍): "Dragon púrpura o violeta". A
pesar de que el dragón de la serie es verde, el púrpura es un color
que a lo largo de la historia ha estado muy ligado a las castas reales
e imperiales. Su nombre es por lo tanto el que le correspondería a alguien
muy noble. Kurumada mencionó en una entrevista que lo llamó así porque
había escuchado que la masa de agua que fluye por la cascada de Lushan,
como una serpiente, es muy similar a un dragón púrpura, y de ahí el
nombre. Dragón: Es un ‘crossover’ de mitologías, para la historia de su constelación está el mito de Heracles (o Hércules), quien en una de sus últimas tareas debía conseguir las manzanas del jardín de las Hespérides, protegidas por un dragón de 100 cabezas llamado Ladón, monstruo que tras ser derrotado fue enviado a las estrellas por la diosa Hera. En la teleserie se nos presenta a un dragón chino (es justamente China donde Shiryu entrena) en forma de serpiente que poco o nada tiene que ver con Ladón. En la saga de Hades se puede ver la armadura de "Draco" tomar la forma del dragón del mito.
- un tipo posicionado y reflexivo: Shiryû, el Santo del Dragón, (su nombre significa ‘Dragón Morado’ o ‘Dragón Mortal’, de ahí el color de la ropa que usa), tranquilo y maduro, justiciero, además de un discípulo inteligente y dedicado.
Entrevista revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Shiryû (“dragón púrpura”), había escuchado que la masa de agua que fluye por la cascada de Lushan, como una serpiente, es muy similar a un dragón púrpura; de ahí el nombre." ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "Como los dragones evocan a China, me inspiré en la alusión histórica china de la "paradoja de la lanza y el escudo" el Cloth de Shiryû fue concebido con el escudo y el puño más poderosos, siendo conceptualizado como el dragón chino, representando la "contradicción" que existía originalmente."
Masami Kurumada extrajo inspiración para el concepto de Shiryu de los poemas de Li Bai (también conocido como Li Po y con la variante del nombre Ri Haku en las obras en las que la transliteración inglesa deriva del japonés), uno de los más grandes poetas chinos, quien escribió muchos poemas acerca de Rozan (Lu-shan) y los 5 picos antiguos, detalles como su nombre, su viejo maestro, Lu Shan/Rôzan, la prueba de la cascada, la leyenda del escudo contra la lanza - llamada Mao Dun (“Lanza y Escudo”), que significa oposición, confrontación - lo atestiguan. Uno de los poemas más famosos se titula "Contemplando la cascada de Lu-shan", este fue incluido por Kurumada en el volumen 16 de su manga. Incluso, el mangaka hace referencia a la cascada de Rozan de la misma manera en que Li Bai la describe en su poema, como estrellas que caen desde el cielo. La idea de un dragón púrpura subiendo una cascada es de donde procede el nombre de Shiryu. La armadura del Dragón que porta Shiryu fue inspirada del folklore chino, la inspiración para el concepto del puño y el escudo más fuertes en el Dragon Cloth deriva concretamente de un antiguo cuento chino titulado “Mao Dun” (“El escudo capaz de resistir el envite de cualquier lanza y la lanza que puede atravesar cualquier escudo”), cuyo verdadero significado es la contradicción. La fábula que Hyoga y Seiya recuerdan durante el combate contra Shiryū es uno de los relatos más conocidos: la paradoja de la lanza y el escudo más fuertes, que sucedería si se enfrentan entre ellos, la cual es conocida en China como Zi xiang mao dun, "el escudo y lanza que se enfrentan". Así que la armadura de Shiryu fue conceptualizada como el icono chino del dragón, reflejando la contradicción que existe originalmente.
“自相矛盾”
(Zìxiānɡ máodùn) significa “contradecirse”. Hace mucho tiempo, había un vendedor de escudos y lanzas quien para atraer la atención de los clientes, gritaba: “Rápido vengan a ver! Vengan a comprar mis lanzas y mis escudos!” Primero alzó uno de los escudos y dijo: “Este escudo es muy sólido y resistente, ni la lanza más afilada puede atravesarlo!” Después siguió gritando: “Rápido vengan a ver! Si no está afilada se la llevan sin pagar nada!” Mientras gritaba levantaba una de las lanzas y decía en voz alta: “Ahora vengan a ver mi lanza, tiene un filo incomparable, no importa cuán sólido sea un escudo, ella puede traspasarlo!”. A la gente que estaba a su alrededor le parecía muy cómico lo que decía, hasta que uno de los presentes le preguntó: “Si es como decís, que tu escudo es tan resistente que ninguna lanza lo traspasaría y que tu lanza es tan filosa que podría traspasar hasta el más resistente de los escudos, te pregunto, ¿qué pasaría si uso tu lanza para atacar a tu escudo?.” Y así fue que ese vendedor de escudos y lanzas se quedó sin palabras.
Como Masami Kurumada usa la célebre técnica Star System de Osamu Tezuka, diseñó la apariencia de Shiryu muy similar a la de Eido Jun, un personaje del exitoso manga Ring ni Kakero, un manga que Kurumada escribió y dibujó años antes de Saint Seiya, al que considera su creación favorita. Igualmente, la apariencia de Shiryu es prácticamente idéntica a la de Azusa Ranmaru, de un trabajo anterior a Saint Seiya de Kurumada, denominado Otoko Zaka.
Hyoga
Hyouga
/ Hyôga (氷河): "Glaciar"
("río congelado" o "río de hielo"), se compone de
los kanji “congelado” y “corriente”, es decir, una corriente congelada,
nombre especialmente escogido para este Saint de los hielos. Obviamente
alude tanto a su carácter como a sus técnicas de lucha y signo del zodíaco
predestinado. Nombre para un ruso que entrenó en Siberia. Kurumada reconoció
en una entrevista que lo llamó así porque quería dar la impresión de
un cisne volando sobre zonas congeladas. Cisne: El cisne representa una de las mil historias de amor de Zeus, ardid utilizado para conquistar a una doncella. Otro mito cuenta que Orfeo fue transformado en cisne tras su muerte y fue colocado en el cielo junto a su lira. Otra leyenda cuenta que el rey Cicno (amante de Faetón, quien engañó a su padre Apolo para montar en el carro del Sol, pero perdió el control y se murió), triste por la muerte de su amado, se sumergió en el río Erídano (río de la muerte) tantas veces que se terminó transformando en un cisne.
- un tipo cool y destacado: Hyôga (nombre que significa glaciar), frío y atormentado, buscó que fuera diferente, un equilibrio de todo, fue por eso que hizo que procediera de un medio frío. El personaje de Hyoga fue diseñado para ser muy diferente de los otros protagonistas, es por eso que su raza es medio rusa y japonesa. Con el fin de acentuar su lado “aparte”, Kurumada decidió hacer a un mestizo japonés ruso. El nombre de Hyoga fue inspirado por el hielo y los glaciares, y los glaciares fueron la inspiración para ‘la Pared de Hielo Eterno’, a Kurumada le vino la idea de glaciares, siempre congelados, y escogió el Cisne como la constelación de este Santo. Durante la etapa de conceptualización, Kurumada ideó una escena en donde el protagonista rompía un glaciar de hielos eternos de un puñetazo. Esta escena incluso llegó a ser dibujada. Más tarde utilizaría esta idea para Cygnus Hyôga. La escena de Hyoga rompiendo el muro de hielo estaba prevista para Seiya, pero al final utiliza ideas similares para ambos personajes.
Mientras Seiya rompe una piedra como entrenamiento, agujereando el suelo y creando un cráter, Hyoga rompe un bloque de hielo y encuentra a su madre. El personaje de la madre de Hyôga se inspira en el manga 'Ninjya Bugei Chou' obra de Sanpei Shirato. El maestro de Hyoga en un principio estaba previsto que fuera Milo (incluso dibujó unas cuantas páginas de Milo vistiendo el Scorpio Gold Cloth como el maestro del joven Bronze Saint) pero este fue cambiado por Camus de Acuario debido a la conexión entre el agua y el hielo.
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Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "En cuanto a Hyôga, yo quería que fuese un personaje diferente; que fuese el más equilibrado de todos. Fue por eso que establecí que él fuera medio frio. Aquella imagen de él destruyendo la Pared de Hielo Eterno con un golpe, fue mantenida de los planes originales.” Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Luego tenemos a Hyôga (“glaciar”). Creo que nadie antes que yo había usado esta palabra como nombre. Como se trata del Cygnus Saint, quería dar la impresión de un cisne volando sobre zonas congeladas."
A excepción del caso de Camus, Kurumada utilizó nombres cristianos o bíblicos para referirse los seres queridos por Cygnus Hyoga: su madre Nastassja (variación rusa del nombre latino Natalia, que significa el "Día” de la Navidad), Isaak (nombre bíblico) y Yakoff (versión rusa del nombre bíblico Jacob). Incluso repitió el motivo con un antagonista que él creó para el film 1 (Eris): Southern Cross Khristós. Hyoga es el único personaje al que Masami Kurumada dedicó en su manga una narración breve entera. Esta historia se publicó en volumen 13 y se titula “Koori no Kuni no Natassia Hen” (capítulo de Natassia, de la tierra del hielo). Aunque no fue incluida en la adaptación del anime, inspiró la Asgard Hen, no-canónica y exclusiva del anime sobre Asgard, y la segunda película: Kamigami no Atsuki Tatakai, que incluye elementos tomados directamente de la breve narración de Kurumada, con algunas modificaciones. Koori no Kuni no Natascha Hen. 氷の国のナターシャ編 “El Capítulo de Natascha la del País Helado”. Hyōga retorna a Siberia Oriental, y se encuentra con los Guerreros azules, quienes comandados por Alexer, tienen planeado asesinar al maestro de Sinigrado, Piotr, para así iniciar la conquista de las tierras del sur. Alexer solicita a Hyōga que se les una, pero ante la negativa de éste, lo toma prisionero. Hyōga conoce a Natascha, hija del maestro Piotr y hermana de Alexer. Debido al sacrificio de ella, Alexer finalmente desiste de la lucha. DVD
Dragon Box "La mayor modificación al principio de la historia fue el papel de Hyoga, enviado al torneo Galaxian Wars como un asesino por el Santuario en el manga, mientras que en el anime ese papel fue asignado a Ikki."
Shun Shun
(瞬): "Titileo, destello" Tiene
varios significados como "titileo" (como el de las estrellas),
“centelleo”, “parpadeo”, "destello", "intermitencia",
"corto instante",
"brevedad",
"guiño". Alude a algo brillante pero breve, como sus
actuaciones en los combates, ya que suele ser el primero en caer, también
podría hacer referencia a las estrellas
cuyo poder extrae, quizás la Nebulosa de Andrómeda, o
incluso podría ser una relación con los sonidos de sus cadenas. ¿Algo
de evanescente, de furtivo o efímero en la personalidad del Caballero
de Andrómeda?. Es difícil una mayor argumentación
para el nombre. Suave en chino, término femenino. Kurumada dijo
en una entrevista que le puso así debido a que es más emocional que
su hermano Ikki (que significa 'el más brillante'), y por eso el término
"titileo" o "destello", o sea a la imagen de un
breve brillo.
Andrómeda: Tanto la constelación como la armadura representan a una princesa de la mitología griega, hija de Cefeo (en el que se basa el nombre del maestro de Shun) y Casiopea, reyes de Etiopía. La princesa Andrómeda presumía que era tan bella como las nereidas, lo que provocó el enfado de Poseidón, quien envió una inundación a la tierra y después al monstruo marino Ceto (materializado como Silver Saint, Moses), amenazando con destruir su reino. Entonces sus padres decidieron sacrificarla atándola a una roca. El héroe Perseo la vio, se enamoró de ella y la salvó, (según el mito sobrevivió aunque en Saint Seiya se insista siempre que murió ^^). Curiosamente, Shun tuvo que pelear contra el Silver Saint Algol de Perseo.
- un tipo agradable para el público femenino: Shun, el niño lindo, cuyo nombre proviene del brillo de las estrellas, es la imagen de purpurina de estrellas (星の瞬き 'hoshi no matataki' en japonés, 'shun' era otra pronunciación de 'matataki'), y procede de la famosa canción o expresión 'Hoshi no Matataki' (“centelleo de las estrellas” o “brillando por un breve momento”). El kanji shun se lee igual que el kanji matataki. El joven Shun, bajo el patrocinio de Andrómeda, es un chico sensible, que detesta la violencia pero que está forzado a luchar por sí mismo. Conforme a su signo, será el que más se sacrificará, tanto por los demás como por él mismo y debido a su pacifismo.
Un tema recurrente en el carácter de Shun es el sacrificio, una alusión directa a la leyenda de Andrómeda. La tendencia comienza en la parte donde los héroes se oponen a los Black Saints, Shun llega a poner su vida en peligro para salvar a Seiya cuando él mismo es atacado, y luego volvió a poner su vida en juego empujando su Cosmos al límite con el fin de calentar a Hyoga y liberarlo del Freezing Coffin de Camus. Por último, cuando tomó su cuerpo Hades, Shun logra que Ikki pueda llegar hasta él para matarlo, aunque este no pueda hacerlo en el último momento. Muchos seguidores de la serie confundieron a Shun con un personaje femenino, dado que Andrómeda es una constelación femenina y la adaptación animada del manga de Kurumada feminizó en exceso el diseño original de la Andromeda Cloth, extendió las protecciones y dio la impresión que las corazas protegían dos pechos de mujer. Además, Ikki, hermano mayor de Shun, aparece siempre justo a tiempo para salvarle la vida cuando está a punto de ser derrotado. Las películas y adiciones de la teleserie animada hicieron mucho daño a la imagen de Shun repitiendo sin cesar el cliché de Ikki que viene a su rescate. Esto ocurre contra el Ennetsu Saint, Dante, la ilusión de Saga, Mime, Bud, Orpheus (movie 1), Ullr (movie 2), Aphrodite (movie 3), Eligor (movie 4) y Theseus (movie 5). En comparación, en el manga Shun sólo es salvado por Ikki durante su lucha en la Casa de Géminis, mientras que los combates contra Shaka y Kasa son un poco especiales porque Ikki salva a varios a la vez.
Entrevista
Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Himeno: "Mediante el intercambio de nuestros respectivos borradores, nos decíamos « esta parte es mejor así », « si lo hacemos así, tiene más clase », y nos enviábamos la pelota hasta que nos poníamos de acuerdo. En ese momento obteníamos la versión final. Era yo quien dibujaba el setting final. Por ejemplo, el diseño de Shun, en la versión preparatoria, tenía una sólida constitución, pero en la versión final es delgado. Como era un personaje que tenía tendencia a ser salvado por su hermano mayor Ikki, este tipo de apariencia parecía más apropiada. Además, como su lado femenino era fuerte, su línea de caderas y su forma de moverse eran completamente femeninas. La primera vez que vi a Shun lanzar su cadena en el manga, lo encontré mal (risas)". Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Como Shun es más emocional que su hermano mayor Ikki ('el más brillante'), elegí el nombre Shun (“instante”, “destello”) a imagen de un breve brillo."
Uranographia de Johannes Hevelius El entrenamiento de Kurumada en artes marciales en su juventud se hace patente en las cadenas de Andrómeda, las cuales son presentadas por él como armas de defensa y ataque a la vez. El Manriki-gusari es un arma japonesa que se basa en el mismo principio, y consiste en una larga cadena que se usa en defensa y ataque al mismo tiempo. En el primer capítulo en el que aparece Shun se muestran las cadenas de Andrómeda con sus extremos finalizados en simples eslabones. Las puntas en forma de triángulo y círculo fueron agregados capítulos después. La idea de los extremos de la cadena en forma triangular y circular procede de un dibujo visto por Kurumada sobre una vieja carta celestial occidental de Andrómeda, particularmente en el dibujo de Andrómeda del atlas astronómico de Johannes Hevelius, que la representó con una cadena en forma de punta y otra en forma de círculo. El color rosáceo se aplicó a la armadura de Andrómeda inspirándose en el colorido que despide la nebulosa de Andrómeda, de hecho las cadenas de ataque y defensa fueron inspiradas también en la forma que adquiere esta, circular en su parte derecha y triangular a la izquierda.
Entrevista databook Jump Gold Selection #3 (1989) Kurumada: "Como al principio de la prepublicación los 10 Bronze Saints se posicionaron como enemigos respectivos, me aseguré de mostrar a un Shun un poco más frío que de costumbre. No hay ninguna razón especial tras la elección de la Nebula Chain terminada por una punta en el brazo derecho y un anillo en el izquierdo. Sólo recuperé una imagen occidental de la constelación de Andrómeda representada con una punta y un anillo en los extremos de las cadenas, y luego he interpretado a mi manera esa asimetría." Kurumada diseñó la apariencia de Shun muy similar a la de personajes que aparecían en mangas anteriores a Saint Seiya, como (1) Ai Daichi, un personaje del manga Aoi Tori no Shinwa, (2) Kirikaze, del manga Fuma no Kojiro o (3) Jindai Naoto, del manga Otoko Zaka. ¿Ahora dirán, falta alguien? pues ... sí y no: si Ikki integra tardíamente el grupo de los 5 bronze Saints protagonistas no es casualidad. Originalmente debía ser el más temible adversario de nuestros héroes, volviendo de nuevo y sin cesar a la vida (como Murdoch en MacGyver ^^), es por esa razón que asumió el Bronze Cloth del Fénix. Figura del eterno regreso, propia de Nietzsche.
Ikki
Ikki (一輝): "El más brillante", "una explosión
de luz", "destello",
"único
punto brillante", "primera luz", "chispa de luz",
que está vinculado a la luz, al fuego de su elemento, sin duda
una referencia al pájaro de fuego que representa. Por el temperamento
de fuego que posee el Caballero del Fénix. Se compone de los
ideogramas “uno” / “el mejor” y “resplandor” / “brillo”. Realmente siempre
ha sido el caballero de bronce más poderoso pero no es el protagonista.
Kurumada reconoció / reveló en una entrevista que lo llamó así por ser
el Bronze Saint más poderoso de los cinco protagonistas. Otro significado,
dado por el mismo Kurumada, es "una persona única",
lo que querría describir a Ikki como persona solitaria y especial.
El nombre de Ikki (El hombre más brillante) debía ir ligado en contraste
al nombre de Shun (Titileo, destello de luz).
Fénix: No tiene ninguna referencia en la mitología griega, puesto que su constelación no fue descubierta hasta el siglo XVII. Representa a la famosa ave que renace de sus propias cenizas, de plumaje rojo, anaranjado y amarillo incandescente. El origen del mito es en realidad egipcio, quizás sea ese uno de los motivos por los que Ikki jamás integra completamente el grupo.
Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Como Phoenix Ikki es el más poderoso de los cinco Bronze Saints, su nombre significa 'el más brillante'." En contraste con Shun, el nombre de Ikki es "El más brillante” o “Un brillo”, está aquí para dar la imagen de "hombre más brillante", el ave inmortal y el más fuerte de los santos de bronce. Ikki estaba destinado a ser el enemigo más poderoso y su constelación tuvo que ser el Fénix, el pájaro solitario por excelencia, inmortal pues renace incesantemente de sus cenizas.
Ikki es el más individualista de los caballeros, el más encarnizado y el más «duro de roer». Introducir a un lobo solitario en la banda no desagradó a Kurumada, que hasta hizo de él al hermano del delicado Shun de Andrómeda (de la misma madre al menos), para darle mayor impacto a su entrada en escena como poderoso enemigo, y acentuar así la diversidad y la complementariedad de su grupo de héroes, de esta forma creó un gran contraste ente las personalidades de ambos personajes. Ikki aparece cuando su hermano Shun está en peligro y cuando la situación se vuelve crítica, como sucedía en "Mazinger Z" (1972), cuando Mazinger Z termina hecho pedazos, surge el mejorado Great Mazinger. El cambio de personalidad de Ikki al regresar de la isla Death Queen está basado en la película Deer Hunter (literalmente en inglés: el cazador de ciervos; conocida como El francotirador en Hispanoamérica y El cazador en España), es una película dramática de guerra de 1978. Es una epopeya asombrosa que trata la vida de tres obreros siderúrgicos de Pensilvania: Michael, Nick y Steven, cuyas rutinarias y felices vidas se transforman de modo irreversible en medio de la trágica devastación de la Guerra de Vietnam. Allí son capturados por el Vietcong, los cuales mantienen a los presos en condiciones infrahumanas y les obligan a jugar a la Ruleta Rusa apostando a ver cuál de ellos sobrevivirá. Logran escapar, pero la experiencia les produce heridas físicas y psicológicas que les marcarán en su regreso a casa.
Este personaje recibió como poder el Hoô Gen Ma Ken, golpe que debía inicialmente modificar los recuerdos del adversario a discreción de Ikki. La intención de la técnica "el Golpe Fantasma del Fénix" 'Hoou Gen Ma Ken' (Phoenix Gen Ma Ken / Golpe de la Ilusión Diabólica-Maligna del Fénix) era que fuera utilizada para descubrir el pasado de ciertos personajes mediante flashbacks sin interrumpir o alterar el ritmo de la historia y sin desperdiciar la continuación de la trama, como método de conexión con las escenas pasadas. ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: “Cuando fueron elegidas las 10 constelaciones, pensé en Ikki como el personaje que sería el enemigo más fuerte. Era imposible no considerar al Phoenix como la constelación apropiada para el hombre más fuerte. La técnica Ho'o Genma-ken (Golpe de la Ilusión Diabólica del Phoenix, técnica que nublaba la percepción), fue introducida en la trama cuando surgió la necesidad de mostrar el pasado de los personajes, sin desperdiciar tiempo / ayudar a la progresión de la historia. Pensé en este medio para permitir insertar escenas de flashback sobre el pasado de los personajes sin romper el ritmo de la narración (un método de conexión con las escenas de recuerdos). Por contra, incluso cuando lo dibujaba como un enemigo, sentía vagamente en un rincón de mi cabeza que él se convertiría en uno de los compañeros de Seiya."
La máscara de Guilty, el maestro de Ikki, está inspirada en el Rangda, la temible criatura de las leyendas balinesas, que delata a su vez de donde obtuvo Kurumada la inspiración para el lugar de entrenamiento de Ikki, la isla Death Queen: Rangda es considerada la reina de la muerte en los mitos balineses.
El nombre para Esmeralda, la amada de Ikki, fue tomado por Kurumada del personaje del mismo nombre de la novela "El Jorobado de Notre Dame", de Victor Hugo, la cual era la única capaz de refrenar la violencia de Quasimodo, el personaje principal. De la misma manera, Esmeralda tenía ese efecto en Ikki, y es esa relación la cual Kurumada quiso destacar.
Los caballeros negros se caracterizan por ser el lado oscuro de los caballeros del Zodiaco. Simbólicamente, son el alter ego tradicional de los héroes clásicos. Los caballeros negros luchan por sus propios intereses personales (en contraste total con las motivaciones de Seiya y sus amigos). Además, tienen la particularidad de no haber tenido la fuerza suficiente para ser caballeros de Atenea. Es por eso que deciden obtener su armadura, con mayor facilidad, de parte de los alquimistas rebeldes que habitaban en la Isla de la Reina Muerte. No es casual que la lucha entre los caballeros del Zodiaco y sus alter ego sea al principio de la serie porque, como en toda aventura, es en el comienzo en donde deben definir claramente por qué luchan. Los Black Saints aparecen como siervos del Bronze Saint Ikki de Fénix en su búsqueda para matar a todos los Santos de Bronce. Todos ellos se formaron en Death Queen Island (la Isla de la Reina de la Muerte), junto con varios hijos de Mitsumasa Kido, pero la mayoría de ellos murieron. Aunque existe un Black Saint como contraparte para cada una de las 88 constelaciones, ocuparon un lugar destacado sólo cuatro en el manga de Kurumada, precisamente los equivalentes oscuros de los protagonistas: Pegaso, Dragón, Cisne y Andrómeda negros. El Black Dragon Saint ciego, hermano gemelo del principal que aparece exclusivamente en el manga, tiene cierto nombre: Fukuryu, pero el Black Dragon Saint, el Black Swan Saint y el Black Pegasus Saint sólo recibieron nombres en las publicaciones relacionadas con el anime (Sidestory 1): Shinadekuro, Sid y Kenuma, respectivamente. El lugar para la pelea de los protagonistas contra los Black Saints que Kurumada escogió fue el valle de Aokigahara, un lugar tristemente célebre en Japón durante siglos por ser un lugar frecuente para suicidios, y también temido por la oscuridad que reina en el lugar.
El
quinteto de protagonistas Aparecen muchos personajes en Caballeros del Zodíaco, más los cinco principales mantuvieron sus personalidades intactas durante toda la obra y, sin embargo, todos son bien diferentes entre sí. Rara vez se había visto un grupo tan dispar de personajes, pero al mismo tiempo tan bien ensamblado. Kurumada considera que el cinco es un número equilibrado: Pegasus Seiya, inquieto e indomable, con el pelo desaliñado, Dragón Shiryu, sabio y racional, Cygnus Hyoga, físicamente atractivo, rubio y frío, Andromeda Shun, suave y buena gente, y finalmente Phoenix Ikki, combativo y severo guardián. ●
Entrevista publicada en la sección Cosmo Talk del Saint Seiya Taizen,
agosto 2001 Kurumada: "Puede ser, en efecto, cuando imaginé los personajes, procuré no darles personalidades demasiado diferentes, pero asegurándome que no fueran tampoco redundantes. Un sujeto gentil, otro cool e independiente, otro nekketsu, otro serio y un último increíblemente combativo, y así pienso que los cinco forman un grupo equilibrado. Por otro lado, no es raro que en los mangas de Kurumada los personajes secundarios sean más populares que los personajes principales. Muchos lectores tienen preferencia por tal enemigo o tal personaje.” Jump
Gold Selection 2/Cross-talk (Kurumada-Araki-Koyama-Hatano-Kawata) Araki: "En cuanto al diseño de los cinco protagonistas del principio, había hecho personajes esbeltos, pero me preguntaba si sería realmente lo correcto. Y estaba preocupado esperando una respuesta de Hatano, encargado de verificar los materiales del anime. La producción de los dibujos empezó enseguida, y desde entonces el personaje del que mejor entiendo los sentimientos cuando lo dibujo es Seiya. He oído decir que la escena donde Seiya llora, en la película estrenada este verano, fue apreciada por el público. Doy las gracias a la audiencia, ya que es como si la pasión que puse en su interior hubiera surgido a través de las imágenes (risas). Detrás de Seiya vienen Shun y Shiryu. Hyoga, sin embargo, es el tipo que se mantiene un poco lejos del grupo y da una sensación de soledad, y al principio no conseguí hacerme con ello. Así que cuando tuve que dibujar imágenes de gran tamaño que representan a los cinco, me preguntaba qué tipo de pose dar a Ikki y a Hyoga, e incluso al pensar que lo había entendido, en realidad, sólo tenía un acercamiento vago de la cosa. Pero las cartas enviadas por varios telespectadores me ayudaron entender cómo hacerlo." Kurumada: "Es lo mismo en lo que me concierne para las ropas de Seiya y de sus compañeros. Dibujé ropas inspiradas en los gekiga, como los pantalones vaqueros, pero el anime usó un tipo de mallas. De hecho, cuando lo vi al principio pensé que era bastante embarazoso (risas). Pero el manga se aproximó finalmente a ello y las apariencias campestres disminuyeron. Se puede decir que retomé en mi trabajo los puntos buenos del anime, así que siento que me beneficio de una plusvalía gracias a Araki-san y Koyama-san."
Kurumada escogió de entre las 88 constelaciones aquellas más aptas para los 10 caballeros de bronce, entretanto adaptó las características de los personajes a la herencia mitológica de su constelación. Mas, no nos olvidemos de los personajes secundarios de esta obra, quienes también constituyen personalidades singulares y son tan poderosos que, incluso en segunda fila, hacen algo más que complementar a los principales, tal es el caso de los gold saints, quienes se han constituido a la vez como amigos y adversarios de Seiya y compañía. Lo mismo va para Marin, Shaina, los demás caballeros de plata y bronce, y todos los enemigos que han enfrentado, sobretodo algunos villanos como Saga, Kanon o Radamanthys, los cuales parecen en su mayor parte apuntalar la popularidad de la obra.
LOS CABALLEROS DE ORO Contrariamente a lo que pueda parecer y como precisa el Taizen, la idea de mostrar los 12 Gold Saints fue una de las primeras que concibió Kurumada para su manga desde un principio, pero Kurumada quería reservarlos y usarlos como los grandes enemigos más tarde, así que primero se dedicó a otras constelaciones y creó el orden intermediario de los Silver Saints para, entre otras cosas, darse tiempo y reflexionar en sus 12 "grandes Bills", pues no tenía una idea precisa de quien sería quien en la orden de los Gold Saints. De hecho, el primer Gold Saint propiamente dicho, Leo Saint Aioria, no aparece completamente sino hasta el volumen 4. Cuando llegó el momento de poner en escena a los caballeros dorados, Kurumada hizo a la inversa, buscó inspiración en las constelaciones zodiacales para diseñar los atributos de los personajes, primero tomó las constelaciones y luego creó a los personajes correspondientes.
Los Gold Saints sirven principalmente como obstáculos finales para los héroes en la batalla de las 12 casas, pero, debido a su popularidad, sus roles se hicieron más importantes a medida que pasaba el tiempo y se crearon más precuelas hasta el punto de que tal vez han superado a los héroes en términos de protagonismo en papel y pantalla (anime y manga combinados), además, se convirtieron en los protagonistas de su propio manga en el episodio G (y en The Lost Canvas hasta cierto punto).
Entrevista
revista Champion Red - Japón (2002) Kurumada: "Cuando hablamos de las constelaciones como tema para las historias de los guerreros, en lo que primero pensamos es en las Doce Constelaciones del Zodiaco, ¿no es así?. Existen tipos geniales como Leo y Sagittarius. Al principio pensé en los Gold Saints como protagonistas, pero luego pensé: "Dejarlos como enemigos poderosos los hará ver más geniales". En otras palabras, para mí los Gold Saints en cierta manera son más terribles que los protagonistas. De hecho, en la obra, en cuanto a protagonismo ellos nunca perdieron con Seiya y los demás, e incluso hoy día siguen siendo tan populares como los protagonistas." Kurumada: "Las 12 Constelaciones del Zodiaco están profundamente relacionadas con nosotros, sobretodo los fans que sienten mucha simpatía hacia los Gold Saints con sus mismas constelaciones zodiacales."
Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Ya tenía definidos los personajes primero, y después elegí sus constelaciones. Los doce Gold Saints fueron la excepción, porque en su caso fue lo contrario: se definieron los personajes basándome en sus constelaciones. Por ejemplo el signo de Leo inspira fuerza y masculinidad; mientras que el de Virgo es más espiritual, mas femenino." Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Primero pensé en los personajes, luego elegí las constelaciones que mejor le corresponderían a cada uno. Pero fue diferente con los doce Gold Saints, primero tomé las constelaciones y luego cree a los personajes correspondientes." En la época de aparición de los caballeros de oro Kurumada pensó que también sería interesante relacionar algunos de ellos con los protagonistas para que no todos de entre los 12 fueran extraños, pensó en utilizar los personajes más familiares, por eso Mu, Aiolia y Roshi (Dohko) fueron hechos caballeros de oro. Kurumada lo decidió sobre la marcha. Respecto a Mu y Aiolia no había ningún problema para decidir sus constelaciones, porque las escogió de acuerdo con su personalidad, pero Dohko era especial y se hacía difícil escoger su signo. ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "Cuando llegó el momento de introducir a los Gold Saints, yo pensé que sería más interesante relacionar a algunos de ellos con los héroes en vez de hacerlos unos perfectos desconocidos. Es por eso que hice que Mû y Dôko fueran Gold Saints. Como Mû posee una cierta gracia y dulzura (un porte elegante), le atribuí naturalmente el signo de Aries." Kurumada: "La conceptualización del Cloth para Dôko fue lo contrario, fue un procedimiento a la inversa y fue el Cloth el que decantó mi elección del portador. De hecho, hay que decir que la Balanza como tal no es genial, por eso incluí varios objetos e ideas. Al pensar sobre qué personaje sería capaz de soportar el peso de ese background asignado al signo de Libra, Dôko surgió en mi mente. En lo que concierne a Aiolia, la verdadera intención era usarlo sólo en el primer capítulo, que él fuese sólo un invitado especial en el primer capítulo, pero hice bien en recuperarlo, acabó siendo una buena opción (ndt: como Saint, supuestamente)." Kurumada decidió sobre la marcha que Dohko, Mu y Aiolia fueran Santos de oro.
Mu (Mû o Muu) Mû (ムウ): Los nombres de Muu y Sion contienen un motivo geográfico, ambos son nombres de regiones. El de Muu es el nombre del continente hipotético perdido situado en el océano pacífico (donde habitaban los legendarios fabricantes de las armaduras de Atenea, una antigua civilización de humanos con poderes sobrenaturales de tipo extrasensorial: los muvianos, que serían una especie de atlantes, para entendernos), y Sion es el nombre antiguo de Israel. Para el caso de Muu Kurumada también se inspiró en la pagoda (tipo de torre) vietnamita llamada Thien Mu, en la cual se basó igualmente para diseñar la torre residencia del Gold Saint Aries, situada en la región ficticia de Jamir, cercana al Himalaya. Aries: La constelación representa a una oveja con lana dorada, objetivo de las aventuras del héroe Jasón. Por la elegancia de Mu, fue fácilmente decidido hacerlo caballero de Aries. En Japón, Aries, como signo de la primavera, es considerado como femenino y da un sentimiento muy elegante a la gente. Es pues el andrógino Mu quien ocupó este signo. Aunque Mu aparece muy pronto en la primera saga del Santuario, no es hasta la saga de Hades que se pueden apreciar sus habilidades de combate. Ello se debe que Mu es de naturaleza pacífica. Kurumada convirtió a Mû y a Dôko en Gold Saints porque le pareció que sería más interesante que algunos de ellos tuvieran relación con los protagonistas. Los ornamentos (dos puntos) en la frente de Muu (así como su discípulo Kiki y su maestro Sion) son llamados okimayu 置眉 o おきまゆ. Eran usados comúnmente por los aristócratas del periodo Heian, en Japón (794-1185 dC). Jump
Gold Selection 2/Cross-talk (Kurumada-Araki-Koyama-Hatano-Kawata) Kurumada: "No di demasiados músculos a Shun en el manga y le hice brazos un poco como los de una mujer. Mu es también del género 'chico bello' y darle demasiados músculos habría creado una sensación extraña. ¿Pueden imaginar un rostro como el suyo en un cuerpo musculoso? (risas)." ●
Entrevista Fuji TV – Japón (2003) Q67: ¿Mû, Sion e Ikki son personajes que utilizan el control mental. Usted está interesado en el campo espiritual? Kurumada: “Durante la Guerra Fría, había una competencia (en el campo mental) entre espías americanos y soviéticos. Eso puede haber sido lo que me influenció. El término "Mind Control" ("Control Mental") suena bien”. Kurumada se inspiró de la idea del "control mental" para atribuir a personajes como Sion, Mû e Ikki esas capacidades extrasensoriales.
Aldebarán Aldebaran (アルデバラン) : El nombre de Aldebarán se inspira en el nombre de la estrella Alfa (principal y más brillante) de la constelación de Tauro, del árabe, “el ojo del animal”. Tauro: El toro era signo de abundancia, prosperidad y fuerza. Un toro famoso fue el gran toro Maratón, vencido por Teseo, semidiós hijo de Poseidón. Aldebarán del signo de Tauro aparece como un personaje que siempre es la víctima fácil del enemigo, y muchos fans se preguntan si Kurumada tiene aversión contra él. Aldebarán es el primer Gold Saint que lucha realmente contra los héroes en la batalla del Santuario, e inaugura el principio de "empezamos la batalla con un gran mastodonte contra Seiya”. Aldebarán aparece como un Gold Saint corpulento con apariencia de ser muy fuerte, y por ello Kurumada lo usa al inicio de las sagas del Santuario, Poseidón y Hades para probar la fuerza de un nuevo enemigo, lo cual implica que por necesidades argumentales siempre tenga que ser derrotado para demostrar la valía de los adversarios que están por venir y crear así incertidumbre y expectativa en los acontecimientos y futuros combates. Entrevista para fans de Latinoamérica, sacada del foro SNK (2008) administrado por Jesus Schraidt. El Sr. SAWA, editor de la revista Champion Red, hizo de intermediario directo con MASAMI KURUMADA, estas son las respuestas a las preguntas que 10 fans miembros de la comunidad del foro tuvieron la oportunidad de hacerle después de ser seleccionadas como las más adecuadas. 4. Taurus Diavol (Panama) y otros fans especialmente del signo de Tauro: “A qué se debe su poca afinidad por el personaje de Aldebarán de Tauro?? (Como siempre es la victima fácil del enemigo los fans se preguntan si es que usted tiene aversión contra el signo de Tauro o este personaje)” *Kurumada responde: “Aldebarán es un tipo con apariencia de ser muy fuerte, es por eso que creo que se usa para probar la fuerza de un enemigo, lo que siento es que para esto él siempre tenga que ser derrotado.”
Roshi/Dohko Dôko
(童虎): En japonés, "tigre joven","tigre pequeño"
o "niño Tigre" Libra: Contrariamente al anciano Dohko, esta es la constelación más joven del Zodiaco (con la excepción de Ofiuco, añadida a la eclíptica). Originalmente formaba parte de las pinzas de Escorpio. Representa a la balanza de la diosa Temis, la encarnación del orden divino, la justicia, las leyes y las costumbres, y ese es justamente el rol que tiene Dohko en la serie. La relación de los Caballeros del Zodiaco con sus maestros es casi emocionante. El ejemplo más evidente es el maestro de las 5 montañas. Un típico sabio chino que con su paciencia educa a Shiryu en el combate pero también en la vida y en las leyes de la naturaleza.
El diseño del Gold Cloth de Libra era un poco irregular y por su simbolismo tenía mucho peso que llevar, así que Kurumada decidió que el personaje ideal que podía soportar ese peso sería Roshi, Dohko. La situación se hizo por sí misma, Libra representa determinantemente al bien y al mal. La idea de llamarlo Dohko vendrá al mismo tiempo así como la utilización del Misopethamenos. Kurumada se basó en el Ôgonken y en el Furinkazan, espadas santas de su precedente manga Fûma no Kojirô que mudaron su piel "rejuveneciendo", para crear el Misopethamenos. Misopetha-menos. "Medio muerto" en griego. Es un método de suspensión animada que los dioses poseen. Esta técnica fue regalada por Atenea a Dôko, la cual le permitió conservar su cuerpo joven bajo la apariencia de un anciano de 261 años. Para lograr esto, su corazón latía por año unas 100 mil veces, que es la cantidad de veces que latiría normalmente en un día.
Kurumada se tomó cierta libertad artística en el diseño de la Libra Gold Cloth al emplear armas como el Tong-fa, Nunchaku y el Triple Rod, los cuales son de origen asiático y nunca fueron conocidos por los griegos, pues nunca existieron en la época antigua y fueron inventados en siglos más recientes. Las espadas, escudos y lanzas eran comunes en Grecia. Los tonfas, nunchakus y varas de tres secciones son originarias de Asia, específicamente Japón y China, mucho tiempo después de que la civilización helénica hubiera decaído, y por lo tanto no eran conocidos por los antiguos griegos. El Libra Gold Cloth, al existir en el universo de StS desde hace alrededor de más de 4000 años, no tendría por qué incluirlos.
Como Kurumada era practicante de artes marciales desde su juventud, estas armas asiáticas debieron marcar cierta influencia en sus diversas obras, ya que se pueden encontrar elementos y técnicas en sus mangas relacionados con esas armas. Además, Masami Kurumada añadió el motivo de la dualidad tigre-dragón a la cloth de Oro de Libra. El casco de la Libra Gold Cloth se parece mucho a la cabeza de un tigre cuando la cloth se encuentra en su forma object (mantiene la forma que sigue el estilo de los tigres chinos y japoneses que se pueden ver en las pinturas antiguas).
El viejo maestro es un personaje realmente citado en una leyenda de la región de los Cinco Picos, su cuerpo joven y lleno de vigor también estuvo camuflado en un cuerpo falsamente viejo. La idea de Dohko regresando a la juventud se concibió muy pronto. El escenario se inspira en realidad en el “Ougen Ken” (Espada de Oro) de Fuma no Kojiro, otro manga de Kurumada donde la espada de madera muda su piel para revelar su verdadera forma como una espada de oro. Su situación se desplegó por sí misma, la idea de llamarlo Dohko vendrá al mismo tiempo que la utilización del Misopethamenos.
A diferencia de la mayoría de los Saints, ninguno de los ataques que utiliza toma la forma de su constelación, sino que adoptan la forma de un dragón, similar a Shiryu. Aún es más inusual que su criatura simbólica, vista cuando invoca todo su poder, no es ni el símbolo de Libra ni un dragón, sino un tigre, y es que Masami Kurumada usó en su manga el concepto chino de la dualidad del tigre y el dragón en sus personajes de Dohko y Shiryu. Esa es la razón de las imágenes del tigre y el dragón que aparecen en la espalda de uno y otro cuando arden sus Cosmo.
Aiolia Aiolia (アイオリア): derivación de Aiolia, el nombre de la residencia de Eolo, dios del viento. Leo: La constelación corresponde al León de Nemea, una bestia que asolaba la región del mismo nombre y cuya piel era invulnerable. Aioria procede de los "aeolians", una de las tres tribus griegas más antiguas. Este noble Gold Saint hace su primera aparición en el manga incluso antes que los compañeros de Seiya. En efecto, durante el torneo que enfrenta al joven protagonista frente a Kasios (volumen 1, capítulo "Los caballeros sagrados de la diosa Atenea"). Contrariamente al manga, en el anime Aiolia no asiste al combate entre Seiya y Kasios, y no aparece por primera vez hasta el episodio 16 (« Kyodai ! Docrates no môshû », « Gigantesco ! El ataque feroz de Docrates »). Kurumada sólo tenía previsto que Aiolia interviniera en los primeros capítulos, como un invitado especial / casual, la buena conciencia del Santuario, pero lo recuperó y acabó siendo una buena opción para el Gold Saint de Leo. Finalmente, el background familiar se fue imponiendo en el espíritu del autor. Durante el desarrollo de 'Saint Seiya' Kurumada en un principio tuvo la intención de que el protagonista estuviera protegido por la constelación de Leo, quien haría uso de un ataque basado en la lluvia de meteoros inspirada en las Leónidas, 'Shishiza Ryuusei Gun' (un grupo de meteoros que se encuentra alrededor de la constelación de Leo, la imagen de gran cantidad de meteoros cayendo del cielo era increíblemente hermosa). Al final, le dio el protagonista a la constelación de Pegaso, Seiya, que se basa en el ataque con meteoros, ya que le pareció mejor dejar a los Gold Saints como enemigos. Sin embargo, en referencia a esto, el Taizen dice que el "Plasma Relámpago" de Aiolia es un "meteoro a la velocidad de la luz". En un principio Kurumada había pensado en usar el modelo de Aioria en vez del de Seiya, ya que tenía en mente el concepto del joven guerrero que vengaría a su hermano usando su Cloth, siendo guiado por una "etérea" diosa Atenea en la batalla final. Curiosamente, años más tarde, el spin-off del manga Saint Seiya Episodio G se publicó, siendo Megumu Okada su autor por encargo de Kurumada, centrándose en los Gold Saints, incluyendo a Aioria como el personaje principal. Este manga se coloca siete años antes de la historia principal del manga original de Saint Seiya, mostrando a Aioria cuando todavía era un joven y era víctima de las historias falsas que mancharon la imagen de su hermano. Kurumada: "En cuanto a Aiolia, la verdadera intención era hacerle aparecer como "special guest" (invitado especial) en el primer capítulo, pero terminó siendo una buena opción (como caballero de Oro)."
Milo/Camus Milo (ミロ): Nombre griego, derivado de la Isla de Milos. Probablemente Kurumada se inspiró en el símbolo del signo de Escorpio, muy similar a una "m". Escorpio: Cuando el gigante Orión intentó violar a la diosa Artemisa, ella envió a un escorpión que lo mató con su veneno. Como premio mandó al escorpión al cielo. Antares es la estrella más importante de la constelación, es una enana roja como la uña que le sale a Milo cuando ejecuta su ataque fetiche.
Camus (カミュ): Nombre francés. Posiblemente Kurumada se inspiró en el famoso poeta Albert Camus. Acuario: trata sobre Ganímedes, uno de los mortales más hermosos. Zeus se lo llevó al Olimpo y le dio el trabajo de copero de los dioses. Durante la creación de Saint Seiya, Kurumada tuvo varias ideas que decidió cambiar en el último momento como, por ejemplo, que Milo fuera el maestro de Hyoga. Este hecho se puede apreciar en unas páginas de la revista Shonen Jump donde aparece Milo en vez de Camus (en la escena en la que Camus hunde el barco de la madre de Hyoga y causa el maremoto). Este dato se modificó en la recopilación del tomo pero se aprecia que la relación entre ellos aún existe. Kurumada pensó en que uno de los 12 caballeros de oro fuera el maestro de Hyoga. Inicialmente Milo, Gold Saint de Escorpión, debía revelarse como el maestro del Cisne, pero Kurumada cambió de opinión una vez más, optó por la constelacion de Acuario ya que el agua y el hielo debían asociarse lógicamente (el hielo viene del agua), es por eso que su maestro se volvió Camus, pero esta relacion Hyoga-Milo se aprecia en el combate en la casa de Escorpio, siendo y Milo quien da su sangre para revivir la armadura del Cisne. Es gracioso porque Kurumada y el personal de anime dieron un salto entre Milo y Camus, esa debió ser la razón por la que ambos son considerados buenos amigos. Según lo indicado por Kurumada, la elección de Hyoga de Cisne como oponente de Milo es un guiño admitido por el autor en relación con el hecho de que originalmente quería hacer a Milo el maestro de Hyoga. Cambió de idea cuando se dió cuenta que podría haber una relación entre las constelaciones de Acuario y del Cisne, pues ambos saints tienes estilos de lucha basados en el agua y el hielo. Asimismo, en alusión a lo mismo, introdujo una amistad entre Milo y Camus de Acuario. Kurumada de hecho escribió e ilustró algunas páginas de su manga en las que Hyoga y Milo interactúan como maestro y discípulo, pero rediseñó los trazos después de definir a Camus como maestro de Hyoga. Las páginas de Milo como maestro de Hyoga no fueron evidentemente publicadas en el manga. Las páginas no publicadas del manga con Milo como maestro de Hyoga se pueden encontrar en internet y en algunas publicaciones especiales sobre Saint Seiya. ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "Desde el principio pensé que uno de los 12 Gold Saints debería ser el maestro de Hyôga. Inicialmente tenía la intención de asignar ese rol a Milo, pero luego pensé que como el agua y el hielo son una asociación más natural, lo cambié y utilicé a Camus en su lugar." Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "No hay realmente un personaje así. Al comienzo contaba hacer que el maestro de Hyôga fuese Milo, pero entonces me dije que el hielo tenía una relación directa con el agua, así que lo cambié por Camus. Me dije a mi mismo que lo decidiría a lo largo de la historia. Sí hubiera hecho esa elección desde un principio, los lectores podrían haberlo previsto y ya no habría sorpresa." Se puede decir que en el caso de Milo/Camus Kurumada lo decidió en el último segundo!, ya que Milo aparece en el séptimo templo (Libra) en la prepublicación de la revista Shonen Jump. De esta manera se establecía un vínculo de afinidad entre los Bronze Saints y los Gold Saints Shiryu
- Roshi y Mu ¿Y Shun e Ikki? Concurso de diseño de Cloth (1986) Fuente: 
SAINTSEIYAPEDIA
(Francia)web francesa de dosieres y artículos sobre Saint Seiya
Autoría de Archange (Francia) Resultados del concurso de diseño de Cloth de la revista Shûkan Shônen Jump El concurso fue organizado por la revista Shūkan Shōnen Jump, en el que Saint Seiya se publicaba, para celebrar la próxima prepublicación del capítulo 50 del manga, y los resultados fueron publicado el 25 de noviembre de 1986 en el Shūkan Shōnen Jump 52. El anime por su parte estaba en el episodio 06. El principio era enviar a la revista cartas postales con dibujos de esquemas o diagramas de Cloths. No había a priori un premio o recompensa a ganar, sólo ver publicada su contribución y, eventualmente, estilizada por Masami Kurumada. El Aquarius Gold Cloth fue diseñado por Masami Kurumada inspirado en la idea premiada de un fan, a partir del dibujo ganador de un concurso para diseñar cloths patrocinado por la revista Jump de Shueisha, donde se publicaba el manga. El diseño ganador, obra de Kazuki Kakihara, de la prefectura de Hiroshima, fue redibujado por el maestro Kurumada y sería la base del diseño final para el Cloth de Acuario.
1986-11-25 - Shûkan Shônen Jump 1986年52号 A
- VERSIÓN ACUARIO del ganador
Este concurso fue organizado en Japón por la revista Shukan Shônen Jump, en la cual Saint Seiya era publicado, con el fin de celebrar la próxima pre-publicación del capítulo 50 del manga, y los resultados fueron publicados el 25 de noviembre de 1986 en el Shûkan Shonen Jump 52. El anime estaba todavía por el episodio 06 y el manga iba por el capítulo 52, en el cual Seiya enfrenta a Jamian y a Shaina, y se lanza por el precipicio para salvar a Saori. El principio era enviar a la revista cartas postales en las que había dibujados esquemas de Cloths. A priori no había ninguna recompensa por ganar, tan sólo ver su contribución eventualmente publicada o retrabajada por Masami Kurumada, (fueron enviadas 54.873 cartas, un excelente trabajo!). Es muy probable que, además del Gold Cloth de Acuario, muchos de estos diseños sirvieran de inspiración a Kurumada para crear futuros Cloths, como los de Cáncer y Virgo, pero sólo son suposiciones (si observáis de cerca los dibujos núm. 10 y 11 lo entenderéis).
Es interesante observar que, tanto en el manga como en el anime, la constelación de Acuario se representa como una mujer cuando la gran mayoría de los mitos asociados a ella lo definen como masculino. Es más que probable que Kurumada intentara eludir el tema de la homosexualidad que rodea la historia de Ganímedes. La constelación guardiana de Camus es Acuario, y su Gold Cloth representa a su mito asociado el hermoso joven Ganímedes, amado por Zeus y llevado al Olimpo para ser su copero, vertiendo el agua de su urna. A pesar de que la constelación de Acuario está representada por un hombre joven, también es a veces descrita como una joven doncella.
Dejando de lado los estereotipos andróginos del manga / anime, esa es la razón por la que Masami Kurumada dibuja a Camus mezclando rasgos masculinos y femeninos en su físico: en el manga lo diseñó con largas uñas rojas y pelo de color rojo. En la adaptación al anime, su pelo fue cambiado a color turquesa, para generar un mejor equilibrio de color y contraste, y sus uñas tenían un tamaño normal.
Saga/Shura/Kanon Saga (サガ): Masami Kurumada derivó el nombre del kanji 性, que en japonés se lee "saga" y significa "género, naturaleza", en el sentido de "naturaleza humana", representa el sexo en el sentido masculino/femenino y que separa pues la humanidad en dos grupos, una clara referencia a la doble personalidad y conflicto interior que se gestaba en el personaje. Géminis: La constelación representa a los gemelos Cástor y Pólux. Zeus resultó ser el padre de Pólux, mientras que Cástor resultó ser un mortal. Los dos fueron héroes en la era del mito y estaban muy unidos, así que cuando Cástor murió, Pólux renunció a su condición de inmortal y Zeus los colocó en el cielo.
Shura (シュラ): Kurumada lo derivó de los Ashura, furiosos demonios o deidades guerreras enemigos de los dioses (Devas) de la mitología hindú y japonesa que ansían la batalla. Capricornio: Representa a Amaltea, criatura mitad cabra y mitad pez, que cuidó y alimentó a Zeus cuando este era un bebe. Este personaje tiene un crossover de mitología pues su ataque tiene el nombre de la espada Excalibur, procedente de un mito galés y posteriormente adaptado a una leyenda inglesa del Medioevo. Kanon (カノン): Nombre griego que significa "ley, norma". Kurumada pensó en un primer momento en llamar a Gemini Kanon como Gemini Sega, en relación a su hermano Saga. Aunque el mangaka reveló que escogió Kanon al ver en un atlas el nombre de la isla Canon, en Irlanda, que ya había usado para la isla fictícia del mismo nombre que situó cercana a Grecia en su manga. De lo dos gemelos, Saga es considerado el mayor, pues llama a Kanon "hermano pequeño" (pron. jp. ototo) en la versión japonesa, mientras que Kanon designa a Saga como su hermano mayor (pron. jp. ani).
Fanart de Carlos Alberto Lam Reyes (Perú) Mayo
de 1987 – Entrevista en la revista JUNE 34 En ese momento la trama del manga estaba en el templo de Leo, el duelo Aioria vs Seiya convalesciente, se acababa de publicar el one-shot "SHAKA" (primer encuentro entre Ikki y Shaka, reinsertado después en el manga aunque cronológicamente más pronto en los volúmenes recopilatorios), y el anime estaba en los episodios que ponían en escena a Geist y sus Ghost Saints. Kurumada: “Creo que tras un año el marco argumental del manga finalmente ha comenzado a fijarse. Me hablaron del anime cuando aun no había encajado todo. Porque hizo falta escribir rápidamente el guión. Visiblemente, atrapar inmediatamente al manga da grandes dificultades al personal de animación de Toei. Cuando atrapan al manga se ven obligados a añadir episodios o pasajes inéditos intentando no contradecir el soporte de base. Pero cada semana yo mismo intentaba introducir alguna cosa sorprendente….
Están preocupados por el Pontífice. En el anime, el sacerdote precedente está muerto y su hermano menor lo ha sucedido, pero será diferente en el manga. En sintesís, el precedente Pontífice debería estar vivo aun, pero en una situación similar al Dr Jekyll y Mr Hide. Dicho de otro modo, un personaje completamente malvado no podría tener ninguna esperanza de salvación. Se volverá entonces, como sucede con Anthony Perkins en la película Psycho, alguien completamente diferente en el plano psíquico, con un lado bondadoso y un lado maligno como Jekyll y Hide. No quiero que sea frozosamente necesario matarlo. Aun si hago este Pontífice, también están los gemelos. Sí, la constelación de Géminis entre los Gold Cloths podría conllevar a la vez un lado divino y un lado demoníaco… pienso que el Cloth podría ser similar a las estatuas de Ashura, cuyas partes frontal y posterior representan respectivamente un ángel y un demonio. Además, tenemos los 12 Gold Cloths. Y como Jesucristo tenía además de sus 12 apóstoles, un número 13 que era un traidor, podríamos tener 12 Gold Saints entre los cuales habría un treceavo Gold Saint odiado por Atenea!. Me pregunto que podría ser un rebelde y que de hecho sería él el Pontífice. Tengo muchas ideas, veremos cual acabo por escojer.” Cuando Kurumada pensó en el Santuario como enemigo y hasta poco antes de comenzar con la batalla y el recorrido por los 12 Templos, barajaba algunas ideas sobre la verdadera identidad del Pontífice (o Papa). Por supuesto, tenía en mente que el Pontífice usurpador sería el Saint de Géminis, y esto desde el principio de la primera saga (^^ juego de palabras lamentable), en cambio, Kurumada se tomó mucho tiempo a decidir entre dos ideas: si este Pontífice protagonista debiera sufrir un desdoblamiento de la personalidad (un hombre con doble personalidad) o tener un hermano gemelo malvado, un "decimotercer Gold Saint", siendo un Saint reemplazado por su hermano gemelo (de forma que habría dos Gemini Gold Saint), un guión similar al cuento de “El hombre de la Máscara de Hierro”, pues podemos ver algunos rastros de esa historia en la escena en la que Saga encierra a su hermano gemelo Kanon en Cabo Sounion.
Al final recicló las dos ideas, que fueron utilizadas, hizo uso de la idea de los gemelos creando a Kanon, el gemelo malvado, reservándolo para giros sorpresivos de su manga, así como un Gemini Saint Saga afectado por un trastorno de doble personalidad, con dos personalidades en un mismo cuerpo.
Kurumada quería hacer a un hermano malo que encierra a un hermano bueno. Posteriormente, el hermano maléfico sería vencido y el hermano bueno recuperaría la posición de Saint de Géminis. Kurumada pensó en hacer a Canon (o Kanon) como al buen hermano que regresa en la saga de Hades para ayudar a los Saints. La historia de Canon iba a ser diferente, no habría aparecido en la saga de Poseidón, ya que toda la trama entorno a la manipulación de Poseidón iba a ser un plan de Thetys. Del mismo modo, el nombre del Pontífice usurpador debía inicialmente ser Shura (en referencia a los Ashura), para caracterizar a un individuo que le gusta la lucha, pero juzgando el nombre demasiado belicoso, con una connotación guerrera muy fuerte, prefirió asignarlo al Saint responsable de la muerte de Aiolos, el Capricorn Saint, quien se enfrenta a Sagitario y posee la espada Excalibur. Finalmente, Kurumada se decide por un Pontífice que en realidad es el Gold Saint de Géminis con doble personalidad, quien mata al Papa legítimo y original Shion. No obstante, cuando el Santuario comenzó a atacar a los Bronze Saints, el anime hizo un cambio de Pontífices. Se dice que el buen Papa murió por causas misteriosas y su hermano menor tomó su lugar. Así crearon la imagen de Arles/Ares para expresar que el verdadero enemigo era el Papa. En el anime se decidió que Arles/Ares fuera Saga. Lo que no queda claro es si Saga mató a Arles y al Patriarca original también (¿Shion?). En una entrevista de fans, Takao Koyama (guionista principal de la serie animada de Saint Seiya hasta el final de la Saga de los Doce Templos y de la película de Asgard "La ardiente batalla de los dioses") afirmó que escogió el nombre "Arles" para el Pontífice por Aristóteles, el filósofo de la antigua Grecia. (Ar)istóte(les) = "Arles". Debido a que en la obra original aún no se había explicado completamente el tema del Pontífice en el momento en que el anime comenzó, los responsables de la teleserie desconocían completamente que se trataba de Gemini Saga, así que avanzaron creando características completamente diferentes para este personaje, todo de manera provisional, incluso el nombre del Pontífice, que luego debían encajar con la obra original.
El outside story 2 "Excalibur Secret Chapter" : Saga! Prelude of Desire [サガ！野望の序曲: Saga! Yabou no Jyokyoku] publicado en el databook Jump Gold Selection 2 o Anime Special 2 fue creado para explicar que Arles/Ares (un hermano menor de Shion) realmente existió como un Silver Saint, quien fue considerado por el Papa como su asistente y hermano menor, este era respetado y merecía la confianza de todo el mundo en el Santuario. Este personaje no tiene ninguna relación con el dios de la guerra, ni tampoco es el mismo Arles que se convertiría en el Patriarca en el anime clásico - por lo menos, no físicamente. En este sidestory, Arles es secretamente asesinado por Saga, después de haber descubierto accidentalmente la personalidad maligna de Saga. Mientras en el manga Saga continuó utilizando la identidad de Shion hasta que Seiya llegó al trono del Pontífice, en el anime se inventaron una complicada historia para esquivar los desajustes argumentales. Se anunció que el "hermano menor" del Gran Patriarca lo había sucedido – ya que Saga conocía a Shion y Arles, se puede inferir que se hacía pasar por el hermano menor de Shion, y no por el dios de la guerra -. El Pontífice muerto que aparece en Star Hill es realmente Arles/Ares (y no Shion), un cadáver de 13 años atrás. No está claro si Saga asesina al anciano Papa exactamente después de asesinar a Arles/Ares o cuando el torneo Galaxian Wars se inicia (exactamente cuando Arles/Ares anunció la falsa muerte natural del Pontífice para tomar el trono y actuar más libremente, con el rostro del mal).
Entre los muñecos editados por Bandai en Japón coincidiendo con los inicios de la serie figuraba Kanon de Dragón Marino, pero en su caja aparecía Saga en su versión malvada (con el pelo gris y los ojos rojos). Para las reediciones lanzadas al mercado en 2003, la imagen fue corregida por una de Kanon como realmente es. ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "Yo ya había decidido muy pronto que el Pontífice sería en realidad el Gemini Saint, pero dudé mucho entre hacer una historia de doble personalidad o darle un hermano gemelo. Finalmente, acabé por utilizar las dos ideas, ¿no es así? (Risas). Cuando empecé a pensar en el Saint de Géminis, me planteé llamarlo “Shura”. Pero como este nombre venía de la palabra “Asura”, reflejaba un sentimiento de un ser a quien le gustaban mucho las luchas. Como me gustaba ese nombre, decidí que sería adecuado para el hombre que había abatido a Aiolos, y lo utilicé para el Capricorn Saint."
Shaka Shaka (シャカ): Kurumada lo derivó de Shakyamuni 釈迦牟尼 (también escrito Sakyamuni), un nombre por el que se conoce en Japón al príncipe Siddharta Gautama, o sea Buda, el sabio de Shakya (localidad). Aparte de ser conocido como Butsu, un modo de denominar a Buda en Japón, también es llamado Shakyamuni o también Shaka Nyorai, en referencia al reino o a la tribu de la que este procedía, los Shakya. Tanto Sakyamuni como Sakya se pronuncian Shakyamuni, Shaka. Es también uno de los nombres por los que es conocido Buda en Japón: Shaka Nyorai, la conexión es más que evidente. Forma
original: शाक्यमुनि (Shakyamuni) = sabio, santo, asceta ("muni")
de los Śākya. Virgo: La constelación tiene algunas variantes. La más común dice que representa a la diosa Temis, de la Justicia, quien horrorizada por los grandes crímenes de la humanidad en la Tierra se trasladó al cielo, donde ocupó un lugar en las estrellas. Otros relatos dicen que es Astrea, hija de Zeus y Temis, a quien Zeus situó entre las estrellas como la constelación de Virgo. El personaje presenta fuertes vínculos con el budismo, que nada tiene que ver con la mitología griega. Curiosamente, el primer Gold Saint propiamente dicho que aparece en el manga, con su armadura de oro (dando así a conocer la casta más alta de los Saints), sin tomar en cuenta a Aioria y Saga que aparecen sin corazas, es Virgo Shaka. Shaka es un Saint misterioso, ya que su concepto no proviene del nombre de su constelación sino de su nombre, el nombre Shaka se impuso al autor antes mismo de determinar su constelación, decidido el nombre la imagen del personaje fue explotada de acuerdo con el mismo, y no con su constelación, hombre que superó el séptimo sentido, cuyas características serían reveladas paulatinamente, hasta ser el personaje clave de la saga de Hades. El personaje de Shaka es llamado "el hombre más cercano a los dioses", denominación que se inspira en la tradición budista. El budismo Shingon, el budismo Vijnanavada y la vida del Buda histórico, son todas fuentes sobre las cuales está organizada la personalidad de Virgo Shaka. Shaka aparece por primera vez en un Gaiden*, capítulo epónimo publicado fuera de la publicación regular del manga como historia independiente con el título “Memorial Story: Shaka” en el número 13 de la revista japonesa Shûkan Shônen Jump de 13 de febrero de 1987, el cual será reintegrado a la historia principal en el tomo 5 de la edición religada tankohon (compilación de capítulos) bajo el nombre de Death Queen-tô no tsuioku (Recuerdos de la Isla Death Queen). Cuando Ikki recibe su propio ataque Phoenix Hōō Gen Ma Ken (“Golpe de la ilusión diabólica del Fénix”) que Hyoga desvía a través de un bloque de hielo, se despierta un recuerdo oculto de Ikki en su cerebro, se recrea un flashback o escena retrospectiva en el que Shaka tiene un primer encuentro con Ikki, a quien visita en la isla Death Queen. Esta mini historia especial fue publicada juntamente con el capítulo 61 del manga (capítulo en el que Aioria de Leo reconoce a Saori como Atenea y va al Santuario a pedir explicaciones al Pontífice), en paralelo, o como complemento, a aquel en que Shaka hace irrupción en la habitación del Pope, frente a Aiolia. *Gaiden es un término japonés que describe una historia paralela dentro de otra historia. La misma puede estar desarrollada en un universo paralelo o bien en un tiempo diferente al que se desarrolla la historia central. Normalmente un gaiden no afecta la historia original y en ocasiones se usa como explicación o justificación para acontecimientos que ya han ocurrido. Es común encontrar algún gaiden en series de manga y anime o incluso videojuegos, en donde se utilizan en su mayoría para dar más detalles a los lectores sobre la personalidad, el trasfondo o la infancia de uno o varios personajes. El Gold Saint de Virgo había sido enviado por orden del Pontífice para castigar y exterminar a los Black Saints que Ikki acababa de derrotar. El Bronze Saint intenta medirse a él pero es dominado completamente por el poderío de Shaka, quien al ver que Ikki ha llevado a cabo su tarea y que él mismo se cree invencible, el caballero de Virgo lo derrota fácilmente para demostrarle que existen Saints mucho más poderosos que él. Shaka comprueba que a pesar de sus actos no existe maldad en el fondo del corazón de Ikki y decide no eliminarlo, borra entonces de la memoria de su adversario el recuerdo de su encuentro, pero de manera que esos acontecimientos resurjan en la memoria de Ikki en el caso de que ambos se encuentren de nuevo. Shaka desaparece y los Caballeros Negros se arrodillan ante Ikki, convirtiéndose en el nuevo maestro del lugar. Todo el mundo conoce la continuación: Ikki, respaldado por su séquito de Black Saints, roba la armadura de oro de Sagitario en el Torneo Galáctico. El caso es que de vez en cuando, los mangaka reciben un pedido de yomikiri de los editores [Yomikiri – la expedición de un Manga o un Manga corto], es decir, de historia one-shot basada en su serie pero que puede desarrollarse en paralelo. Para el primer pedido de este tipo sobre Saint Seiya (el segundo no es otro que el Cygnus Story), Kurumada deseaba volver de nuevo sobre el pasado de Ikki en Death Queen Island y hacer intervenir un Gold Saint, revelar un caballero de oro, un ser fantástico. Lo primero que le vino a la mente era un nombre, ni siquiera una constelación. El nombre era Shaka! (Shaka viene del nombre de Shaka Muni que es la forma japonesa para llamar a Siddharta Gautama, el Buda). Quería un personaje muy poderoso. Así creó a Shaka, cuyo nombre se impuso al autor, incluso antes de determinar su constelación. Aunque este Gaiden fue publicado fuera de la publicación regular, apareció en la revista V Jump, paralelamente a la publicación normal del manga, mucho antes de la aparición de Scorpio Milo junto con Leo Aioria ante el Pontífice en la sala de audiencias de su templo. Esta historia se concibió para crear un vínculo entre Ikki y Shaka, fue integrada en el cuerpo principal del manga en el volumen 4, y dio algunos dolores de cabeza al staff del anime pues el script de cada episodio debía estar preparado alrededor de 3 meses antes de que el episodio fuera realizado. En el anime este “Shaka Yomikiri” y su encuentro con Ikki se incorporó más adelante, pues Shaka aparece por primera vez en el manga para luchar contra Aioria y proteger al Pontífice (después de que Aioria y Milo, e incluso Mu, Dohko y Death Mask, ya hayan sido presentados). Concretamente en el duelo entre Shaka e Ikki en el templo de Virgo, el Bronze Saint es absorbido por un profundo temor cuando ve de nuevo a Shaka.
Como este capítulo fue publicado tras la realización del episodio 15 del anime, Shaka no aparece en este estadio del anime y tuvieron que realizarse los episodios 54 y 55, que tienen lugar en la isla Kanon y que ponen en escena a Shiva y Agora, los dos discípulos de Shaka, para justificar de ese modo el miedo incontrolado que siente Ikki durante su encuentro con Shaka en el Santuario. ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "Cuando la publicación de un one-shot de 31 páginas había sido previsto por la revista "Jump", me dije que sería una buena oportunidad para explorar el pasado de Ikki aprovechando para crear un vínculo entre él y un Gold Saint que aparecería. Al reflexionar en un increíble personaje a poner en escena, el nombre "Shaka" surgió súbitamente en mi mente. Empecé a desarrollar una imagen más neta del personaje justo después de decidirme por el nombre. Shaka era un hombre que se había elevado más allá del Séptimo Sentido. En lo que se refiere a la naturaleza exacta de ese sentido, es algo que he previsto explicar en los capítulos a venir en la prepublicación. Podría ser que Shaka tuviera la llave que permitiría resolver la saga sobre Hades." Jump
Gold Selection 2/Cross-talk (Kurumada-Araki-Koyama-Hatano-Kawata) Kurumada: "Fue en la concepción de Shaka donde tuve más problemas. Como alcanza la iluminación y es el hombre más cercano a los dioses, llegué a considerarlo como un hombre que habría adquirido alguna cosa que está más allá del Séptimo Sentido. Por esa razón leí los sutras, o incluso el "Buda" del maestro Osamu Tezuka (risas). Pero no pude comprender exactamente que era de hecho la iluminación. Luego me dirigí en coche al monte Osore, en la prefectura de Aomori, el mes de junio del año pasado. Hizo muy buen tiempo ese día, los pequeños molinos de viento plantados aquí y allá en el suelo, hechos de lava seca, agitados con un ligero ruido por el viento, creaba un espectáculo surrealista. Pero incluso tras leer los libros sobre Shakyamuni en las tiendas de allí, no logré entender lo que es la iluminación (risas)." Speaker : "Entonces ¿al final consiguió alcanzar la iluminación (risas)?." Kurumada: "No, no, regresé a Tokio y me pregunté cómo lo iba a hacer. Se trataba de un combate entre Ikki y el hombre más cercano a los dioses, por lo que no podía hacer una pelea parecida a las otras batallas, de otra forma los lectores hubieran perdido todo el interés, ¿no?. Por eso hice que dijera, por ejemplo, que no hay mal ni bien perfecto, o incluso que el Pontífice es justamente una persona así. Presentando así a Shaka, destaqué un sentimiento de impermanencia y de vacuidad. Es finalmente todo lo que pude encontrar." Entrevista para fans de Latinoamérica, sacada del foro SNK (2008) administrado por Jesus Schraidt. El Sr. SAWA, editor de la revista Champion Red, hizo de intermediario directo con MASAMI KURUMADA, estas son las respuestas a las preguntas que 10 fans miembros de la comunidad del foro tuvieron la oportunidad de hacerle después de ser seleccionadas como las más adecuadas. 2. Garuda Gatz (El Salvador) pregunta: "Sr. Kurumada.. en su obra SS, los caballeros dorados juegan un papel muy importante, el éxito que ellos tienen sobre los fans de nuestros países fuera de Japón, incluso supera el de los protagonistas de bronce... son tan aclamados y adorados.. que en nuestra comunidad y foro se crean discusiones interminables y hasta infantiles por defender la fuerza de su caballero favorito, da la impresión que no se sabe exactamente quién es el vencedor... usando los hechos y frases de su obra no se ha llegado a un acuerdo.. y los fans hemos estado esperando que la última palabra sea la suya.. la que nos despeje las dudas a esta interminable batalla. Por eso, ahora con una ansiedad le hacemos una peticion ..: "A través de la serie usted creo personajes increíbles para cada signo, mirando hacia atrás a toda su obra y sus personajes, los hechos y lo que se ha escrito acerca de ellos los caballeros dorados, quien diría usted, que son los caballeros dorados de más poder? podría dar una escala del 1 al 12 en orden de poder? *Kurumada responde: “Son personajes de mucho poder de los cuales es muy difícil distinguir cual es más fuerte que otro. SIN EMBARGO, si tuviera que decir quién es el más fuerte, siento que sería Shaka, pues por lo de "el hombre más cercano a ser un dios"; y ustedes que piensan?.”
Death Mask/Afrodita Death Mask (デスマスク): "Mascara mortuoria" en inglés. Kurumada lo llamó así inspirado por las antiguas prácticas funerarias europeas de las máscaras de cera fúnebres conocidas como "death masks", se colocaban sobre el rostro de los muertos ya que se supone que fortalece el espíritu y le protege en su viaje. Esto se deduce debido al gran parecido con los rostros de los difuntos aparecían y cubrían los muros del Templo Kyokaikyu del Cangrejo Gigante. Cáncer: El autor lo definiría como “el malo más malo”. No lo es por el animal mitológico que representa, sino por corresponder su casa y signo zodiacal al número cuatro, que en japonés se pronuncia "Shi", igual que "Muerte" y es el número yeta por excelencia para los japoneses. En cuanto al mito, trata del cangrejo gigante que la diosa Hera mandó para acabar con Heracles. Masami Kurumada derivó las habilidades Deathmask de los folklores japonés y chino en relación con la constelación de Cáncer. La constelación de Cáncer contiene el cúmulo Beehive (Colmena), también conocido como Praesepe (Pesebre), que se considera en esos folklores como la entrada al reino de los muertos. De ahi la capacidad de Deathmask de atravesar libremente ese reino.
Aphrodite (アフロディーテ): Es el nombre de la diosa griega del amor, el sexo y la belleza. Kurumada lo llamo así ya que la constelación de Pisces la representa a ella. Quizás de ahí que el personaje se identifique con una rosa, símbolo universal del amor. Piscis: El mito asociado cuenta como Afrodita y Eros, huyendo de Tifón y queriendo salvar su vida, se lanzaron a las aguas transformados en peces, nadaron a través del Mediterráneo hasta llegar a Egipto. Para asegurarse que no se perderían con la corriente, se ataron una cuerda, por eso los dos peces fueron colocados en los cielos unidos por una cuerda. La razón por la que Death Mask y Afrodita fueron presentados como tipos malos fue porque Kurumada pensó que si todos los 12 Caballeros de Oro fueran buenos sería difícil contar una buena historia. Sería más interesante tener chicos malos alrededor en la travesía de los 12 Palacios. Algunos fans creyeron que Afrodita era una mujer a causa de su nombre. Asimismo, en los primeros doblajes de la teleserie de Saint Seiya al francés, español europeo y chino de la adaptación al anime él es presentado con la voz de una actriz femenina. En Japón el concepto estandar de belleza incluye a un hombre con rasgos femeninos, es exactamente el aspecto que tienen Afrodita y Misty, y somos los occidentales quienes lo malinterpretamos. Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Como los Bronze Saints tenían que atravesar los Doce Templos, hubiera sido difícil escribir una historia con sólo Gold Saints buenos. De hecho, creo que es más interesante insertar algunos personajes malvados, ¿no?. Personalmente, creo que dibujar a un personaje como Death Mask es muy agradable. Incluso con una actitud malvada, ese tipo de personajes es divertido, y su puesta en escena es fácil." De acuerdo con el manga clásico, Shura, Afrodita y Deathmask saben toda la verdad sobre la verdadera identidad y traición del Pontífice. Afrodita se lo dice a Shun.
Fanart de Niiii'link (Francia) Entrevista
Editorial Glenat - España (2011) Kurumada: "En realidad la constelación de Ofiuco era tomada como una de las doce constelaciones hasta hace poco (podría tratarse de un error de traducción, y en realidad referirse a que "fue incluida desde hace poco"), pero dado que Shaina es de esa constelación, parece que va a ser difícil que salga." Entrevista para fans de Latinoamérica, sacada del foro SNK (2008) administrado por Jesus Schraidt. El Sr. SAWA, editor de la revista Champion Red, hizo de intermediario directo con MASAMI KURUMADA, estas son las respuestas a las preguntas que 10 fans miembros de la comunidad del foro tuvieron la oportunidad de hacerle después de ser seleccionadas como las más adecuadas. 3. Lord Wilhem (Venezuela) pregunta: “Señor Kurumada, tomando en cuenta que ya nos ha presentado una batalla en contra de Hades que data de hace 200 años, ¿tiene usted pensado escribir e ilustrar o en el mejor de los casos animar de manera detallada esa batalla ya sus personajes como una saga más de Saint Seiya?.” *Kurumada responde: “Sin falta me gustaría hacerlo! si tengo suficiente tiempo y aguante, y si además se presentara alguna buena editorial que quisiera cooperar en ello, algún día podría ser. Esperémoslo con emoción.”
Albiore/Daidalos Daidalos (ダイダロス): Forma original en griego del nombre Dédalo. Shun, en la versión anime, recibió como maestro a Albiore, un poderoso Silver Saint que fue derrotado por Milo de Scorpio. Por entonces el anime se adelantó al manga, Kurumada no había asignado aún maestro para Shun (así como Toei Animation asignó el Crystal Saint a Hyoga, ¿menuda falta de comunicación no?), por lo que el mangaka tomó esa idea, pero reemplazó a Albiore y a Milo por Daidalos y Aphrodite de Piscis, por lo que el anime tuvo que tomar la idea de Afrodita a causa de eso y dar explicaciones cuando Seiya y Shun alcanzan el duodécimo templo, humillando de esta forma a Milo, que quedó como un inútil en su duelo contra Albiore la isla de Andrómeda, y realzando sin quererlo al propio Albiore, quien pese a su estatuto de Silver Saint luchó en condiciones de igualdad contra un Gold Saint e hizo necesaria la intervenció de un segundo Gold Saint, que además lo ataca por sorpresa y a traición, para derrotarlo.
La razón por la que Cepheus Daidalos fue reemplazado por Cepheus Albiore en el anime yace en el hecho de que Kurumada aún no había plasmado su diseño y aspecto físico. Él había completado la parte en que se narra el entrenamiento de Shun, en forma de guión solamente y aun no la había ilustrado, sólo había determinado que la constelación del maestro de Shun sería Cepheus. Debido a que el anime había alcanzado al manga para ese momento, Kurumada entregó el guión del manga a Toei, y por ello se creó un diseño para el maestro de Shun en el anime, a pesar de que Kurumada aun debía crear su propio diseño para su manga, porque el tiempo para la producción del episodio para el anime apremiaba, el resultado son dos maestros con nombres y apariencias físicas diferentes (!).
Da la impresión que a Kurumada le gusta el cabello rubio, la mayoría de las chicas parejas de los protagonistas son rubias: Eurídice (Orphée), Esmeralda (Ikki), June (Shun) y Natassia (Hyoga). Entre los SIlver Saints merece mención especial Misty, debido al hecho de que la mayoría de sus camaradas Silvers le tienen mucho afecto y están decididos a vengarlo. Excluyendo a Deathmask (gris), Camus (rojo), Dohko (gris en su forma anciana y negro en su juventud) y Shura (negro), todos los Gold Saints tienen el pelo rubio en el manga. Por otro lado, mientras en el manga los colores de pelo tienden a ser realistas, mientras que los que se usan en el anime incluye un rango de colores extraños entre verde, rosa, púrpura y otros funky. En su manga, Kurumada dio a muchos gold saints el pelo rubio. Mu, Aldebarán, Saga, Kanon, Aiolia, Shaka, Aiolos, Milo, Shion y Aphrodite. En la adaptación del anime, debido a un exceso relativo de tonos amarillos en los diseños de Kurumada en los santos del oro, todos los santos rubios vieron su color de pelo modificado, a excepción de Shaka, que era el único santo del oro cuyo pelo siguió siendo rubio, tal y como fue concebido originalmente por Kurumada en su manga. Un buen equilibrio y contraste de color se alcanzó con Shaka dejando su pelo rubio y dando a la armadura de oro de Virgo tonos dorados más oscuros.
En Saint Seiya hay muchos más hombres que mujeres, por eso los hombres tienden a tener un cabello más impresionante: Shion, Mu, Saga, Kanon, Shiryu, Aldebarán, Afrodita, Shaka, Camus y Hades poseen un peinado bastante extremo –tipo Rapunzel–por parte de Kurumada. La gran mayoría de los caballeros tienen el pelo largo, son pocos los caballeros con cabello corto. Hay una explicación real y una excusa para ello. La excusa es que en el Santuario todo se hace como en la Grecia antigua. Hubo una época en que se usaba el cabello largo, y en otra era corto y con barba, y después, la barba no fue considerada estética. En la antigüedad la mayoría de la gente andaba con el pelo largo porque no era muy común la barbería... así que esto encaja con Saint Seiya. A efectos prácticos, la explicación real del cabello largo es el estilo clásico de dibujo de Masami Kurumada. Todos saben que el cabello largo y mechudo es parte integral de la estética manga/anime, tendencia creada por el inmortal mangaka Osamu Tezuka. Prácticamente no hay manga o anime que no tenga un personaje así, debido a que es muy emblemático en el estilo. Kurumada es un mangaka de estilo clásico, él usa mucho la estética manga/anime predominante en los 60's y 70's, y de esto se deriva que sus diseños de personajes sean a menudo chicos mechudos y con cabello largo. Cualquier manga de esa época es así, los de Tezuka, Shoutarou Ishinomori, Sanpei Shirato, Mitsuteru Yokoyama, Riyoko Ikeda, etc... y todavía hoy. Características de los dioses en Saint Seiya: Atenea, Poseidón y Hades Se detecta un punto de partida politeísta y de mestizaje cultural: los personajes son de diferentes partes del mundo y se mezclan elementos de sus propias mitologías junto a la presencia de tres de los principales dioses griegos: Atenea, Poseidón y Hades.
La constatación de otros elementos culturales puede ser ejemplificada con dos referencias, una al budismo y otra a la mitología egipcia: Por un lado tenemos al Gold Saint Shaka de Virgo, considerado en el manga como “el hombre más cercano a Dios”, quien aun siendo un defensor de Atenea, es adepto del budismo, dialoga con Buda y expande sus poderes con la utilización de preceptos budistas; y por otro lado tenemos al Specter Pharao de Esfinge, un guerrero con rasgos físicos e indumentaria que remiten a Egipto, y aunque sirve al dios Hades en la trama, también es un defensor de una diosa de la mitología egipcia considerada justa, adora a Maat, la diosa egipcia de la verdad y de la justicia que portaba la pluma utilizada por Anubis en el Tribunal de Osiris.
Atenea (Athena) Kurumada escogió a Atenea como la diosa principal a la cual los Saints deberían proteger debido a que representaba la justicia y la sabiduría, y porque era la diosa que en la mitología grecolatina se preocupó más por los hombres. Sin embargo, la débil y dependiente Atenea de Saint Seiya realmente tiene poco, o quizás nada, de parecido con la fuerte y orgullosa Atenea de la mitología (tan sólo lean la Ilíada o la Odisea para que conozcan el gran contraste que hay) la cual realmente nunca dependió de sus hombres para que la protegiesen, era mucho más valiente e impetuosa ya que no temía el medirse en combate contra los otros dioses del Olimpo y no "odiaba usar las armas", pues en las leyendas homéricas en varias ocasiones o ella usó armas o se las proporcionó a sus protegidos, es más, en las leyendas se hace notar que en ocasiones a ella le gustaba provocar los combates (como el de Aquiles vs Héctor en la Ilíada). Saori entra en escena como la clásica “princesa en apuros” que los héroes deben rescatar. Kurumada reveló que al principio Atenea no iba a existir en su manga como un personaje, la idea era que Athena no existiera en su forma física sino que iba a ser experimentada espiritualmente por cada uno de los protagonistas, en diferentes formas, su motivación para luchar. Cada personaje tenía su "proyecto" propio y debía encontrar a su propia Atenea. En otras palabras, la idea de "encontrar a Atenea" era una especie de metáfora para referirse a como los protagonistas resolvían sus complejos de la vida, por lo que la frase "Protege a tu Athena" iba a ser utilizada mucho. Finalmente se decidió que Athena sería un personaje. A título de ejemplo, el eslogan de la película “The Legend of Sanctuary” era "Protege tu Athena" (“Protect your Athena”).
En Saint Seiya le bajaron el tono seguramente para que no ensombreciera al personaje principal, eso la hizo, sin embargo, otro de los personajes más odiados ya que realmente a nadie le agradó el que los caballeros siempre tuviesen que sudar la gota gorda para salvarla de un enemigo solamente porque ella no sabía defenderse por sí misma a pesar de su rango divino. La rebelión de Saga tuvo como saldo final la maduración de Saori como diosa Atenea. A lo largo de la batalla entre Atenea y Poseidón, verificamos diversos aspectos mitológicos que permiten afirmar que el manga representa a los dioses griegos con exactitud. Atenea es bondadosa, sabia y perseverante, mientras que Poseidón es malvado y destructor. Sin embargo, estos dioses comparten dos características en común: ambos tienen interés por la Tierra y utilizan a los hombres para alcanzar sus objetivos; mientras que Atenea defiende la justicia y la vida, Poseidón desea inundar la superficie terrestre y acabar con todas las formas de vida, para repoblar la Tierra. En la mitología griega, el dios de los mares es a menudo derrotado por la diosa de la sabiduría, y en el manga ese hecho se repite: cuando se encuentra con Poseidón, Atenea lo derrota una vez más, y con relativa facilidad. Ella demostró tanta proximidad con la humanidad que afirmó que enfrentaría a todo el panteón olímpico en defensa de la tierra. Pero fue contra Hades que Atenea consolidó su supremacía ante el verdadero mal que asolaba a la Tierra. La diosa Atenea de Saint Seiya es, por tanto, poseedora de las cualidades que los antiguos atenienses le acreditaban: es sabia y justa, guerrera y vencedora, ella se colocó del lado de los humanos aunque esa actitud no fuera aceptada por todos, puesto que muchos humanos se aliaron a otros dioses y dificultaron la lucha contra el mal; sin embargo, muchos enemigos que la encontraban la temían o se rendían a su poder, sin precisar nada más que sentir la energía por ella emanada para concluir que era la verdadera protectora de la Tierra. Sus enemigos, Hades y Poseidón, también poseían hombres a su lado y ambos estuvieron cerca de la victoria; lo que les impidió alcanzarla fue la interferencia de los Bronze Saints protagonistas, guerreros jóvenes que derrotaron a las tropas enemigas y colocaron a Atenea en posición de contener a los adversarios divinos (Poseidón y Hades), y de hombres con pretensiones de igualarse a los dioses (los hermanos gemelos Saga y Kanon). Saori Kido representa la reencarnación de Atenea (por etimología: “la que conoce las cosas Divinas”). Dentro de la mitología griega se la conoce como la Diosa de la Justicia y de la Guerra con Inteligencia. Fue consejera de grandes héroes como Hércules, Teseo y Perseo. En la serie, Saori cumple la misma función pero guiando a los Bronze Saints. En general, se la suele ver con un báculo, en representación de Niké, la Diosa de la Victoria. Saori Kido vive por la esperanza de un mundo más justo y en paz. Durante la serie, tiene diálogos profundos con los seres “malvados”, quienes le proponen unir ambas fuerzas para destruir este mundo y arrancar uno de nuevo, pero Saori siempre mantiene su Fe en levantar y en despertar a la actual Humanidad. Es característico ver como los aparentes malvados tienen argumentos más que interesantes. No son simples enemigos de la Humanidad que vienen a conquistarla o destruirla, sino más bien seres que también quieren lo mejor pero entendiendo que ya no hay ninguna esperanza con los hombres actuales. A simple vista, Saori aparenta cierta pasividad por su poca intervención en los combates. Sin embargo, al profundizar en el análisis del personaje, se puede entender que la función de Saori no es pelear (algo que, sin embargo, hace varias veces) sino que ella inspira a sus Saints, les aconseja en los momentos más críticos de su vida. Ella es quien se les aparece cuando están entre la vida o la muerte, en el medio de la duda sobre si perseverar o resignarse. Es ella quien les recuerda por qué pelean. Y a partir de sus intervenciones, los Caballeros se levantan una y otra vez para combatir. Es una idea similar a la de Dulcinea con "el Quijote", en el sentido de la Dama que inspira al caballero a seguir luchando. Da la impresión que desde un principio Kurumada no tenía la intención de hacer a Saori Atenea. En la revista Weekly Shonen Jump, en su duelo contra Babel, Hyoga llega a decir que los Bronze Saints van a matar a Athena cuando trata de explicar sus actos, pero como Kurumada cambió de opinión y decidió que Saori fuera Atenea, algunos meses más tarde, en la compilación de Jump Comics, en la misma escena esas palabras son sustituidas por "derrotar al Santuario", y ese discurso es usado en el anime.
Saori Kido y la princesa Kaguya Hay más de un indicio que apunta que el personaje de Saori Kido esté inspirada directamente en la princesa Kaguya, personaje protagonista de “El cuento del cortador de bambú” (竹取物語 Taketori monogatari), un cuento tradicional y folclórico japonés anónimo que data del siglo X, considerado como el texto japonés más antiguo que existe, siendo uno de los textos fundacionales de la literatura japonesa. Este cuento de ficción también es conocido como “La historia de la princesa Kaguya” (かぐや姫の物語 Kaguya-hime no Monogatari), siendo nombrado tras su protagonista, la princesa de la luna. Su transcripción se realizó a inicios del periodo Heian pero su influencia en la cultura nipona y asiáticas es inconmensurable. La influencia de este mito se observa en muchos mangas, como Dragon Ball, Sailor Moon o Yaiba, existe además una bellísima adaptación cinematográfica de la historia en animación obra de Studio Ghibli cuyos dibujos a trazo libre en movimiento y colores en acuarela son preciosos, visualmente magníficos (este largometraje animado fue galardonado a nivel internacional). Y Saint Seiya no es una excepción, pues podemos observar que existen conexiones entre ambos personajes y puntos argumentales comunes de sus dos historias: su nacimiento, sus rasgos psicológicos, las pruebas que se deben superar sus pretendientes, el amor terrenal, su vestido celestial que le hace perder su vida mortal y sus recuerdos etc.
Se puede notar que Kurumada modificó sutilmente el mito de la princesa Kaguya con la princesa Saori en Saint Seiya, actualizando y modernizando el argumento original. Las dos princesas resplandecen al despertar su energía, no pertenecen a este mundo, tienen un origen sobrenatural o divino, son criaturas celestiales incapaces de abandonar el mundo de los humanos, Kaguya viene de la Luna y Saori del Olimpo, el punto de unión entre ambas mujeres es su destino, las dos deben sacrificar su humanidad para cumplir con su deber, sus historias fantásticas nos hablan de la eterna coexistencia de lo humano y lo divino. Más información en la ficha del personaje de Atenea
Poseidón Cuando los Bronze Saints se enfrentaron a los dioses en los Campos Elíseos, Poseidón los ayudó en la batalla contra el dios Thanatos, movido por un interés político: a pesar de que Atenea le impidió dominar la Tierra, Poseidón prefería a la Tierra bajo el dominio de esta diosa, y no bajo el control de Hades. Su ayuda fue enviada debido a que su simpatía por la causa de Atenea era mayor que con el dios del inframundo, que ambicionaba transformar el planeta en un lugar eternamente obscurecido a través de la manipulación del movimiento de los astros del Sistema Solar. Hermano de Zeus y de Hades, Poseidón es el gobernante de los mares y posee un tridente capaz de levantar montañas y agitar el mar. En la mitología, insatisfecho con su reino marino y frecuentemente irritado con los humanos, también tuvo conflictos con Atenea, por ejemplo la posesión de la ciudad-estado de Atenas, pleito en el que fue derrotado por el juicio de los doce grandes dioses. En la Teogonía de Hesíodo Poseidón fue el responsable de la creación de las puertas de bronce y de las enormes murallas que rodeaban el Tártaro y limitaban los dominios de los Titanes y también de los dioses Hades, Hypnos y Thanatos; en la Ilíada de Homero ayudó tanto a los griegos como a los troyanos, pues había sido traicionado por el rey de Troya, que no le pagó por la construcción de los muros de la ciudad; pero volvería a aliarse a los troyanos cuando se involucró en una riña con Odiseo (Ulises) que se describe en La Odisea. Vale recordar que en este poema, Atenea es la diosa protectora de Odiseo y le ayuda a él ya su familia, mientras que Poseidón tiene como objetivo la ruina del héroe. Se percibe que Poseidón es retratado en ambas versiones, la de la mitología y la del manga, como un dios rival de Atenea, y que se aproxima a los hombres por los intereses que le convienen; fuerte y vengativo, sus cualidades no le impiden que sea derrotado frecuentemente por dioses de menos poder o hasta ser engañado por los hombres, como el rey de Troya, Laomedonte, en la mitología, y Kanon en Saint Seiya, quien lo manipula para alcanzar sus propios objetivos de dominación. Los fracasos de Poseidón hacen que los dioses inferiores, como Thanatos, se burlen de sus actitudes, menospreciando sus acciones.
Hades Kurumada se aprovechó de la obra “La Divina Comedia” de Dante, para enfocar la geografía específica creada por el autor renacentista y describir minuciosamente los campos del castigo. La cantidad de referencias que se hacen a la geografía del infierno de Dante permite al lector comprender con claridad que existe un orden establecido en un lugar que es completamente caótico. Hades es uno de los personajes principales en Saint Seiya; desde los tiempos mitológicos, él y Atenea traban batallas por la hegemonía sobre la humanidad: mientras Atenea defendía el derecho de los humanos a vivir sobre la Tierra, Hades deseaba sumir al planeta a una noche eterna y anticipar la muerte de los humanos. Para alcanzar sus objetivos, ambos dioses convocaron a sus ejércitos de guerreros que lucharon por sus intereses. Mientras Atenea disponía de humanos que habían desarrollado un gran poder fruto de años de entrenamiento, procedente de las estrellas y con la bendición de la diosa. Hades reclutaba a humanos prometiéndoles algo inalcanzable, la vida eterna, y les confería armaduras que incorporaban poderes sobrehumanos. Mientras Atenea contaba con Niké, la diosa alada de la victoria a su lado, una diosa alegórica representada como un cetro que le daría la victoria final, Hades tenía como aliados a otros dos dioses que habitaban el mundo de las tinieblas: Thanatos e Hypnos, dioses de la muerte y del sueño; los cuales ocupaban cuerpos humanos y eran poderosos guerreros. Antes de ser derrotado por Atenea, Hades se enfrentó a los Bronze Saints y les expuso los motivos que le llevaron a desear la destrucción de la humanidad: Según él, los humanos se transformaron en seres ambiciosos que no se contentaran con vivir en el lugar que les fue reservado, además de no temer ni respetar más a los dioses. Luego, percibimos que en ambas versiones de este dios lo presentan como un ser que se apropia de las almas de los hombres, y ocupa una posición hegemónica en el mundo inferior. Incluso recibiendo la obediencia de almas y de hombres, Hades era temido y odiado, y la resistencia a sus objetivos era mayor que el apoyo que recibió; cuando planeó ultrapasar sus dominios e intervenir en la situación del mundo superior, el esfuerzo colectivo entre la diosa Atenea y los Saints fue lo que impidió la oscuridad eterna deseada por Hades. Relaciones entre dioses y mortales en Saint Seiya La humanidad presentada en el manga es politeísta y la interferencia de los dioses en el plano terrestre es frecuente: algunos dioses protegen a la Tierra de aquellos que desean destruirla. Los hombres, a su vez, se alían a los dioses que mejor representan sus propios intereses, y muchas veces escogen el camino del mal en su propio beneficio. Cada ser humano recibe para su defensa una armadura que representa una constelación, un héroe o un monstruo mitológico. Las características del ser representado generalmente están presentes en el guerrero que lo representa. Hades no poseía la misma capacidad para reclutar hombres vivos, y ofreció la vida eterna a aquellos que lo auxiliaran aun sin podersela dar. Esta promesa llevó a más de un centenar de hombres vivos a aliarse con él y convertirse en espectros. Los defensores de los dioses, representados por los Saints, Mariners y Specters, son similares en sus propósitos: todos se aliaron a dioses distintos y estaban dispuestos a sacrificarse en nombre de los objetivos divinos. Se percibe que existen relaciones de interés entre los personajes, evidenciando otro punto de aproximación con la mitología griega, donde los dioses olímpicos se sirven de los humanos en diversas ocasiones para alcanzar sus objetivos, y viceversa. ●
Anime Land #97 - Francia, diciembre 2003 Sus personajes de Saint Seiya han tenido un éxito enorme en Europa. ¿Cómo se explica esto? Kurumada: “Creo que si una historia es interesante, con personajes consistentes, tendrá éxito. La noción de "héroe" es la misma en todas las culturas.” ●
Anime Land #97 - Francia, diciembre 2003 Todos los personajes de Saint Seiya tienen grandes complejos. Esto no es típico de los héroes, ¿no lo cree? Kurumada: “Al principio, cuando trabajaba en la trama de Saint Seiya, Athena no iba a existir. Cada uno de los personajes tenía su propia "idea" y tenía que encontrar a su propia "Atenea". Como mencionaste, en efecto, mis personajes tienen complejos más o menos importantes que afectan a sus vidas. Cada uno debe saber cómo resolverlos, pero esto podría haber sido difícil de comprender para los lectores de la Shônen Jump, que son en su mayoría jóvenes. Por eso, desarrollé el personaje de Athena.”
Entrevista
Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Himeno: "Atenea y Shiryu. De hecho, los personajes difíciles de animar son aquellos con el pelo largo. Es por eso que dibujé con placer a Tatsumi, que no tiene cabello (risas). Kiki es otro personaje agradable para dibujar." Los cabellos de Atenea eran difíciles de dibujar. Shingo Araki confió en Michi Himeno en lo relacionado con los personajes femeninos y la dejó a cargo a menudo de sus diseños.
Marin (魔鈴): literalmente, "campanas de demonios", el kanji Ma significa "magia, maldad, demonio", y el kanji Rin significa "anillo" o "campana". Marin es el nombre de las campanas de los templos budistas o Shinto en Japón, utilizadas para ahuyentar a los demonios o al mal (el motivo fraternal entre Marin y Toma, el Angel de Artemis, mostrado en la película Tenkai-Hen, fue derivado por Kurumada del significado del nombre de Marin, la aparición de las campanitas confirma que la intención de Kurumada era nombrarla en referencia a las campanas Shinto).
En el volumen 1 del manga ya es posible deducir y constatar que Marin no es Seika. Marin luce como una mujer adolescente (aunque se supone que tiene 10 años) en el momento en que conoce a Seiya. Para entonces, Seika acababa de aparecer en el manga al ser separada de Seiya sólo unos días atrás, luciendo como una niña pequeña de 10 años. En la mayoría de sus historias Kurumada usa una “hermana mayor” para el protagonista porque cree que una “hermana mayor” como guía trae ternura a la historia, así como también una perspectiva de trasfondo más interesante que la de un anciano. Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Yo no diría que un personaje. Al comienzo iba a hacer que el maestro de Hyôga fuese Milo, pero entonces pensé que el hielo tenía que estar relacionado con el agua, así que lo cambié por Camus. Tampoco tenía aún definido sí Marin sería la hermana de Seiya o no. Me dije que mi mismo que lo decidirá a lo largo de la historia. Sí hubiera hecho esa elección desde un principio, los lectores podrían haberlo previsto y ya no habría sorpresa." Entrevista
Editorial Glenat - España (2011) Kurumada: “Al principio no tenía intención de que Marin y Seiya fueran hermanos. Eso se me ocurrió a lo largo de la historia." ●
Entrevista Fuji TV – Japón (2003) Q76: ¿Tiene usted preferencia por las historias donde se muestra a un niño con su hermana mayor? Kurumada: “Creo que una hermana mayor como guía trae ternura a la historia, así como también una perspectiva de trasfondo más interesante que la de un anciano decrépito. El amor de la familia es importante. Cuando mi madre le preguntaba a mi padre, un trabajador de la construcción, a qué hora iba a regresar, él solía responder "cuando un hombre deja su familia, afuera siete enemigos aparecerán ante él, así que realmente no puedo responder". Desde mi punto de vista de niño, yo encontraba esa respuesta muy cool. Cualquiera que sean los problemas en su trabajo, un hombre no trae sus preocupaciones consigo. Esa es verdadera fuerza”.
● Anime Land #97 - Francia, diciembre 2003 Usted forma parte del movimiento Nekketsu (historias de aventuras con personajes que tienen relaciones de amistad y lealtad), pero ha aportado a sus historias un toque muy personal. Kurumada: “Creo que hay un toque de elegancia que no se puede encontrar en los mangas de Ikki Kajiwara o Hiroshi Motomiya. Creo que las investigaciones que hice para los nombres de las técnicas, de las armaduras, del universo de los personajes, etc., han tenido un peso enorme en el público, y han permitido a la historia conquistar también una gran cantidad de público femenino, que otras historias del mismo género no tenían. Siempre he prestado atención en el dibujo, dibujando, para asegurarme de que mi manga dé una idea de belleza estética.” ●
Anime Land #97 - Francia, diciembre 2003 Entonces hablemos de elegancia... En sus historias los personajes femeninos también desempeñan papeles importantes, a pesar de que el universo de sus personajes sea predominantemente masculino. Kurumada: "Es verdad. Mis historias son al estilo "nekketsu", historias en las cuales los duelos entre hombres son la regla. Pero uno de los temas recurrentes del género es el romance. En el momento más difícil de la batalla, la dulzura de un personaje femenino, o más aun, el rigor moral de los consejos de un maestro, también de sexo femenino, pueden jugar un papel muy importante para el héroe, permitiéndole superarse”.
Thetis (テティス): Es el nombre de la madre de Aquiles en los mitos griegos. Después de la saga del Santuario, Kurumada ya tenía en mente las ideas para la saga de Hades (que presentaría una guerra particularmente épica), por lo que la etapa de Poseidón iba a ser un magnífico episodio conectado con este último, y con un bello final. La saga de Poseidón estaba destinada a ser un colchón / trampolín entre los dos grandes capítulos y estaba establecido que duraría tan sólo un año. Mermaid Thetis & Julian Solo (Poseidón) → La historia que hay tras Thetis de Sirena es muy similar a la de la sirena del cuento de Andersen (hasta las dos son de nacionalidad danesa). La desgraciada sirena que se enamora de un joven y apuesto príncipe y le salva de morir ahogado. Sin embargo, no hay un final feliz para ella: el príncipe se enamora de una hermosa princesa y por lo tanto, los sentimientos de la sirenita no son correspondidos. Aunque, para variar, el anime y el manga de Saint Seiya tienen un final diferente para la historia. En el manga Thetis aparece como un hermoso pez que Julian encuentra en la orilla del mar y él llora cuando se da cuenta de que es el mismo pez que él salvó en el pasado y que se había transformado en la bella Marina. Descubre como Thetis le devolvió el favor sacrificándose para ponerle a salvo, después de que Atenea había sellado el alma de Poseidón y hundido el Santuario submarino, Thetis volvió a convertirse en pez. Desolado, Julian devuelve el pez muerto al mar. En el anime hay un final más feliz, Thetis salva a Julián pero regresa al mar como una sirena mientras él sigue inconsciente en la orilla.
Poseidón era el capítulo que Kurumada pretendía desarrollar en el período de un año. Todos las marinas eran buenos sujetos que creían en los ideales de Poseidón y acreditaban la supremacía del dios de los océanos, Kurumada lamentó no haber profundizado sobre ellos para transmitir el sentir que también eran buenos. El mangaka también tuvo muchos problemas en la búsqueda y asignación de los nombres propios de los nuevos personajes. ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "Como ya tenía en mente la idea del capítulo de Hades cuando empecé el capítulo de Poseidón, concebí esta parte como enlace entre las dos sagas. Mi intención era terminarlo en un año. Cuando me acercaba a la mitad de la historia, me dije que estaría bien un bello final, como aquellos de las películas francesas." Kurumada: “Todos los Mariners eran buenas personas que creían en la supremacía de Poseidón. Retrospectivamente, me digo que hubiera estado bien que ahondara un poco más en las historias de los 7 Generales para sentir que ellos también eran buenos." El capítulo de Poseidón siempre fue concebido como una simple transición entre el capítulo Santuario y el capítulo Hades. Las ideas iniciales están muy lejos de lo que conocemos, en un principio, la que iba a engañar a Poseidón era Thetis, pero Kurumada terminó decidiéndose por Kanon. Thétis ocupaba el lugar del General del Dragón de los Mares y tejía en secreto la guerra de los dos campos, mientras que el personaje de Kanon sólo debía aparecer en el capítulo de Hades, pero más tarde decidió que sería mejor tener antes a Kanon en el capítulo de Poseidón. El verdadero Dragón del Mar aún no ha sido revelado. ●
Jump Gold Selection #3, 1989 Kurumada: "Al principio, tenía la intención de colocar a Thétis en el rol de kyôgen-mawashi*, pero finalmente transferí ese rol a Kanon. Inicialmente pensaba presentar a Kanon en el capítulo de Hades, pero como deseaba aportar un giro a la progresión del capítulo de Poseidón, lo hice aparecer en esa parte como el Sea Dragon General." * kyôgen-mawashi 狂言回し (kyôgenmawashi) es un personaje orador que asume el papel de narrador / facilitador del desarrollo narrativo, el término también designa a un “personaje-clave” que intervienen en la trama, se utiliza a menudo como ejemplo al personaje de Watson en Sherlock Holmes, un personaje que no es el héroe pero que narra la historia en la que participa. Kurumada: "La saga de Poseidón me dio muchos dolores de cabeza a nivel de nombres propios. Los nombres me vienen más fácilmente en lo que concierne a la saga de Hades." Kurumada: "Está decidido que muchos Saints perderán la vida durante la saga de Hades. La rebelión de Saga y la saga de Poseidón no serán más que simples incidentes en comparación con la batalla que tendrá lugar en la parte de Hades. Creo que será una guerra particularmente épica.” No obstante, en el anime la saga de Asgard condiciona el tránsito a la saga de Poseidón del manga. La saga de Asgard del anime fue planeada para dar tiempo a la saga de Poseidón en el manga, pero la saga de Asgard es parte de la saga de Poseidón en el anime también. El primer episodio donde Hilda fue manipulada por el "poder tras el misterioso Anillo de Oro" fue de hecho el prólogo de la saga de Poseidón. En una entrevista de fans, Takao Koyama (guionista principal de la serie animada de Saint Seiya hasta el final de la Saga de los Doce Templos y de la película La ardiente batalla de los dioses) afirmó que eligieron Asgard como escenario para la segunda película y la saga del anime por el hecho de que ya que no podían utilizar la mitología griega, eligió la mitología nórdica porque también era de Europa. Nunca pensó en otras mitologías como la china o la egipcia. Al analizar las ideas y planes del papel y la pantalla, es difícil decir exactamente que está primero: si el anime o el manga. Como Kurumada está detrás del anime, es posible ver algunas ideas cronológicamente anteriores a la publicación del manga. Por ejemplo, en la saga de Asgard, podemos ver al God warrior Syd de Mizar atacar a Saori, ya que el plan de Asgard es matar a Atenea. En la saga de Poseidón del manga, en su momento, podemos ver a un soldado Marina ordinario secuestrar a Saori (primero - es extraño, ya que Saori es una diosa, y segundo – Poseidón/Julián no sabe que su amada Saori es Atenea, no hay ninguna razón para llevar con vida a Saori al Santuario de Poseidón).
Las Scales debían teñirse de azul con el fin de destacar su procedencia marina pero tras un sondeo realizado por iniciativa de los responsables del anime, resultó que el público de la serie TV deseaba ver una oposición a nuestros héroes que se asemejara lo más posible a los Gold Saints. Kurumada pensó que el azul no sería un color bastante fuerte. Tal vez fue después de discutirlo con Toei y Bandai, el caso es que finalmente se decidió por el color oro para que fuera lo suficientemente fuerte y equiparar los Scales a la altura de los Gold Cloths. En el capítulo de Poseidón, Kurumada ya tenía pensado el guión de muchos capítulos después. Él supervisó el Great Holy War History o Hypermyth, documento donde se exponen indicios de la saga de Hades, e incluso capítulos después de el Hades. La saga de Hades tenía la intención de responder a muchas preguntas del manga: ¿Quién era el Pontífice?, ¿Cuál fue la anterior guerra santa?, ¿Qué le pasó a Seika?, ¿Por qué Shaka es el más cercano a los dioses?, entre otras.
En la saga de Hades, la estructura del inframundo en realidad está basada en 'El Infierno' de “La Divina Comedia de Dante”. El capítulo posterior a Hades, el "Tenkai Hen" (capítulo del Cielo) en el que los 12 dioses del Olimpo y sus Kamui (Cloth de los dioses) son presentados, se concibió mucho tiempo atrás. En el Soundtrack libro VIII, se dice que una lucha futura con el desaparecido Zeus es posible. En una entrevista para una revista de anime, Kurumada declaró que quería seguir la historia después de la saga de Hades. La trama se abriría con una escena de Seika con Seiya en una silla de ruedas, el Cosmo de Seiya y su energía de vida estarían a cero. Sin embargo, fue detenido por los editores de Shueisha. Una futura pelea contra Chronos está también en su mente tal y como el propio Kurumada reveló. La idea de que Seiya sobreviviera después de la saga de Hades en el Tenkai ya fue usada por primera vez en 1997 en el CD drama Do cvidanja, en el que tuvo participación directa Kurumada y que tenía a los seiyuus originales. Entrevista
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Esta saga está inspirada en la obra de Dante Alighieri, a la cual siempre le he tenido mucho aprecio. En el inicio, Saint Seiya tenía diseños muy masculinos como Ring ni Kakeru o Fûma no Kojirô, pero en esta parte los diseños se volvieron un poco más estilizados y las texturas en los Surplices fueron más elaboradas. Puse mucho esfuerzo y tiempo en esta parte para que fuera exitosa." Entrevista databook Jump Gold Selection #3 (1989) Kurumada: "Estaba decidido que muchos Saints, con certeza, morirían en la saga de Hades. Comparando las luchas que están por venir en la saga de Hades, la revuelta de Saga y el despertar de Poseidón, pueden ser tomados como simples incidentes. Creo que será una batalla grandiosa."
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Cuando la Batalla de las 12 Templos terminó, los Gold Saints se habían convertido en personajes muy populares. Después, cuando llegamos a Hades, quien reinaba sobre la muerte, me dije a mí mismo que seria una buena idea traerlos de vuelta; pero buscando ahora tomar la cabeza de Athena, siendo esto una fuerte revelación." No podemos teorizar si el guión de Hades estaba premeditado, pero hay posibilidades de que necesitara que la mitad de los Gold Saints murieran en la primera saga del Santuario para que pudieran convertirse en Specters en la saga de Hades-Santuario. Tampoco podemos intuir si tenía previsto que Hades se reencarnara en Shun. No podemos saber la cantidad de detalles que Kurumada planeó desde un principio o sobre la marcha.
Entrevista Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Himeno: "Los Setteis (bocetos) de los Gold Saints del Capítulo Hades continúan siguiendo el diseño de la teleserie, pero las nuevas versiones de los Gold Saints en Sapuris dibujadas en esta ocasión difieren un poco de sus versiones como Golds. Por ejemplo, dibujé la Sapuris de Piscis con su portador correcto pero en el antiguo settei utilicé sin embargo un hombre normal. Otra vez, ocurría que no sabíamos exactamente cómo se supone que iban a ser los personajes cuando dibujábamos los character sheets. Los rostros de algunos de los Gold Saints seguían siendo un completo misterio para nosotros."
Aiolos/Aioros (アイオロス): Kurumada lo derivó de Aeolos (Αiολος) Aeolus o Eolo, nombre griego original de Eolo, dios del viento en la mitología griega. Aioros es el único Caballero de Oro de su generación que no es resucitado por Hades como Espectro para que acabase con Athena en el Santuario. Hay mucha especulación por parte de los fans al respecto, pero no hay una explicación oficial. Lo más lógico es que Hades no se fiara de resucitar para matar a Athena a aquel que murió por salvarle la vida. Entrevista
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Aiolos no murió en la misma época que Saga y sus compañeros, parecía un poco fuera de lugar entre ellos. Además, yo quería que Saga fuese seguido por los miembros de su grupo como un líder de mayor edad. Si Aiolos hubiera sido resucitado, él probablemente se hubiera enfrentado a Saga. Es difícil imaginarlos luchando hombro con hombro en esta parte, ¿no?." (Risas.) Kurumada sugiere que a nivel argumental, no le era posible poner en escena a Aiolos junto a los otros renegados pues verlo como aliado de Saga habría sonado a falso ya que los dos hombres serían opuestos. Desde la perspectiva interna de la historia, es posible considerar varias teorías. Tal vez Hades ni siquiera trató de corromper al hombre que dio su vida para salvar a Atenea y que nunca habría aceptado tal tipo de misión, o quizás el alma de Aiolos no era simplemente accesible, pues esta última seguía residiendo en la Cloth de Sagitario, o bien Aiolos simplemente declinó la oferta de Hades. No son más que suposiciones y es poco probable que Kurumada vuelva sobre este punto para dar una explicación ligada con la historia. Sagitario: representa al centauro Quirón, quien fue un gran sabio y tutor de muchos héroes, del mismo modo que Aioros lo fue para los Santos de Bronce. Quirón sufrió una dolorosa herida incurable, que le obligó a ceder su inmortalidad para poder morir y escapar del dolor. Aioros viene de "Aeolus", divinidad del viento. Curiosamente, Kurumada representa al centauro con alas, cuando en realidad la criatura mítica no las poseía, quizás sea una manera de asociar a Pegaso con Sagitario.
Kurumada siendo Sagitario había planeado originalmente la existencia de una sola armadura de oro que sería el Sagitario, pero a petición de los lectores creó las restantes, revisó el guión de su historia y rediseñó una nueva armadura de oro de Sagitario que en gran medida fuera coincidente con las nuevas (de ahí la explicación de la desigualdad entre la primera y la segunda versión). La armadura que quería destacar se encuentra que es aquella que menos luce porque pertenece al único caballero que murió antes de la historia principal!. La razón por la que Masami Kurumada eligió el Gold Cloth de Sagitario como el más poderoso es debido a su simbolismo, relacionado con el protagonista Seiya. En japonés Seiya significa "flecha estelar" ("star arrow"), una metáfora de meteoro, y el Sagitario representa a un arquero, por lo que Kurumada pensó que sería una combinación perfecta para Seiya, puesto que ya tenía en mente que esa armadura de oro de Sagitario con el tiempo sería usada por Seiya en ciertas partes de su manga. Hasta ahora nunca se explicó dónde está el cuerpo del difunto Aiolos/Aioros. Se desconoce qué sucedió con el cuerpo de Aioros de Sagitario tras morir después de entregar a la diosa Athena a Mitsumasa Kido. En el Santuario existe una lápida con su nombre, pero no se sabe si su cuerpo se encuentra en esa tumba o es conmemorativa. La única aparición real de Aiolos tiene lugar en la destrucción del Muro de las Lamentaciones, ya que es un personaje que fallece antes del inicio cronológico de la serie (como Shion). Su historia es narrada de forma retrospectiva por otros personajes, como Saori, Shura, Saga o Aiolia.
Sion (シオン): El katakana coincide con el nombre de Israel en la antigüedad, Sion. En japonés "Shion" literalmente significaría "bendición del maestro", si su nombre se escribiera con kanji; pero Kurumada lo escribía en katakana, o sea que no tiene significado implícito.
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Es otro personaje que tenía pensado utilizar. El Pontífice fue un amigo de Dôko que también sobrevivió a la última Guerra Santa, pero como todavía no habíamos tenido la oportunidad de ver su rostro, es que decidí incluirlo entre los Saints resucitados. En cuanto a la idea de convertirlo en el maestro de Mû, fue sólo porque el Templo custodiado por Mû es el primero que debe atravesarse. Si se hubiera tratado de otro que no fuese su maestro, él lo hubiera expulsado del Templo de Aries. Fue por eso que Death Mask y Aphrodite fueron expulsados." (Risas.) Nota: dice de manera rara, pero en líneas generales, que hizo de Shion al maestro de Mu para que el Pontífice tuviera los medios de luchar contra la poderosa técnica Starlight Extinction. Entrevista
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Pensé esto por mucho tiempo. Para la transformación en su yo más joven, me inspiré en la espada dorada de Fûma no Kojirô (ôgon no ken)."
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "En una escena, Milo pone a prueba a Kanon con su Scarlet Needle, y con eso llega a la conclusión de que en ese lugar no hay ningún enemigo, sino un Gold Saint cuyo nombre es Gemini Kanon. Es una escena que yo tenia intención de dibujar. Los sentimientos de los personajes son primordiales en mis mangas. Esta clase de historias son muy populares en países como Francia; existen muchos fans de Saint Seiya en ese país." Entrevista
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Me preguntaba si al final debía hacer a Saga como un hombre que sufría de doble personalidad o si debía crearle un gemelo, y eventualmente hice ambos. Su nombre proviene de la palabra que naturalmente separa a los humanos en dos grupos de sexos (性: "genero/naturaleza"). Respecto a Kanon, puesto que es el hermano menor de Saga, tenía pensado nombrarlo Sega (nombre femenino de Saga), no bromeo. (Risas) De hecho no sabía qué elegir, entonces abrí un libro y encontré un lugar llamado “Isla Canon” (カノン島). Encontré que ese nombre no sonaba mal, así que lo tomé."
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Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "No es lo mismo. Francamente no creía en el éxito de la parte en que Kawai se convierte en Ashura. En cuanto a la revelación sobre Shun, fue una idea para sorprender a los lectores. En mis mangas lo más importante no es la trama principal; lo que importa es sorprender a los lectores. Para alcanzar esta meta yo no escatimo ninguna idea, aunque suene raro, eso significa que cada semana me torturo a mí mismo pensando en qué podría inventar para causar sorpresa." (Risas.) ●
Entrevista publicada en la sección Cosmo Talk del Saint Seiya Taizen,
agosto 2001 Kurumada: "Sí, es algo que había previsto desde el comienzo. Después de todo, las constelaciones del Zodiaco son las más simples a utilizar, y nombres como Leo o Sagitario tienen clase. En principio, es el tipo de constelaciones que podríamos estar tentados de usar desde el inicio, pero quería absolutamente guardarlas para los enemigos poderosos que llegarían más tarde en la historia. No tenía la intención de usarlas inmediatamente, y es por esa razón por la que escogí constelaciones como Pegaso o Cisne entre las que quedaban.” ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "No fue exactamente así. El último capítulo de Saint Seiya fue publicado en otra revista de Shûeisha, la V Jump, y no en la Shônen Jump. Pero los tomos recopilatorios juntaron todo en la misma publicación, y eso debe haber causado esa confusión."
"Saint Seiya" fue la primera obra de Masami Kurumada que fue transformada en animación, la sensación de movimiento de sus personajes cuando el primer episodio fue transmitido impresionó a Kurumada y nunca pudo olvidarlo. La razón por la que "Saint Seiya" se hizo tan popular fue porque la producción estuvo llena de entusiasmo y de una gran calidad artística. Especialmente el diseño artístico de Shingo Araki y la música de Seiji Yokoyama, ellos cambiaron "el manga de Kurumada" en una pieza excitante y perfecta. Los más importantes aspectos del manga se desarrollan en "el capítulo de Hades", parte que, a pesar de ser la última, se podría decir es el corazón o el centro de la historia. Durante la saga del Santuario se crearon numerosos caballeros que no estaban en la línea lógica del manga de Saint Seiya, porque no tienen orden o constelación que los identifique. Estos serán Docrates, el Ennetsu Saint (caballero de la llama), y los vergonzosos Caballeros de los abismos... lo peor de todo es que Bandai, productora de la serie, decidió utilizar el anime como escaparate publicitario para sus juguetes, por lo que se crearon a partir de cero los ridículos Steel Saints o Caballeros de Acero, que no harán más que algunas breves apariciones antes de desaparecer sin explicación, en desprecio de la lógica narrativa.
Los Steel Saints se insertaron en el anime a petición de Bandai por temas de Merchandising, para vender figuras de acción sobre ellos. Asimismo, el rediseño integral de la primera versión (V1) de los Bronze Cloths de los protagonistas (comparado con el que aparece en el manga) fue también debido a la petición de Bandai, se podría argumentar que fue para mejor. Los Steels Saints participaran en la emisión de la tercera temporada de la teleserie (que marca la llegada de los Silver Saints), aunque estos guerreros, de hecho, se presentaron al público en el episodio 25, correspondiente a la segunda temporada. La creación de los caballeros de acero está vinculada con el proceso de diseño de los juguetes de la animación. La adaptación del manga al anime se hizo en un tiempo récord, y lo mismo ocurrió con la fabricación de los juguetes de la franquicia Bandai - la serie salió al aire en octubre de 1.986, aunque el patrocinio de Bandai había sido firmado en septiembre de 1.986, justo un mes antes -. Bandai consideró necesario introducir tres personajes en la serie para ampliar el número de productos disponibles para los consumidores. Esta necesidad fue la que hizo nacer a los 3 caballeros de acero, que fueron diseñados con una armadura mecánica para atraer al público de baja edad. Una vez que la versión de la televisión se sincronizó con el manga, que se inmiscuía cada vez más en los mitos de Grecia, la aparición del trío High-Tech pareció una paradoja.
Pero mientras que los fans más entusiastas todavía discuten las ventajas de la participación de los caballeros de acero en la animación, la inserción de estos nuevos luchadores fue una decisión comercial irreprochable, teniendo en cuenta el enorme éxito de sus miniaturas entre los niños, ampliando el número de aficionados de la obra. A pesar de aparecer en sólo una docena de los capítulos exhibidos, los trajes mecánicos de apoyo se volvieron tan importantes para la franquicia que tenían una imagen perpetuada en los Eyecatch del anime (entre los episodios 27-73) y en los comerciales transmitidos por los patrocinadores. Entrevista para fans de Latinoamérica, sacada del foro SNK (2008) administrado por Jesus Schraidt. El Sr. SAWA, editor de la revista Champion Red, hizo de intermediario directo con MASAMI KURUMADA, estas son las respuestas a las preguntas que 10 fans miembros de la comunidad del foro tuvieron la oportunidad de hacerle después de ser seleccionadas como las más adecuadas. 9. El patriarca (Colombia), Dios Odin (El salvador) pregunta crucial para los fans: “Durante el desarrollo de la serie, la historia en anime sufrió cambios importantes en la trama, tanto en la serie regular como en las películas, pero los fans quisiéramos saber cuál es su participación de usted en dichos cambios, si solo fue Toei la autora de los mismos y de ser asi que tanto aprueba usted estos cambios pero principalmente, que VALIDEZ tienen los mismos dentro de la historia como producto final y de manera oficial.” *Kurumada responde: “La producción se desarrolla bajo previos arreglos y acuerdos, si esta cambia hacia un buen rumbo, creo que no hay ningún problema con tales cambios.”
Peor aún es la incoherencia que envuelve al personaje del Pontífice, mientras que en el manga Saga es presentado como el Pope usurpador, un individuo esquizofrénico cuya personalidad está tratando de limitar los excesos de su lado maléfico, la serie animada nos muestra un Pope malo total llamado Arles, rodeado por subalternos que orquesta un golpe de estado y el desvío de petroleros (!) ...
Es también durante este período que muchos episodios de subcontratados con estudios coreanos reducirán considerablemente la calidad técnica de la serie. Sin embargo, desde el comienzo de la batalla de las 12 casas y la entrada en escena de los Gold Saints (así como la desaparición de personajes penosos e innecesarios como los Steel Saints), las cosas vuelven al orden del manga. El diseño alcanza su cúspide gracias al dúo Shingo Araki y Michi Himeno (que habían ilustrado series prestigiosas como Albator 84, Lady Oscar o la última temporada de UFO Robot Grendizer), la animación entra en las normas de una serie de la época y la música, compuesta por Seiji Yokohama, alcanza el súmmum de calidad. Entrevista Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Para usted, ¿qué tipo de anime es Saint Seiya? Himeno: "Incluso cuando se detuvo en Japón, es un anime que continuó siendo emitido en diferentes partes del mundo. No pensé que tendría una influencia tan profunda durante tanto tiempo. Fue difícil animar a estos personajes con armadura en las escenas de acción. Para que la calidad gráfica no disminuyera, el trabajo de corrección de los douga fue particularmente árduo. Hay muchos personajes, dibujados con muchas características, e incluso incluimos muchas sombras y luces. Como animadora, creo que fue realmente un trabajo de una increíble dificultad. Pero al seguir haciendo estos dibujos sin descenso de calidad transmitimos nuestro entusiasmo a numerosos fans. Creo que es por eso que incluso ahora Saint Seiya sigue siendo amado por todos." Fuente:
SAINTSEIYAPEDIA
(Francia)Web francesa de dosieres y artículos sobre Saint Seiya
Autoría de Archange (Francia) Entre los años 2002 y 2011 se realizaron lanzamientos de discos DVD (llamados Box) donde se recogían los 114 episodios de la teleserie clásica y un pack con las 5 películas de "Los Caballeros del Zodíaco" (Saint Seiya), que vieron la luz entre 1986 y 2004 (La diosa malvada Eris, La batalla ardiente de los dioses, La leyenda del joven escarlata, Los guerreros de la última guerra santa y el Capítulo del Cielo-Overture), suponiendo todo un repaso por la historia de este legendario manga creado por Masami Kuramada. Se trata de una nueva edición remasterizada supervisada por la propia Toei Animation de DVDs contenidos en exclusivos estuches metálicos con detalles en relieve e ilustraciones de gran calidad, en cuyo interior además se podían encontrar pequeños libritos con la guía de los episodios de cada volumen. Cada Box llevaba material inédito y extras nunca vistos en Occidente, así como interesantes explicaciones y numerosa información de Toei Animation sobre la producción de la serie TV y los secretos del rodaje de las películas. NOTA: Como complemento al análisis del anime he incluido a continuación las excelentes informaciones traducidas del japonés al francés por el fan Archange de esas explicaciones de Toei contenidas en cada DVD Box. El primer semestre de 1986 se considera el punto de inflexión para la industria de la animación japonesa a mediados de los años 80. Los animes protagonizados por robots, buque insignia del género en ese momento, habían entrado en crisis, la vieja fórmula no estaba recibiendo más el éxito esperado. Series como "Gundam" (1979), máximo exponente de las animaciones con máquinas como protagonistas, experimentaron un colapso gradual, una caída vertiginosa de la audiencia. Por otro lado, la ascensión de la demanda de episodios producidos directamente en video (OVAs) culminó con el fracaso del merchandising de las animaciones. Con los productos derivados de las series varados en los estantes de las tiendas, las empresas de juguetes se enfrentaron a una situación desesperada. El daño fue irreversible con la cancelación de estas producciones - los otrora populares animes de mechas ya no podía ser servidos -. Las voces que promocionaban ese tipo de animación se quedaron en silencio, relegándolo a la extinción. En 1983, la televisión transmitía más de diez animes protagonizados por robots, sin embargo, en 1985 eran sólo cuatro.
La animación de Saint Seiya sacudió a todas las categorías del anime de moda, por lo general las series protagonizadas por robots, comedias y cuentos infantiles sobre brujas y magia. Fue un trabajo absolutamente pionero (incluso la palabra "fantasía" era relativamente desconocida en ese momento). La creencia de que la toma de posesión de un nuevo género se convirtiera en el sucesor de las series de robots obsoletos persuadió a los patrocinadores para invertir en el proyecto. La teleserie de Saint Seiya contó además con recursos que nunca antes habían sido considerados para una animación en televisión, disfrutando incluso de la generosidad de una tecnología de procesamiento óptico de nuevo desarrollo en aquel tiempo. Como era de esperar, las imágenes se apoderaron no sólo de los niños, sino de más público, adolescente y adulto, una legión de entusiastas de muchas edades. El anime se hizo famoso de la noche al día.
DVD
Pegasus Box En 1985 y principios de 1986 fue un período de preocupación para el mundo de la animación. Los animes de Robots, que por entonces eran el icono de referencia en la materia, se habían acumulado y el género se estancó. Por otro lado, el género de los Real Robots, lanzado por Gundam en 1979, comenzó a mostrar sus limitaciones. Además, la mayoría de la audiencia objetivo emigró a OVA orientados "otaku". En esa época las tasas de audiencia de los anime para televisión sufrieron mucho, así como las ventas de los productos derivados relacionados. Los fabricantes de juguetes se vieron especialmente afectados por esas reducciones. Y si los productos no se venden, es difícil encontrar patrocinadores para una serie. Muchas voces se levantaron entonces, tanto internas como externas, para denunciar los límites alcanzados por los animes de robots. Mientras que en 1983 aparecieron 10 series de robots en la televisión, en 1985 sólo se produjeron 4. Otro golpe dado al anime para la televisión fue la democratización de las consolas de videojuegos, lo que ofrecía la posibilidad de controlar el personaje en la pantalla.
Es en este contexto que Toei Doga (ahora Toei Animation) y TV Asahi trabajaron en un nuevo proyecto para la temporada de otoño 86. El slot horario era el sábado, a las 19 horas. En el canal TBS, el programa "Manga Nihon Mukashibanashi" (antiguas historias de Japón en manga) que se retransmitía tenía altos niveles de audiencia, así que necesitaba ofrecer un contenido de alto perfil, un show de héroes. Como las series de héroes en vivo tenían buenas audiencias, el nuevo proyecto deseado debía abordar una historia de héroes. Y como si fuera un golpe del destino, el manga de Saint Seiya acababa de empezar en la revista Shukan Shonen Jump 12 de 1986 (lanzada el 25 de noviembre 1985), escrito y dibujado por el popular mangaka Masami Kurumada. Adaptar sus obras de éxito ya se había sugerido antes, pero ningún proyecto había llegado a eso, el mundo de la animación estimaba que todavía era demasiado joven como mangaka. Y Saint Seiya fue la primera adaptación animada de una de sus obras de manga. La decisión de una adaptación al anime fue tomada casi después del comienzo del manga y Toei Doga comenzó a arreglar las cosas de forma muy rápida con la televisión y los patrocinadores. Tras apenas unos 6 meses después del comienzo del manga, en junio de 1986, una oferta en debida forma se presentó al autor y se confirmó la producción animada. El pedido para el guión del episodio 1 se previó para el mes de julio. Por su parte, el primer volumen encuadernado del manga no estaba previsto hasta el mes de septiembre, el hecho que hubiera una adaptación al anime tan rápida de un manga de Jump era algo inusual. Como el manga y el anime progresaron al mismo tiempo, la propuesta recibida por Toei sugirió que toda la historia girara entorno a las "Galaxian Wars", una especie de batalla real que involucró a 10 Bronze Saints. El enemigo sería Ikki y los Ankoku Phoenix. Y así, el opening, el ending y otros materiales relacionados con este programa hicieron destacar a los 10 Bronze Saints. El anime "Saint Seiya" no podía ser clasificado en la categoría de "Robots", ni "Magical Girl" o "Comedia", representaba un nuevo género (en aquella época el término "Fantasy" no era usado para eso). Por tanto, era necesario precisar esto a los patrocinadores, Saint Seiya se catalogó como una especie de ampliación o modificación de la categoría "Robots". Y esa fue la razón por la que Kozo Morishita, cuyo talento como director de animes de robots era reconocido, fue elegido como director en jefe. Como en el pasado había participado en producciones extranjeras, aplicó una serie de añadidos a los anime de Japón. Además de realizadores con experiencia, el equipo de producción también incluyó a jóvenes realizadores motivados. Además, la producción final se realizó con métodos de composición ópticos por entonces recientes, que permitieron obtener una calidad de imagen incomparable a la de otros animes de la época. Al final, el producto obtenido no sólo atrajo a los niños, su objetivo principal, sino que también atrajo al público otaku, y rápidamente se hizo muy popular. 1. Además de ser un gran éxito, los productos derivados relacionados con los Cloths de Saint Seiya (Saint Cloth Series) establecieron una nueva categoría de juguetes "Cloth asobi", designando a las "figuras que pueden acoplar armaduras". 2. Los carteles promocionales mostraron que los Steel Saints iban a ocupar un lugar importante en la trama, pero en última instancia ese no fue el caso en los episodios producidos. 3. Además de los cinco Bronze Saints principales, los otros 5 Bronze Saints del comienzo de la serie también eran prominentes. ●
Entrevista Editorial Star Comics - Italia (2001) Kurumada: "Ya que fue mi primera historia que fue adaptada a la animación, me quedé muy satisfecho. La música que fue usada como soundtrack (banda sonora) me ayudó a encontrar algunas ideas sobre cómo continuar la historia del manga. La exhibición de la teleserie comenzó mientras que el manga estaba en curso, por eso no tuve tiempo para trabajar en él, y lo he dejado en manos del staff responsable de la animación. Pero en la primera película he participado escribiendo el guión de la historia y he creado los Cloths de los cinco Saints enemigos." Entrevista
revista Figure Ô #109 – Japón (2006) Kurumada: "Quieres mi impresión sobre la música y de ver a mis dibujos moviéndose, ¿verdad? Estaba muy emocionado, y estaba particularmente interesado en la música que sería creada. Después de todo, aquello que uno hace en un manga carece de música, y ese es uno de sus puntos débiles. Es por eso que hay muchos personajes que usan técnicas musicales en los kurumangas. Lyra Orpheé, por ejemplo." Entrevista
revista
Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada:
"A las 7 en punto de la tarde, tuve un shock mientras el reloj
sonaba. Vi a los personajes correr juntos muy bien hechos. Y la música
de Seiji Yokoyama era magnifica. Entrevista
revista
Kami Pro - Japón (2010) Kurumada: "En el lado positivo, me hizo feliz; pero también existe una parte negativa. Primero lo primero, lo que me hizo feliz fue la publicidad, porque gracias a eso incluso aquellos que no leyeron mi manga hasta ese entonces, eventualmente pudieron conocerlo una vez que fue adaptado en anime y en películas. Con respecto a esto, mi maestro una vez me dijo: "cuando tu manga se convierte en anime, es como entregar a tu hija en matrimonio". Y usted entregó en matrimonio a su propia obra. Kurumada: "Sí. Y por lo tanto también me preguntaba cosas como: "¿la cuidarán apropiadamente?", "¿la tratarán de manera rara?". A veces no nos gusta decirlo, pero igual lo haces muchas veces." (Risas.) ●
Entrevista publicada en la sección Cosmo Talk del Saint Seiya Taizen,
agosto 2001 Kurumada : “Me dije que sería un buen apoyo para el manga. En general, que la gente que no leyera el manga descubriera a Saint Seiya en la televisión y se dijera entonces « no sabía que esa obra existiera! Leeré el manga! ». Una excelente publicidad destinada a la gente que no conocía los mangas de moda, a aquellos que no leen las revistas de manga, a aquellos que no conocían los mangas de Kurumada.” Anime y manga se asocian muy bien y cada uno es capaz de estimular la pasión del lector o del telespectador, pero en lo que le concierne, ¿qué pensó del anime al verlo? Kurumada : “El punto fuerte del anime es evidentemente beneficiar de sonido. El sonido es algo que es imposible de exprimir correctamente mediante onomatopeyas. Por ejemplo, cuando los personajes se estrellan violentamente contra algo, una simple onomatopeya no retranscribe verdaderamente la sensación. La fuerza aportada por el sonido es una cosa contra la cual la versión papel no se puede enfrentar.”
Entrevista
revista Figure Ô #109 –
Japón (2006) Kurumada: "Por supuesto, la escena del Muro de los Lamentos. En las profundidades del infierno, donde la luz no llega, es el muro que sólo puede ser destruido por la luz del sol. ¿Cómo harán nuestros héroes para pasar? Y también recomiendo la escena donde los doce Gold Saints se reúnen." Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Pues con este próximo estreno, la adaptación al anime de Saint Seiya está concluida. Creo que la animación de esta parte quedó cool, elegante y cálida, creo que este es el máximo nivel de animación. Yo participé en estas OVAS escribiendo la letra del ending Kami no Sono~Del Regno. Por favor no dejen de escuchar esta canción." Entrevista
revista
Saint
Cloth Chronicle – Japón (2008) Kurumada: "Gracias por mantenerse fieles a Saint Seiya y por seguir llevándolo en sus corazones. El mundo de Saint Seiya continuará creciendo y expandiéndose, por lo tanto, estén atentos a lo que podría suceder…"
Al igual que muchos mangas que experimentan el éxito, Saint Seiya fue rápidamente adaptado a la caricatura animada, aunque demasiado rápido como veremos.
Shingo Araki es el segundo padre de Saint Seiya, rediseñó los Saints de Kurumada con mejoras necesarias. Fue el autor de un gran cambio visual en el diseño de las armaduras. Salvo las armaduras de los protagonistas, las demás no sufrirían modificaciones significativas. Asimismo, supo crear personajes delgados cuyos músculos daban no obstante la impresión de gran vigor, siendo una de las particularidades de los dibujos de Araki, un detalle que sedujo a los fans.
TOKYO 2003: El diseño de las armaduras cambió en la versión animada. ¿Podría decirnos cómo fue el proceso? Araki: "Como me basé en el manga, el primer modelo que diseñé respetaba a las armaduras con el diseño original. Sin embargo, una vez que el proyecto comenzó a salir del papel y se planeó transformar a las viñetas en juguetes, comenzaron las interminables reuniones con representantes de Bandai. Por esta razón fue necesario mucho tiempo para llegar al diseño final. Tuve que seguir los prototipos de juguetes que Bandai fue creando a partir del manga. Entonces fue cuando empezó mi calvario." El nuevo diseño de Saint Seiya parecía chocante ... Araki: "Siempre quise componer este tipo de diseño. Siempre quise dibujar diseños maravillosos, muy impactantes ... y el trabajo de Seiya se interpuso en mi camino para darme esta oportunidad."
Al igual que la carrera a alta velocidad ... Araki: "Esa postura al correr, con el cuerpo inclinado hacia adelante, transmite al espectador la ilusión de que se imprime una gran velocidad. Pero en realidad, ese tipo de desplazamiento rápido no podría ser reproducido en la práctica. En la vida real, cuanto más corras, más mueves los brazos. Pero, como esto aumentaría considerablemente el número de fotogramas clave, ¿y si yo dejaba de mover los brazos? (Risas). Una sensación de velocidad nacida de una voluntad de ahorrar energía. Se trata de una restricción de la cantidad de imágenes, una ayuda a los animadores. Un segmento como este por lo general no tiene menos de 3.000 marcos. Fue muy elogiado por la producción, mediante un esfuerzo hercúleo, logramos una reducción del número de planos a 2.000. Lograr disminuir la cantidad visual de planos conservando el interés visual es uno de los verdaderos placeres del oficio." Jump
Gold Selection 2/Cross-talk (Kurumada-Araki-Koyama-Hatano-Kawata) Araki: "Algo que comprendimos muy bien desde que comenzamos el arco exclusivo del anime es que es más fácil expresar la tensión de las escenas cuando tenemos una base en manga. Y no sólo a nivel de la historia, sino también en lo relativo a los dibujos. Tener una viñeta del manga como base permite explorar diversas posibilidades a nuestra manera. En los animes de acción de robots, los movimientos tienen necesariamente una parte mecánica. Se puede predecir con exactitud de qué forma debe ser. Pero en el caso de un anime de acción como Saint Seiya, nadie puede decir con certeza cómo se deben llenar los vacíos entre las viñetas. Así por ejemplo, en escenas que muestran a los Saints corriendo, es posible darles una manera de moverse que no corresponda a lo que haría un ser humano normal. Poder elegir libremente las posturas de los personajes es un verdadero placer. Debemos poner nuestra imaginación a trabajar y preguntarnos si es mejor elegir una u otra solución en función de lo que hacen los personajes." Entrevista
revista Figure Ou - Japón (2007) Araki: "Lo hice para producir la sensación de velocidad. En realidad, la primera vez que se hizo esto fue en el viejo anime "Eight Man" (1963). La parte superior del cuerpo en realidad no se mueve, lo que significa que sólo las piernas se mueven. Incluso la técnica reduce el tiempo de trabajo del animador, esta forma de correr mejora eficazmente, siempre. La apariencia de mover sólo las piernas daba una sensación de velocidad. Este movimiento fue conectado a "Seiya" por mí." Saint Seiya es considerado por los críticos y fans el sumun de sus capacidades artísticas. ¿Que piensa al respecto?. Araki: "Efectivamente Saint Seiya nació con ese propósito. Si miramos a los Saints, se puede notar como representan los cinco modelos más recurrentes de mis obras: Seiya es el tipo temperamental como lo era Takuma Ichimonji (Danguard Ace) o Babil, Hyoga es el bello como lo eran Tony Herken (Danguard Ace) o Serg de Lulu de las flores: Shiryu puede ser el bello misterioso y frío como Daisuke Umon (Actarus, protagonista de Grendeizer) o Andre (La Rosa de Versailles); Ikki es un personaje maduro como Fersen (La Rosa de Versailles), y Shun finalmente, es un personaje de rostro fino y afeminado, es más que un hombre, que hace recordar a heroínas como Maria Antonieta (La Rosa de Versailles), Meg (la maga) o Maria (Grendeizer)."
El staff del anime introdujo movimientos particulares en cada personaje antes de ejecutar sus ataques para hacerlos más vistosos. Así fue como nacieron los movimientos de manos de Seiya para invocar sus meteoros (emulando la forma de la constelación de Pegaso), la danza de Hyoga para ejecutar sus ataques glaciales (que pocas veces apareció completa) y las poses de Shiryu, todos ellos más visibles en los primeros episodios.
Himeno estaba de acuerdo con la filosofía Araki cuando este dijo en una entrevista que era justo ser libre cuando se trabaja en adaptar un manga a dibujo animado y en el carácter design (diseño de personajes) para hacerlos más vistoso y agradable al espectador, pero en realidad se dió cuenta de que en ocasiones dibujó movimientos un poco excesivos en los Saints. Un claro ejemplo de ello son los movimientos de la danza del Cisne, que por su excesiva flexibilidad no respetan el esqueleto humano. [...] De hecho, Himeno reconoció que lo único que es normal en los Saints son sus rostros, que nunca se descomponen. Todos estos detalles del anime no se perciben en el manga, de hecho Himeno y Araki debatieron juntos muchos aspectos, tales como las escenas de transformación o de lucha de los Saints, véanse las cadenas de Andrómeda que se extienden, los juegos de luces, etc ... [...] y ellos se sintieron libres para colocar dentro del anime lo que quisieron.
Jump
Gold Selection 2/Cross-talk (Kurumada-Araki-Koyama-Hatano-Kawata) Kurumada: "Aquello que en particular me hizo decir «¡increíble! se pueden hacer este tipo de cosas gracias a una versión animada» es la danza de Hyoga. Esto es algo absolutamente inviable en manga. No podemos permitirnos volver a utilizar cada vez muchas páginas para una técnica que va a ser usada a menudo (risas)." Kawata : "Fue bastante inesperado. Pero por otro lado, es igualmente casi cómico (risas)." Kurumada : "En efecto, sólo hay una fina frontera con el gag." Araki: "Pensamos en esta postura con el realizador, ya que en el manga se pasa sin transición de una viñeta a otra. Y el trabajo de los animadores es precisamente llenar esos vacíos, y cuando esto se logra correctamente, nos decimos "Super!". En ese momento me dije: "¿No habré trascendido el manga? (Risas)." Kurumada: "Y gracias a eso, sólo necesito una viñeta en el manga con esta postura para que los lectores que también vean el anime puedan decirse "ah, está bailando! (Risas)."
La música también se hizo un factor muy importante y la labor de Seiji Yokohama para crear BGMs y tracks fue vital. Compuesta de una magistral mezcla de música clásica y cantos gregorianos con pop y rock, resultó en una amplia colección (recopilada después en diversos CD), que decoró perfectamente cada escena y etapa del anime. Tanto aquellos que aman y aquellos que odian la serie reconocen que tiene una de las mejores bandas sonoras que hay en la historia del anime. El opening "Pegasus Fantasy", obra del grupo Make-Up, es una de las canciones más conocidas de la animación japonesa, contrarrestado por el melódico ending titulado "Blue Forever" interpretado por Make-Up.
La saga del Santuario: Seiya vs Ikki De acuerdo con los manuscritos de la época de la planificación de la radiodifusión, la teleserie de Saint Seiya sería para un público de niños de escuela. Para que el programa complaciera al público más joven, la conversión / adaptación del manga en animación dio lugar a varios cambios / alteraciones en la historia. El mayor cambio inicial fue la inversión de la identidad del asesino infiltrado por el Santuario en el torneo Galaxian Wars. En el manga, Hyoga asume el papel de verdugo encubierto / ejecutor del Santuario, mientras que en el anime, Ikki fue el sicario designado al servicio del Santuario. Por esa razón, en los intervalos de los episodios, se mostraba una secuencia de un enfrentamiento entre Ikki y Seiya, los patrocinadores intercalaban viñetas con una ilustración de combate entre Seiya e Ikki. En esa ilustración las armaduras de Pegaso y Fénix tenían alas. Curiosamente, las armaduras aladas sólo aparecen una vez en toda la serie animada.
Colorizaciones - Fanarts de Raúl Estebanez (España) Los Bronze Cloths de Pegaso, Cisne y Fénix sí tienen alas. En la saga de Hades se ven las alas originales de sus armaduras. A pesar de la sorpresa de sus portadores, las alas de los cloths no son un secreto, la reacción de los protagonistas se debe a su desconocimiento, en los diagramas de Kurumada se pudieron ver dibujadas las alas... sólo que esas piezas se esconden al vestir el Cloth. Seiya menciona también que el ya sabía que el Pegasus Cloth tenía alas pero no sabía que tenían una función. Seguramente sólo funcionan para planear y controlar un salto muy alto hasta que alcanzan el estado pre-God Cloth, antes de eso, probablemente no son mas que ornamentos...
Bandai, que era el principal patrocinador de la serie, lanzó juguetes de las armaduras de Pegaso, Cisne y Fénix adaptadas para equiparse con alas, no obstante ese accesorio volador nunca fue usado en la teleserie clásica. A pesar de ello, fue posible validar su forma en el video publicitario ("still") para las armaduras de Fénix y Pegaso. Esa introducción fue utilizada en los momentos de presentación de los anuncios comerciales del patrocinador del programa. STILL IMAGE: puede ser traducido como un fotograma (frame) de algo estático, la imagen muestra a Seiya e Ikki en posiciones estáticas pero ambos dibujos se aproximaban simulando una acción de lucha entre ellos.
Entrevista Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) ¿Prefiere usted hacer el trabajo de character design (settei) o trabajar en la producción de un episodio? “Me gustan los dos. En ambos casos se trata de dibujar. Araki-san y yo pensamos que en la animación japonesa, no es un problema que las imágenes se detengan, mientras sean bonitas. Y cuando hacemos mover las cosas, hace falta que se muevan correctamente. Es la modulación entre imágenes fijas e imágenes en movimiento que es bella. En el momento de la introducción de un personaje, detenerse para escribir su nombre en la parte inferior de la pantalla, o bien tener un ligero tiempo muerto justo antes de la secuencia de transformación en las series con efectos especiales tokusatsu (X-or, Bioman, etc.), es algo que está mal comprendido en el extranjero. Este pequeño intervalo es una característica de la cultura japonesa que nos viene del No y del Kabuki. Es muy apreciado. Por supuesto, hacer mover todo en permanencia como en los dibujos animados de Disney es igualmente muy interesante, así como crear y dar vida a un entorno. Desde hace poco, los extranjeros imitan a la animación japonesa. No es de extrañar, ya que son tan competentes como los japoneses. El número de personas calificadas es cada vez mayor. Espero que este talento se desarrolle en toda Asia, como ocurrió con la costura, por ejemplo. Si son capaces de trabajar en buenas condiciones, desarrollar proyectos personales y obtener su independencia, sus producciones mejorarán enormemente. Además de preservar la calidad, en el caso de las series de TV se debe igualmente respetar el calendario. Araki-san siempre hizo todo lo posible para cumplir en el tiempo asignado, incluso hasta agotarse con la tarea. La actitud de Araki-san en el trabajo era a la vez estricta y sincera.” La planificación de la serie en anime y la publicación del manga fueron simultáneos, se presentó la idea de que la aparición de Ikki y su ejército de fénix negros fuera utilizada como foco del proyecto, sin embargo, había un consenso de que la temática giraba entorno a los 10 Santos de Bronce que luchaban entre sí por el Gold Cloth en el torneo Galaxian Wars (esta confluencia de factores fue la razón por la cual los diez caballeros se muestran en la apertura y cierre del anime). Si el comienzo respeta bastante fielmente la trama del manga, con el torneo galáctico y la lucha contra los Caballeros Negros, la emisión semanal de la teleserie atrapará rápidamente al manga. Los guionistas se vieron obligados a añadir muchos elementos para alargar la historia y permitir que el mangaka siguiera adelante y tomara ventaja, y ahí es donde surge el problema: mientras Masami Kurumada desarrolla un universo coherente, los guionistas de la teleserie no lo tienen en cuenta.
Las adaptaciones se hicieron al inicio del diseño de la serie de televisión, momento en el que el manga estaba en la fase de publicación de los Black Saints. En aquel momento, el desarrollo de la saga del Santuario seguía siendo todo un misterio, razón por la que se estableció que los Black Saints o caballeros negros, liderados por Ikki, serían los villanos de la primera temporada del anime. Como Ikki se convertiría en un aliado en la segunda temporada, era necesario dar énfasis al carácter corrupto del Santuario, ello se evidenció con la introducción de personajes como el jefe del estado mayor, Gigas, y el innoble Phaeton, su hombre de confianza. La aparición de estos personajes fue el preludio de la creación de muchas otras figuras de acción de Bandai exclusivas de la animación. Debido a estas medidas, se hizo patente el antagonismo entre el Santuario maniqueísta que pretendía dominar el mundo y la fundación Graude de Kido que se oponía a su despótica ambición. Todo el mundo se convirtió en escenario de batallas sangrientas, un factor que condujo al enriquecimiento de la serie con numerosas escenas de lucha. La tercera temporada de la serie consolidó la audiencia, la prospección en el manga de los Silver Saints y la adopción de los cambios más significativos en el argumento en relación con el manga. Llegó un punto que la salida de cada episodio le pisaba los talones a la publicación de los capítulos en el manga, lo que derivó en personajes y combates inventados para estirar la brecha, lo que conllevó algunas situaciones confusas (sobretodo porque ni siquiera en el manga estaban resueltas), aun así la teleserie llegó al final de las 12 casas sin recurrir a enormes y graves rellenos.
Para poder catalogar a los personajes inventados se agregó la explicación de que existen algunos guerreros de Atenea que fueron recompensados con armaduras sagradas que no están protegidas por ninguna constelación, pero que eso no impedía que desarrollaran su energía cósmica y sus armaduras fueran igual de valiosas. Aunque esto no valía para los Steel Saints, que siempre fueron declarados como personajes sin Cosmo ni armaduras sagradas reales. Entrevista a Takao Koyama, guionista principal de la teleserie de 1986. Aparecida en el Dragon Box en 2003. Los personajes exclusivos del anime para actuar como asesinos enviados por el Santuario fueron sugeridos por Koyama. Koyama: “El manga y el anime se producían simultáneamente, y sucedía que me quedaba realmente sorprendido al descubrir la dirección que tomaba el manga. Hacia el episodio 20, el manga había avanzado lo suficiente como para que supiéramos hacia donde iba, y para los episodios 21/22 se decidió volver a la historia original. Pero como habíamos experimentado varios enfoques hasta ese momento, tuvimos que deshacernos de personajes que nunca podrían estar presentes en el manga. Phaeton por ejemplo (risas). Como de todos modos hacía falta que abandonara la historia, en lugar de establecer su partida de forma elaborada, se lo hizo desaparecer. Así, ello dejó más tiempo para mostrar los pasajes que todo el mundo quería ver. La inclusión de los Steel Saints fue un fracaso. Recuerdo aun el desastre que causó en el estudio. El resultado fue que también desaparecieron de la serie sin previo aviso (risas). Al comienzo de la serie, fueron añadidos intencionadamente elementos cómicos. El empleo de niños en el orfanato de las estrellas es un ejemplo concreto de este deseo.”
Entrevista
Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Himeno: La aparición de los Ghost Saints de Geist fue un shock para los telespectadores, ya que tenían la imagen de personajes misteriosos. Las capas que llevaban personajes como Docrates y Crystal Saint permitieron restituir la atmósfera de la Grecia antigua, pero tenían la ventaja de reducir el trabajo. Para un animador es agradable cuando la armadura está escondida por una capa. Para dibujar a los Gold Saints de cara hay muchas características que hacer y no podemos evitarlo, pero de espaldas gracias a la capa es mucho más simple." Takao Koyama: "Yo sólo creé el nombre de Docrates. No pensé en ninguna constelación para él. Su nombre fue porque al ser malvado utilicé la palabra "veneno" ("Doku"), y tomando como base a Sócrates, el filosofo de la Antigua Grecia, quedó "(Doku)rates". En el manga, el grupo de asesinos del Santuario constaba de trece caballeros de plata, sin embargo, era prácticamente imposible condensar la participación de estos enemigos en tan sólo tres episodios, lo que llevó a la creación de nuevos caballeros para enfrentar a los protagonistas en más episodios. En ese momento, el manga ganó más y más autonomía gracias a la publicación de la saga de las 12 casas. Tras esta ascensión y con el fin de ajustar la introducción de la batalla del Santuario en la animación, se produjeron episodios propicios centrados en los cinco Santos de Bronce protagonistas. Para poder catalogar a los personajes inventados por el anime se agregó la explicación de que eran guerreros de Atenea recompensados con armaduras sagradas no protegidas pero ninguna constelación, pero eso no impedía que desarrollaran su cosmos. Los Steel Saints fueron declarados como personas sin cosmo ni armaduras sagradas reales.
Crystal Saint fue creado sobre la marcha debido a que Hyoga no tenía maestro 100% seguro o algún lazo fuerte con algún personaje todavía vivo al iniciar la historia. Es un personaje de peinado punk. Cuando Kurumada se definió por Camus de Acuario como tutor de Hyoga, Crystal terminó siendo el alumno de Camus también, y Camus sería el "Maestro de maestros de hielo". En cuanto a la armadura de Crystal, la duda sobre la constelación o estrella que representaba no se resolvió hasta 2007, cuando salió su figura en formato Myth CLoth, revelando que la armadura tenía, justamente, una forma de cristal de hielo.
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Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Sí, claro. Por ejemplo, en la primera película, hice el diseño y cree los nombres de los enemigos. Las técnicas ya no recuerdo si fueron idea mía. Las películas siguientes, las deje por cuenta del equipo de producción. Pero ayude un poco en el guión y en el diseño de algunos personajes." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Pasa que el anime siempre terminaba alcanzando cronológicamente al manga. En esos momentos, el equipo de producción de animación necesitaba crear sus propias historias para llenar el espacio y esperar hasta que el manga tuviera tomos suficientes para poder retomar la línea. Por eso suceden esos casos. Luego apareció Aquarius Camus y… “¡Opa! ¿Qué está sucediendo aquí?”. (Risas.)" ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "No. Aquel fue un personaje que nada tiene que ver conmigo." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "A causa de la naturaleza del anime, que exige una cantidad mucho mayor de dibujos, los detalles fueron sacrificados. Por lo tanto, yo dejé al equipo de producción de anime hacerlo de la forma que ellos creyeran conveniente, porque son trabajos diferentes. No me importó. Prefiero ver el anime de una forma más amplia. Por ejemplo, la música, el trazo de los dibujos. Tiene episodios bien dibujados y otros no, creo que todos perciben eso. Por eso, para mí, lo que importa en el anime son los dibujos y la música. La música para mi es fundamental. Ella puede emocionar a las personas, independientemente de la imagen."
DVD
Dragon Box Cuando el proyecto del anime de Saint Seiya fue estudiado, la audiencia objetivo escogida fueron los niños de los últimos años de la escuela primaria. Muchos cambios tuvieron lugar cuando se produjo la conversión manga-anime para adaptar la obra a un público más joven, pero hubo una aplastante reacción por parte de niños y jóvenes de mayor edad (siendo particularmente increíbles las de las chicas en relación con Shun que enviaban cartas a la dirección). La mayor modificación al principio de la historia fue el papel de Hyoga, enviado al torneo Galaxian Wars como un asesino por el Santuario en el manga, mientras que en el anime ese papel fue asignado a Ikki. Por esa razón, al final de los episodios, durante la visualización de los patrocinadores, se utilizó una imagen que muestra a Seiya contra Ikki (única imagen del anime mostrando a Seiya e Ikki con alas en los Cloths). Este cambio se debe al hecho de que en el lanzamiento del proyecto el manga abordaba la etapa de los Black Saints y el Santuario aún no había sido puesto al frente de la escena. Es por eso que los enemigos que ocupaban entonces el primer plano eran Ikki y los Black Saints que le obedecían. En la segunda etapa, Ikki se había pasado al lado de los héroes, y para fortalecer el lado maléfico del Santuario, se añadieron personajes responsables de sus tropas, como Gigas y Phaeton. Muchos Saints inéditos también fueron añadidos. Así, la historia se presentó claramente como un conflicto entre el Santuario, que buscaba dominar el mundo, y la Fundación Graad, determinada a protegerlo. Las batallas tomaron un carácter internacional, y situaciones variadas de combate pudieron ser mostradas.
La tercera etapa, que ancló la popularidad de la serie, marca la llegada de los Silver Saints, como en el manga, pero se produjeron, sin embargo, muchos cambios. En el manga original, 13 Silver Saints fueron enviados como asesinos, pero desde el punto de vista de los episodios, algún Saint fue trasladado a otro lugar para mantener grupos de 3 episodios, y también se añadieron nuevos Saints. En ese momento el manga alcanzó el capítulo de las 12 Casas del Zodíaco, etapa particularmente popular, y para preparar el anime de este arco que obviamente acabaría por llegar, episodios centrados en los Bronze Saints también fueron añadidos. Entrevista para fans de Latinoamérica, sacada del foro SNK (2008) administrado por Jesus Schraidt. El Sr. SAWA, editor de la revista Champion Red, hizo de intermediario directo con MASAMI KURUMADA, estas son las respuestas a las preguntas que 10 fans miembros de la comunidad del foro tuvieron la oportunidad de hacerle después de ser seleccionadas como las más adecuadas. 7. Boreas (Portugal) pregunta: “Tengo curiosidad en saber si Kurumada pensó y/o ha creado los esquemas de todos los caballeros de plata que deben de existir. Si es así, quisiera saber cuáles son los escogidos además de los 16 del manga, y por qué razón incluyó a una constelación que no pertenece a las 88, la de Cerbero.” *Kurumada responde: “Sobre los caballeros de plata, es aún un secreto, que quisiera que esperaran con emoción a que se revelara. Sobre ese descubrimiento actual, ya que la la historia está basada en la mitología no me causa mucha preocupación.” Lo que probablemente merece una mención especial en esta tercera etapa es la presencia de los Steel Saints (aunque para ser exactos, en realidad estos aparecieron al final de la segunda etapa, episodio 25). Antes de abordar el tema de los Steel Saints, conviene presentar la situación de los productos derivados de Saint Seiya en aquella época. El Pegasus Box ya precisó porqué el anime de Saint Seiya llegó inusualmente tan rápido después del manga: debido a que el patrocinador y fabricante de juguetes Bandai quiso una emisión desde el mes de septiembre en lugar de octubre. Aunque el fabricante participó en el proyecto, sin embargo, ello supuso un tiempo de desarrollo extremadamente corto para él también. Y es por eso que los productos Bandai editados se resumen a seis objetos: las Saint Cloth Series de los 5 héroes y el guante "Pegasus Ryusei Ken". Como se trataba de productos completamente nuevos sobre personajes inéditos, no era demasiado difícil convencer a los distribuidores durante los business meeting de Otoño 86. Y a finales de 1986, los propietarios de las tiendas informaron del agotamiento de los stock de los Saint Cloth Series en un tiempo relámpago. Entonces se aprobó una nueva producción de forma inmediata (a partir del mes de abril 1987 las cajas ventana fueron abandonadas con el fin de acelerar el ritmo de producción, este nuevo formato se convirtió finalmente en el formato básico para el resto de los Saint Cloth Series). Dado que Bandai pensó que los antagonistas no se venderían, los Black Saints fueron editados en figuras especiales de edición limitada. Pero rápidamente se agotaron los stock, y Bandai tomó conciencia que debía seguir produciendo nuevos modelos de la gama Saint Cloth Series. En un principio, la comercialización de los otros Bronze Saints y los Silver Saints se había considerado, pero fue finalmente ignorada por la misma razón mencionada anteriormente, y en su lugar se pusieron a la venta los "Heavy Metal Cloth", una especie de "Saint Cloth Series DX". Pero las tiendas continuaron pidiendo otros modelos de la gama Saint Cloth Series, y por ello se decidió incluir tres nuevos personajes en el anime, que se utilizarían para las nuevas figuras. Así nacieron los Steel Saints, que tenían Cloths mecánicos para hacer frente a las capas más jóvenes de espectadores. Como el aspecto mitológico griego se reforzó luego en el manga, el hecho de tener al mismo tiempo a los Steel Saints que contrastaban totalmente con el ambiente dio lugar a cierta confusión, que se reflejó en su participación. Muchas opiniones divergentes se escucharon desde las capas de público de mayor edad sobre el papel de los Steel Saints en el anime, pero desde un punto de vista de los productos derivados, estos fueron un gran éxito entre los niños de maternal, lo que permitió expandir la amplitud de seguidores entre el público. Así que incluso si sólo aparecen en 12 episodios, los Steel Saints permanecieron, sin embargo, estando presentes en los eyecatch y los créditos de los patrocinadores finales de los episodios 26 a 73. La tercera etapa terminó en el episodio 39, y el anime entró de lleno en la parte de los Gold Saints y las Casas del Zodiaco, período durante el cual la popularidad de Saint Seiya explotó. 1. Llegados al episodio 39, el manga y el anime estaban sincronizados, y se mantuvo constante la popularidad del programa.
2. Los Setteis rechazados de los Steel Saints. Al principio se suponía que debían aparecer regularmente en la misma forma que los personajes principales, y los primeros diseños los representaban como hombres jóvenes y guapos. En ese momento, los equipos juveniles eran increíblemente populares. Es interesante ver hasta que punto los primeros jets de Daichi, Sho y Ushio estaban lejos del resultado final. Los diseños de sus Cloths eran también muy diferentes.
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Andromeda Box Mientras que la obra original continuava en manga, la adaptación animada había sufrido varias experiencias que trataban de captar la esencia del manga. Estas medidas fueron tomadas debido a que por entonces no había suficiente material original para adaptar, y cuando el manga tomó suficiente ventaja, la ocasión de rectificar la historia para que se volviera más próxima al manga se presentó. Y fue así que el anime entró en su cuarta 'cour' (argot de la animación japonesa que designa un lote de 13 episodios), el Jūnikyū-hen tan popular en el manga y en el que aparecen los Gold Saints.
La popularidad estaba, por entonces, firmemente establecida. Esta tendencia se reflejaba muy claramente en la comercialización, donde los productos de todo tipo fueron puestos a la venta y se convirtieron en grandes éxitos. La serie de figuras Saint Cloth Series trajo una nueva manera de divertirse en el sector de los juguetes para los niños con su principio de armadura endosable, y en la cima de la popularidad estaba la gama de los Gold Cloths, entre los cuales Géminis o Libra se encontraban fuera de stock desde su puesta en venta. Si fue posible comercializar los doce Gold Saints durante la emisión del arco Jūnikyū se debe a que el diseño de los Cloths estaban terminados desde que aparecieron anteriormente en el manga. Como entre los Gold Saints Shura, Aphrodite y Saga aún no habían aparecido, se mostraron en la parte frontal con una sombra en la cara, mientras que del lado de Bandai la fabricación de sus prototipos ya había comenzado. Y estos productos pudieron ser presentados en junio de 1987 en el Tokyo Omocha Show para aprovechar la ola en el momento adecuado.
En lo que concierne a los videojuegos, que por entonces estaban amparados por la "kid's culture", el juego "Saint Seiya - Ōgon densetsu" ("Saint Seiya - La Leyenda de oro") fue un gran éxito. Como este juego fue lanzado durante la publicación del Jūnikyū en el manga, la verdadera apariencia del Pontífice, el boss final del juego, fue la de convertirse en un Saint misterioso escogido entre las contribuciones de los lectores. Las ventas satisfactorias llevaron a la salida de una continuación el año siguiente bajo el título de "Saint Seiya - Ōgon densetsu tsuzuki-hen"("Saint Seiya - La Leyenda de oro - continuación"). Además, el departamento de edición del Shōnen Jump, revista de Shūeisha en la que se publicaba la serie en manga, empezó a vender Anime Mooks. Hasta ese momento, los únicos Anime Mooks de Shūeisha habían sido editados por el departamento de edición a cargo de las producciones animadas para el cine, como el film de "Uchū Senkan Yamato", y la única obra inspirada en una serie de Shōnen Jump que tuvo derecho a un Anime Mook fue el film de "Dr. Slump". En este contexto, que Saint Seiya como serie de televisión pudiera tener derecho a un Anime Mook era una consagración increíble (los invitamos a leer la página que explica la publicación de este volumen si quieren conocer más detalles sobre las etapas de su concepción). Por otra parte, la compilación de "Shōnen Jump Special Edition - Saint Seiya Cosmo Special" se inició en paralelo con el trabajo en el Mook. Volúmenes especiales habían sido previamente publicados en esta colección para series como "Kinnikuman", "Dr. Slump", "Captain Tsubasa" o "Dragon Ball". Este "Cosmo Special" se posicionaba como una mejora de esta serie de volúmenes especiales y por ello benefició de diferentes ajustes y reorganizaciones para que fuera diferente y complementario del Anime Mook, dando lugar a todo un nuevo estilo de presentación. La primera película de Saint Seiya se estrenó en los cines en julio de 1987 y se convirtió en un gran éxito gracias a la sinergia proporcionada por el manga y la serie de TV. El arco de Jūnikyū-hen aún no había terminado, y la producción de la serie continuó casi simultáneamente. La batalla del Santuario terminó el 14 de marzo en el Shonen Jump 14, y en ese momento el guión de la serie de televisión sólo tenía 5 semanas de retraso en relación con el manga. Aunque la producción estaba lanzada desde que los 'Nemu' del manga (nombre dado al storyboard del capítulo elaborado por un mangaka, antes de entregar las tablas finales) estaban disponibles, el planning no dejaba de ser demencial, y podíamos darnos cuenta de la resistencia de los equipos de producción de Toei en esa época. Además, se añadieron dos episodios anexos a la historia antes del combate contra Shaka en la casa de Virgo, para que el duelo entre Ikki y Shaka fuera más intenso, y no podemos pasar por alto el encanto de esos añadidos. Todo fue implementado con el fin de que los diversos pequeños momentos añadidos al principio del arco, para permitir al manga tomar ventaja, pudieran encajar armoniosamente en el Jūnikyū-hen. El Jūnikyū-hen concluyó a continuación en el manga y la historia abordó el capítulo de Poseidón. En la serie de televisión, se decidió producir un arco exclusivo esperando que el manga avanzara lo suficiente en el arco de Poseidón. El productor Kawada de TV Asahi, el productor Hatano de Toei Doga (hoy Toei Producción), el director de la serie Morishita, el compositor de la serie Koyama y otros miembros del staff principal se reunieron y comenzaron a intercambiar ideas sobre este nuevo arco.
El Cosmo Special es un libro especial sobre el manga. A diferencia de las ediciones especiales publicadas previamente por el Shonen Jump, este libro trata en profundidad el contenido de la obra. Así, ciertas informaciones sobre el manga fueron reveladas de antemano, tales como la existencia de Hades o lo que concierne al hermano menor de Saga. En cuanto al anime, este libro se limita a presentar la tercera película llamada "la leyenda del joven ardiente". Como este libro fue compilado al mismo tiempo que el Anime Especial, varias informaciones fueron compartidas, tales como las fechas de nacimiento de los Saints. El staff del anime se mostró muy satisfecho por poder beneficiarse de estos datos, que permanecieron oscuros en el manga.
La saga de Asgard Por otra parte, la serie atrapa al manga, que acaba de comenzar su segundo capítulo. Los guionistas de la serie necesitan innovar. Pero esta vez integrarán todos los códigos del manga y buscarán su inspiración en los mitos nórdicos. Así nació Asgard, la parte más interesante de la serie animada. Al necesitar dar tiempo al manga para que avanzara lo suficiente y poder adaptarlo todo con mejor planning, nació la idea de crear una nueva saga completa, la saga de Asgard, inspirándose en una historia corta publicada en el tomo 13 (Natassia en el país de los hielos, con Hyoga de protagonista) para crear situaciones y personajes que emularan el impacto de los Gold Saints entre los espectadores. ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Como máximo le di una mirada al guión, pero no participe de ella. Sólo creo que la Saga de Asgard terminó siendo muy larga, y que la de Poseidón termino siendo corta a causa de eso." Entrevista
Editorial Glenat - España (2011) Kurumada: "Es Toei Animation la que preparó el guión original de la Saga de Asgard, y lo que hice yo fue darles consejos." La saga de Asgard fue creada para alargar la teleserie Ante la falta de viñetas del manga para adaptar a la animación se decidió por la producción de una secuela de 24 capítulos autóctonos / independientes hasta que hubiera provisión del manga ubicados en el extremo norte de Europa que serviría de puente para la saga de Poseidón, algo que fue visto como un acto temerario pero los riesgos fueron calculados meticulosamente por la ineludible sensación de que el staff de la animación estaba preparado y era apto para concebir historias basadas en su propia interpretación del universo de la obra del manga. La epopeya del anillo dorado fue concebida sobre las bases del film presentado el 3 de marzo de 1988 "La Gran Batalla de los dioses", película dirigida por Shigeyasu Yamauchi, quien se convertiría en el Director jefe de la saga de Hades capítulo Santuario. El proceso de producción se inició cuando la batalla de las 12 casas llegava a la TV. Los capítulos que conforman la epopeya del anillo dorado (74-99), también llamada saga del Extremo Norte de Europa (Asgard), son aclamados como obras maestras entre los episodios exclusivos de animación. Toei concibió una historia extrínseca sin falsificar ni deformar a la obra original. La decisión de producir una secuencia de 24 capítulos autónomos del manga fue un acto digno de elogio, dada su temeraria naturaleza. Sin embargo, los riesgos de este esfuerzo se calcularon meticulosamente, ya que la producción de la primera película reavivó la sensación ineludible de que el staff de Toei era capaz de concebir historias basadas en su propia percepción del universo de la obra. La epopeya del anillo dorado fue construida sobre la base de la película 2 presentada al público el 3 de marzo de 1988, "La Gran Batalla de los Dioses", un especial que narra los enfrentamientos de Seiya y sus amigos, Saints cuyo origen está estrechamente ligado a los mitos de Grecia, y combatientes inspirados en la mitología nórdica. En la época de publicación de la saga de Poseidón en el manga, no había existencias de cómics para adaptar al anime, por lo que se hizo físicamente imposible continuar la teleserie tras la batalla de las 12 casas. Esto motivó la decisión de producir y transmitir episodios independientes hasta que hubiera una provisión de páginas. Se hizo un memorándum de la trama y, salvo algunas excepciones, los episodios de la saga fueron bastante fieles al mismo, que puede ser considerado la matriz de la Saga de Asgard. Según el memorándum, el resultado de las aventuras en el país glacial serviría como puente hacia la saga de Poseidón, tras revelar la verdadera naturaleza de aquella entidad que acechaba en las sombras para manipular a Asgard. Los God Warriors fueron, una vez más, los enemigos que se interponen en el camino de los héroes, sin embargo, hubo una diferencia abismal con respecto a la base presentada en la película. Disparidad que se hizo patente en diversos aspectos de la nueva saga, especialmente en las complejas historias personales de cada uno de los antagonistas. Aquí, el drama, la tragedia y, posteriormente, una época fuera del tiempo de Saint Seiya (Asgard es un lugar medieval totalmente anacrónico) llegan a la cumbre. Los adversarios de nuestros héroes tienen un pasado, una personalidad, una razón para actuar, que será revelada durante los intensos combates con un patetismo híper desarrollado. La realización técnica y la música son también de alta calidad y contribuyen a que Asgard sea probablemente la mejor temporada de la serie animada. La saga de Asgard exclusiva para el anime, fue idea de Takao Koyama, guionista principal de la teleserie de 1986, y su equipo, que no sólo se ocuparon de la historia general, sino que también fueron responsables de muchos detalles, como la elección de los nombres de las técnicas. Shingo Araki y Michi Himeno diseñaron a los God Warriors, el character design adoptó formas más agudas y flexibles alcanzando Saint Seiya en ese momento el zenit y plenitud como animación televisiva, y el esbozo conceptual de los God Robes fue idealizado por el equipo de Bandai. Los Bronze Cloths fueron renovados para equipararlos a los diseños de las armaduras de los Saints en la saga de Poseidón del manga. Debido al comienzo de la nueva fase, el molde y complexión de los personajes fue renovado, también se planificó una unificación del diseño de las armaduras del anime con las del manga. Los God Warriors causaron un gran impacto en la serie en virtud de sus marcantes atributos personales, como un pasado denso y una fuerte personalidad. Entrevista Saint Seiya Pia Mook - Japón (2012) Himeno: "Para los personajes de las películas, partimos de los borradores de Kurumada-sensei. Añadimos pieles a las armaduras de la segunda película (La ardiente batalla de los dioses), ya que es un elemento que recuerda a los vikingos." Durante la saga de Asgard, Araki delegó la mayor cantidad de su trabajo y decisiones a su asistente Michi Himeno, lo que derivó en marcadas diferencias respecto a la saga precedente: animación más fluida, cuerpos más largos y delgados, cambio en el diseño de las armaduras (estables para ese entonces en el manga) aprovechando la destrucción de la versión anterior en la batalla de las 12 casas. El cambio fue más notable al contar con un nuevo opening y ending: "Soldier Dream" y "Blue Dream" interpretados por Hironobu Kageyama. Con 26 episodios Asgard ganó adeptos y detractores, para culminar conectando con la saga de Poseidón y así seguir con la historia planteada originalmente por el autor del manga, ya con un amplio margen de historia para adaptar.
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Cygnus Box Los character sheets se actualizaron en el comienzo de esta nueva serie y varias cosas como la apariencia de los personajes cambiaron. Los diseños de los Cloths se hicieron bajo la base del manga. El trabajo más exitoso entre los episodios exclusivos del anime es sin duda el "capítulo del Anillo de Oro", también llamado "Capítulo Asgard", que se extiende de los episodios 74 a 99. Había habido una cierta cantidad de episodios exclusivos one-shot producidos hasta ese momento, pero decidir producir 24 nuevos episodios inéditos fue una decisión consecuente. Sin embargo, esta decisión se basó en estimaciones minuciosas, y después de hacer la primera película, el staff consideró que era bastante plausible producir episodios originales que fueran fieles a la visión de la obra.
El "Capítulo del Anillo de Oro" fue concebido como una reconstrucción basada en la segunda película, que debía emitirse el 12 de marzo 1988 y denominada "Saint Seiya - La ardiente batalla de los dioses". En lugar de construirse sobre la mitología griega, tema en el que estaban basados Seiya y sus compañeros, esta película annexa empleaba la mitología nórdica como background para los adversarios, denominados God Warriors, y que los Saints debían enfrentar. Esta película de animación fue la primera en la que trabajó Shigeyasu Yamauchi -luego realizador en jefe de Saint Seiya Hades Junikyu-hen- como director. Este film expresó perfectamente el estilo de Saint Seiya y permanece aún hoy en gran estima entre los fans. En el manga, la continuación con la saga de Poseidón era segura, pero dada la pequeña ventaja que el manga tenía en relación con el anime, encadenar directamente la parte de Poseidón en la teleserie hubiera sido técnicamente imposible, por lo que se decidió producir episodios inéditos en espera de que los capítulos de avance del manga se pudieran acumular.
El diseño del Odin Robe, objeto clave de la saga de Asgard, fue desarrollado a partir del prototipo del God Robe de la estrella Delta, razón de la curiosa semejanza entre ambas armaduras en forma y color.
Por otro lado, el compositor de la serie Takao Koyama, quien había sido encargado de realizar una reinvención en la teleserie de la película "La ardiente batalla de los dioses", produjo una memoria de producción titulada "Saint Seiya - nueva (capítulo del anillo de oro) serie - orígenes, desarrollo, conclusión". La transición del film a la teleserie fue aprobada a finales de 1987 y la mencionada memoria fue terminada a principios del mes de enero de 1988, de forma que la producción pudo empezar antes incluso que la película fuera estrenada en los cines. Esta memoria, que se puede considerar como la "obra original" del capítulo de Asgard, era casi idéntica a lo que fue emitido más tarde en la televisión, con unas pocas excepciones. Por ejemplo, Syd era abatido por Seiya al principio de la historia cuando vino a Japón a atacar a Saori, y luego Bud se convertía en el God Warrior oficial de Zeta. Sólo la espada Balmung estaba presente, el Odin Robe y los zafiros no existían todavía. El final muestra claramente quien manipula a Asgard desde la sombra y luego se acopla con el capítulo de Poseidón. El proceso para diseñar la saga de Asgard toma como base la película, y luego construye una historia que conduce a ella. Y esto ha jugado un papel en la impresión dada por esta saga, que es tan distinta del sentimiento de vitalidad presente en las sagas adaptadas del manga. Además, los nuevos enemigos que se interponen en el camino de los héroes como God Warriors son considerablemente diferentes a aquellos de la película, pues sus orígenes y otros detalles son profundizados en la historia. El diseño final de cada personaje fue ajustado por Shingo Araki y Michi Himeno, pero los God Warriors surgen de la base de los sketchs y sugerencias de Bandai. Estos diseños fueron hechos por la gente que se hizo famosa gracias a SD Gundam, tales como Koji Yokoi (Delta Robe, Gamma Robe) o incluso Susumu Imaishi (Zeta Robe), entre otros. Por entonces el manga entraba justo en el capítulo de Poseidón cuando la saga de Asgard fue difundida y los Bronze Saints beneficiaron de nuevos Cloths. Para encajar mejor esta saga de Asgard se aseguró de incorporar las nuevas Bronze Cloths que calcaban el diseño del manga. Los diseños de las armaduras y los personajes tomaron una forma más "afilada" pero flexible, y se puede decir que a partir de aquí Saint Seiya alcanza su forma definitiva como una teleserie. El otro retrato desconocido de los God Warriors Estos personajes, exclusivos del anime, pudieron adquirir una verdadera consistencia a través de sus background detallados, como es el caso de Syd y Bud. En otro orden de cosas, al principio sólo se pretendía poner a la venta las figuras de los Robes de Alpha y Zeta, pero a medida que las ventas fueron dando resultados satisfactorios, los otros God Warriors, incluyendo Bud, también fueron producidos. Además de las líneas generales de la trama, Koyama-san, señaló en su memorándum muchos detalles sobre los God Warriors además de sus historias, como sus nombres, sus técnicas / golpes mortales y sus puntos débiles. Su contenido es muy interesante porque algunos de los detalles fueron obviados / difieren de lo que se vio en la teleserie, y nos enteramos de cosas tales como la razón por la que Mime y Orpheus son tan similares. Estas son las fichas transcritas del prefacio del memorándum, con los detalles contenidos en esas notas (los nombres de los personajes aparecen tal y como se indica en las notas). God
Warrior [神闘士: Shin Toushi: God Fighter]
Siegfried
de Dubhe, la estrella Αα Alfa アルファ
Hagen
de Merak, la estrella Ββ Beta ベータ
Thor
de Phecda, la estrella Γγ Gamma ガンマ
Alberich
de Megrez, la estrella Δδ Delta デルタ
Fenrir
Alioth, la estrella Εε Épsilon イプシロン
Bud
de Alcor, la estrella Ζζ Dseta ゼータ
Mime
Benetnasch, la estrella Ηη Etaイータ
La saga de Poseidón La saga de Poseidón se inició como epílogo de la saga de Asgard, centrándose en la búsqueda de Saori por parte de Seiya, pues ella había sido secuestrada y llevada al fondo del mar. Los acontecimientos del manga fueron serializados en el anime a una velocidad absolutamente anómala. Contrariamente a las expectativas originales, esta saga se consolidó, a pesar de la decisión de suspender la emisión de Saint Seiya con 114 episodios. La última parte de la historia fue de soberbia composición, se completó sin mimetizar la trama de la obra original del manga. A pesar de todo, la última escena de la animación distó bastante de las viñetas del manga, cuando Tetis mostró su verdadera forma, saltando entre las olas transfigurada en sirena. El resultado del anime fue más sorprendente.
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Phoenix Box La parte final de la teleserie es la saga de Poseidón, que sigue al Capítulo de Asgard de 24 episodios, y la trama del manga, mientras continuó siendo publicado, pero que en animación se completó con sólo 15 episodios. El Capítulo de Poseidón siguió a la saga de Asgard, que había llegado a la conclusión en el episodio 99. Comenzó mostrando a Seiya y Shun, todavía magullados por sus luchas contra los God Warriors, se embarcan en la búsqueda de Saori en las profundidades de los océanos, en el santuario submarino. De todas las sagas, este Capítulo es uno en el que el flujo de la historia avanza más rápido. Esto se hace aún más patente en el caso del anime, como consecuencia de la inesperada decisión de terminar la serie en el episodio 114, pero podemos alabar el talento de la composición de la serie, pues se asegura que el espectador no lo note. Un ejemplo de este brio se aprecia en el último episodio, donde el talento de Yoshiyuki Suga permite concebir un final bello y equilibrado, sin esperar a la realización de los 'Nemu' del manga (nombre dado al storyboard del capítulo elaborado por un mangaka, antes de entregar las tablas finales) para escribir el guión. La escena final es muy diferente al final del manga, pero la inserción de ese plano que muestra a Thetis convertida en sirena que nada entre las olas le da un aire de hermoso cuento de hadas en su conjunto. Como había pocos capítulos del manga disponibles a principios de la serie, esta se produjo en la oscuridad, sin saber a dónde iba la historia. Pero durante la producción del Capítulo de Poseidón los planes de animación y de puesta en escena fueron claramente establecidos, y la dirección tenía certeza. La producción fue puesta en marcha y, al hacerlo así, logró acercarse al tempo de la manga. Saint Seiya había alcanzado su forma ideal como anime en el Capítulo de Asgard, y el Capítulo de Poseidón fue, por tanto, el resultado de la puesta en práctica de ese conocimiento, pudiendo ser considerada como la forma perfecta de conversión del manga de Saint Seiya en anime.
El Capítulo de Poseidón no sólo incluye numerosos episodios cuya animación fue dirigida por el propio Shingo Araki, sino que varios episodios dirigidos por otros directores de animación populares entre los fans como Eisaku Inoue y Tomoko Kobayashi, y por ello la gran calidad de los episodios es más prominente que en cualquier otra parte de la serie. El último episodio en particular se parece a lo que se podía ver en las películas, y no ha perdido nada de su brillo incluso al verlo hoy en día.
Por último, es interesante mencionar una anécdota que muchos probablemente ignoran acerca del volumen 3 del Gold Selection. Desde el punto de vista de la planificación del anime, realmente parecía imposible producir a tiempo imágenes del último episodio para su inclusión en el Gold Selection 3 (y en realidad no hay ningún corte de este último episodio en sus páginas en color). Sin embargo, el increíble celo de Toei Doga (ahora Toei Animation) permitió enviar en el último momento cuts del episodio final, incluyendo la escena final, que luego se añadió apresuradamente en blanco y negro en el Gold Selection 3. El deseo de poder publicar la escena final en el último Mook de la obra es un logro notable que puede ser calificado como un milagro. Como esta anécdota puede haber puesto de relieve, los artistas, directores, animadores, seiyuus e incluso las personas que no se implicaron directamente en la producción, como las personas de TV Asahi, los patrocinadores y el personal de la casa editorial del manga, se apoyaron unos a otros, como los Saints que aparecen en la obra. Y no es exagerado decir que es gracias a ese detalle que el trabajo se pudo completar satisfactoriamente y de forma tan bella. Sin duda podemos decir que aunque fuera en un contexto de negocio, "algo" que superaba las consideraciones comerciales se produjo. Es así que las personas a cargo inculcaron sus almas en los episodios o incluso en los productos derivados creados. Es por esa razón que esta obra, que debería haber conocido su fin como un programa para niños, logró alcanzar el estatus de leyenda perpetua en el tiempo.
Estos recuerdos y sentimientos no se refieren sólo a las personas a cargo, también fueron grabados en el alma de todos los espectadores que siguieron a Saint Seiya. Hoy en día, en los albores del siglo 21, la fuerza y motivación puestos en la producción del Hades Junikyu-hen y del ilusorio Tenkai-hen son suficientes para demostrarlo. La leyenda de Saint Seiya aún no se ha terminado. Y
todos sabemos por qué. Shaina aparece vestida de civil en la escena final de la serie. Además, como era la escena final de esta serie, que había durado tanto tiempo, no se colocó ninguna venda en el ojo Hyoga. La escena final expresa la determinación de Saori a los espectadores. La hermosa e impresionante música que la acompaña forma una visión de gran magnificencia. Esta es publicada en monocromo en el mook Gold Selection.
Luego de finalizada la animación de la Saga de Poseidon, Toei Animation comenzó a preparar el terreno para la producción de la Saga de Hades. Se comenzó a producir la música (que más tarde saldría a la venta en un CD), y se comenzaron a realizar los primeros bocetos y afiches promocionales. Desgraciadamente, debido a ciertos factores, el proyecto se terminó cancelando. Podéis ver la portada de dicho CD, que contenía el soundtrack de la saga. Los motivos de la cancelación de la saga de Hades nunca se conocieron con total certeza. El rumor más popular fue que Bandai y otros patrocinadores fuertes se habían retirado como soporte económico, lo que implicó que se detuviera la producción de la adaptación animada. La saga de Hades no fue producida en 1991 debido al hecho de que el rating decayó considerablemente en la Saga de Poseidón, y que por lo tanto la popularidad de Saint Seiya había terminado. Siempre se ha dicho que fue la editorial Shueisha la que apresuró a Kurumada cuando iba a la mitad de la parte inferno, justo se nota el cambio de ritmo tras la posesión de Shun, y esto efectivamente por el descenso de popularidad de la serie en aquella época (al terminar la saga de Poseidón la popularidad de la serie ya había bajado y Toei no se arriesgó).
Youtube - Canal Saint Seiya Next Dimension Fan Group La saga de Hades iba a ser más ambiciosa de lo que terminó siendo. Pero el manga perdió popularidad, lo que hizo que la editorial obligara a Masami Kurumada a terminar más rápido el manga, después que la serie animación terminara en la saga de Poseidón. Otra posibilidad que se apunta es que cuando se estaba haciendo la saga de Hades, Kurumada habló con los responsables de Shueisha para acortar los capítulos y acelerar las cosas, porque estaba cansando y su dedo índice de la mano estaba muy dañado (el hecho de que la mayoría de las armaduras de los Specters incluyeran toneladas de detalles no ayudaba tampoco). Esto terminó con la saga de Hades cuya trama fue muy apresurada y supuso una pérdida de popularidad. ¿Qué fue lo que llevó a la finalización del manga clásico y consecuentemente a la cancelación de la serie TV de anime en la saga de Poseidón?, ¿Por qué el anime de Saint Seiya se detuvo en abril de 1989 y fue cancelado?, ¿Por qué Toei no produjo el Hades-hen en aquel tiempo?, ¿Por qué fue cancelado el anime de Saint Seiya en los 80's?, ¿hay pruebas sólidas de ello?. En realidad, el manga original no fue cancelado, al menos en la mente de Kurumada. Simplemente fue puesto en hiato. El problema se derivó del hecho de que el anime había perdido mucha popularidad tras el Asgard-Hen. Para ese momento Kurumada ya se encontraba escribiendo y dibujando el principio del Hades-Hen, y el manga se mantenía bastante fuerte en popularidad. Una vez el anime concluyó el Poseidon-Hen, sus ratings habían descendido bastante debido a que el público japonés se cansó del anime debido a la repetitividad del Asgard-Hen, cuya duración excesiva de 25 episodios no ayudó en lo absoluto a mejorar los ratings. Debido a que el anime es más mainstream en Japón que el manga, la editora Shueisha consideró que una baja de popularidad del anime iba a afectar eventualmente al manga, por lo que ordenó a Kurumada que terminara el manga lo más rápido posible e hiciera que Seiya muriera para darle conclusión. Kurumada concluyó el Hades-Hen con una ambigua muerte de Seiya, pues fue el plan que se le ocurrió para poder revivir su manga cuando pudiera, ya que él nunca planeó concluirlo en el Hades-Hen. Esa previsión le permitió revivir su manga con Saint Seiya Next Dimension en el 2006, 16 años después de que lo dejó en hiato. Aun así, el anime nunca fue cancelado definitivamente al terminar el Poseidon-Hen, pues se planeó la adaptación a anime del Hades-Hen. Es un hecho: existe un CD que contiene la música nueva que Seiji Yokoyama compuso para este arc y también existen los posters promocionales de la adaptación del Hades-Hen del manga al anime, en ellos aparecen Specters e incluso Shun poseído por Hades. Pero debido a que el público japonés había perdido interés en el anime de Saint Seiya, se decidió posponer el proyecto, nunca siendo cancelado definitivamente a pesar de que parecía olvidado, y no fue retomado hasta 2002, más de diez años después de que el anime original hubiera sido dejado en hiato.
Toei dió prioridad al merchandising por encima de todo lo demás a la
hora de producir un anime. Así que la teleserie continuó mientras los
ingresos de copyright fueron favorables, por ejemplo, con los juguetes
de Bandai, el rating no importaba y la producción de la serie continuó
(en aquella época la serie “Transformers” tenía un rating televisivo
de audiencia promedio de un 3%, pero la animación continuó porque los
juguetes se seguían vendiendo de una manera increíble). El anime fue cancelado básicamente debido a la baja de popularidad causada por el Asgard-Hen. Esta información es legado de la era antes del Internet público, por lo tanto ha llegado a nosotros en forma de puros registros pertinentes a la historia de Saint Seiya y de los registros de la historia de la Revista Shonen Jump. Aun con todo esto, a pesar de que el Asgard-Hen debilitó mucho el interés del público en el anime, el manga se mantuvo muy fuerte en popularidad, y eso garantizó que se adaptara a anime el Poseidon-Hen, que, al sí estar basado en el manga de Kurumada, renovó un poco el interés por el anime, después del golpe muy bajo que le propinó la lentitud, repetitividad y excesiva duración del Asgard-Hen. Para cuando el Poseidon-Hen se terminó de adaptar a anime, el interés en el anime aún tenía cierto impacto como para garantizar que se adaptara el Hades-Hen. En ese momento, Kurumada iba por los primeros volúmenes del Hades-Hen, así que ya había suficiente material para adaptarlo a animación, y de hecho así se planeó. Como muchos saben existe el anuncio oficial de la adaptación del Hades-Hen a anime en los 90's, e incluso un CD con algunas pistas musicales creadas para esta saga. Pero aun cuando el manga se mantenía muy fuerte en popularidad aun, el anime no se logró recuperar del daño causado por el Asgard-Hen y la adaptación del Hades-Hen se dejó para después, cosa que nunca ocurrió hasta pasados más de diez años. Esta información está disponible en encuestas, historiales y registros pertinentes a Saint Seiya, la televisora Asahi y la Shonen Jump, pero encontrarlos ya es difícil, a menos que vivas en Japón. Al menos el poster anunciando el Hades-Hen adaptado a anime es bastante contundente como prueba de que a pesar de la tambaleante popularidad del anime de Saint Seiya igual se iba a hacer un esfuerzo por recuperarlo. ●
Entrevista realizada por Men’s Walker (25 de abril de 2000) Kurumada: "En cuanto a Saint Seiya, yo quise que se convirtiera en un manga popular desde el comienzo, para superar el sentimiento de “algo incompleto” que tuve con Fûma no Kojirô y Otoko zaka. Las cosas se dieron como esperaba; ganó una gran popularidad. La popularidad explotó en el invierno de 1986, cuando el anime comenzó. En cuanto a eso, el manga también se hizo vistosamente popular cuando Saori Kido se convirtió en Athena y los Silver Saints aparecieron. La popularidad aumentó notoriamente debido al efecto multiplicador del anime y del manga, que eran muy impresionantes. Mantuvo esa popularidad por un período considerable de tiempo, pero sentí que estaba perdiendo todas las energías que tenía con la Saga de Hades, y le pedí a Shûeisha que me dejase terminar de escribir Saint Seiya en algo más de diez semanas."
La saga de Hades Ante la consternación de los fans, la teleserie concluye con el capítulo de Poseidón, el menos interesante de la saga, 15 episodios que darían cuenta de todo lo relatado en el manga con mínimas diferencias, y el capítulo de Hades, que resuelve muchas intrigas, no será adaptado en animación, dando un sabor de inacabado a la serie. Se planeó que la adaptación animada de la saga Hades tuviera lugar en los años 90, tristemente, debido al descenso de popularidad que sufrió el manga (debido a los recortes en la historia por propia voluntad del autor) y a la muerte del productor el proyecto fue paralizado y no se llevó a cabo hasta principios del siglo XXI. Afortunadamente, más de diez años después del final de la serie clásica, el verdadero final del manga es finalmente adaptado en una serie de OAVs. La razón por la que la saga de Hades se animó se debió a dos cosas: 1.- el hecho de un renacimiento en la popularidad de las obras de Kurumada, esto se produjo a raíz del éxito de la secuela de su manga fetiche, Ring ni Kakero 2, por lo que el primer proyecto de animación fue la saga de Hades en formato de OVAS. Posteriormente Ring Ni Kakero también tuvo una adaptación a anime (bastante buena), y 2.- Un Fan Film animado sobre la saga de Hades hecho por un fan francés llamado Jerome Alquie que fue visionado por el productor Shingo Araki cuando estaba en una Expo en Francia lo emocionó y se dio cuenta de lo apasionante (y rentable) que era Saint Seiya en el mercado internacional, Araki obtuvo una copia y la mostró a los responsables de Toei Animation. ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Creo que fue porque, después de tres años de TV, el anime alcanzó el ritmo del manga, y no tenía más historia para ser animada." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Fue eso." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Es más fácil permitir la producción del CD Drama. Exige menos esfuerzo. El anime necesita del esfuerzo conjunto de un montón de empresas, como un canal de TV, una productora, los patrocinadores, una editorial y un autor. Eso sólo es posible cuando todos se reúnen y dicen juntos “¡vamos a hacerlo!”. Por ejemplo, de repente, alguien dice que quiere hacer la Saga de Hades; luego otro quiere una Saga de los Dioses en conjunto, pero, en ese caso, no hay previsión de mi parte para comenzarla. Es complicado." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: “Yo creo que eso depende de los fans del mundo entero. Si presionaran, creo que el proyecto debería andar.” ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: “No sabía eso. Pero vi trabajos de fans franceses en Internet y me sorprendí con la calidad de estos. Hay gente que dibuja muy bien.” ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: “Bueno, eso es una cosa que depende únicamente de los fans. El negocio es respetar la opinión de cada uno. Pero, en estos días, yo veo las últimas creaciones en gráficos computarizados e imagino las posibilidades que esa técnica nos da. Intenta imaginar cómo serian los ataques de los Santos hechos con CG de aquí a cinco años. Podría ser una cosa sorprendente. ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: “(Risas). Prometer, yo no puedo prometer. Solo quería decir que, si se fuese a hacer, quiero que sea en una calidad que sorprenda a todos con todo aquello que las nuevas técnicas pueden ofrecer para mejor. Pero, al final, todo depende si los fans lo van a querer o no.” ●
Anime Land #97, diciembre 2003 Hablemos de Saint Seiya. El 2002-2003 ha visto el retorno de nuestros héroes después de más de diez años de ausencia. Y una vez más, ha sido un gran éxito. Entonces, ¿se podría esperar un regreso de Saint Seiya en versión manga? Kurumada: “Saint Seiya ha sido un manga muy, muy desafiante para mí. Dibujar cada día a los personajes con sus Cloths, cada vez más complejos, me dejaba completamente sin energías. Me detuve después de Hades porque no podía más.” Entrevista
revista Anitype - España (2003) Araki : "Me siento muerto de cansancio, ja, ja, ja. Aún tengo muchos personajes en la cabeza y me voy a cansar demasiado haciéndolos, pero podré dibujarlos. Saint Seiya no es sólo dibujar personajes. Por eso me entran ganas de hacer que se muevan bien, dibujando con cuidado las líneas de las armaduras, para que los personajes al deslizarse tengan fuerza." Entrevista
revista Anitype - España (2003) Araki: "En general no es problema los personajes, sino reproducir con detalle las armaduras. Es casi imposible. Estamos tratando de mantener el ambiente de la obra en todo lo posible, pero simplificando los detalles al máximo." Entrevista
revista Anitype - España (2003) Araki: "Por ejemplo el ataque de “Pegasus Ryu Sei Ken (el meteoro pegaso) lo hicimos completamente por odenador. Basicamente hacerlo a mano es más barato que hacerlo por ordenador. La estatua de Athenea, la catarata, la colocación de la armadura de Seiya, las estrellas fugaces... todo está realizado por ordenador, pero lo demás es animación convencional." Entrevista
revista Anitype - España (2003) Araki: "Mi trabajo en Saint Seiya digamos que ha sido una recopilación de todos los trabajos que he realizado a lo largo de mi vida. En parte aplico ideas que ya use con otros personajes en el pasado, los recuerdo y a veces incluso añado detalles de bocetos que se me ocurrieron en otras series y al final no use." Entrevista
revista Anitype - España (2003) Araki: "Ja, ja, ja, ja, Si tengo que elegir dos que más me gusten.... serian en este orden: Seiya y Hyouga. Luego personajes que no me gusten no hay." Entrevista
revista Figure Ou - Japón (2007) Araki: "Me gusta mucho los 5 protagonistas. Entre ellos, mi favorito es el Seiya. Es muy fácil de dibujar, ya que da para dibujar diversas expresiones. Me siento como si Seiya fuera mi "niño mimado" (risas)." Ahora, entrando en el siglo XXI, debe precisarse que la fase de producción de la saga de Hades, que nunca había sido animada, y la ansiada Saga del cielo, etapa que se ha marcado como un sueño, se convirtieron en el nuevo motor de la epopeya. El mito de los Caballeros no terminó, eso todos lo saben. A pesar de sus defectos, sobre todo en los primeros episodios, la teleserie de Saint Seiya se puede considerar un éxito, una buena adaptación de un excelente manga, con las cualidades visuales y musicales por encima de los estándares de la época, que transmite las líneas maestras de la obra original de Masami Kurumada. Hagamos una pequeña alusión a las cuatro películas inspiradas de la serie. Bastante bien hechas, que pecan por desgracia de guiones terriblemente repetitivos, retomando los peores puntos de la serie original (Shun rescatado por Ikki, Seiya protegido con la armadura de Sagitario ...) y, a causa de su duración limitada, no aportan novedades interesantes.
LAS PELÍCULAS ANIMADAS Todas las películas fueron producidas siguiendo el patrón de los hechos de anime y manga, pero no encajan en la cronología de los hechos relatados en la televisión y en el cómic. Es importante saber que todas las películas (sobre todo las 4 clásicas) se produjeron al mismo tiempo que la producción de la teleserie en anime y el manga de Kurumada. El manga iba en primer lugar mientras que la producción del anime trataba de seguirlo (cada guión se hacía de acuerdo con el manga, alrededor de cada 3 meses un episodio era realizado), y los guiones de las películas se inspiraban en la evolución de la trama del manga, así el film 1 (Eris) muestra Silver Saints resucitados, o el film 3 (Abel) trata de enlazar con el final de la batalla de las 12 casas y muestra a Gold Saints resucitados. De todos modos, lo más positivo de las películas es el nivel de la animación. Para su época, cada una de ellas marcó un nivel de calidad más que interesante. Por su parte, El film 5, Tenkai-hen Overture, alcanza un nivel de detalle y efectos espectaculares que nunca más se vieron en Saint Seiya. Otro elemento positivo fue que todos los films fueron emitidos en Cine en Japón, y ya se sabe que los personajes en la pantalla grande tienen otro impacto. Curiosamente, hay muchos detalles e ideas que aparecen en el manga de Kurumada que se inspiran en situaciones ya explotadas en las películas de Saint Seiya : la idea de que los Bronze Saints apoyen psicológicamente al protagonista Seiya y le envíen su Cosmo se vio por primera vez en la primera película (Eris), las ideas originales de revivir a los Gold Saints difuntos en las batallas de las 12 casas y que tanto Seiya, Shiryu y Hyoga vistieran los Gold Cloths de su signo zodiacal (Sagitario, Acuario y Libra) se utilizaron en la tercera película (Abel) y la idea de reunir el Cosmo de los Gold Saints para reunir la energía del Sol se utilizó en la cuarta película (Lucifer). Esas películas se hicieron antes de las sagas de Poseidón y Hades en el manga, y como Kurumada participó en la creación de las mismas en algún grado es compresible que si le gustaron las utilizara en su manga.
1:
Saint Seiya the Movie [聖闘士星矢 劇場版: Seitoushi Seiya Gekijyou Ban: Sacred
Fighter Seiya Movie Version] el título era simplemente
"Saint Seiya [聖闘士星矢]" para su edición
en DVD Kurumada tuvo la idea de darle un subtítulo a la película
"Evil God Eris" [邪神エリス:Jashin Erisu] Las
películas 1 y 2 fueron producidas después de la batalla de los 12 templos. -> La película 1 fue la primera obra en mostrar a Seiya usando un Gold Cloth para derrotar a los enemigos. Las otras tres películas retomaron la idea, y Kurumada también quiso usar ese recurso en la saga de Poseidón.
Los guerreros al servicio de Eris son en realidad Saints de Atenea que fallecieron en el pasado. No se sabe exactamente de qué época sean (es decir, cuanto tiempo llevan muertos) pero estos personajes en algún momento sirvieron a la causa de la diosa Atenea.
Kurumada: "La programación del anime fue iniciada cuando el manga se encontraba publicándose, por eso no he tenido tiempo para trabajar en él, y lo he dejado en manos del “staff” responsable de la animación. Pero en la primera película he participado escribiendo el guión de la historia y he creado los “Cloths” de los cinco “Saints” enemigos (Ghost Saints)."
Un hecho poco notorio entre los fans, es que Masami Kurumada participó en la producción de las primeras dos películas de Saint Seiya. En el primer film Jashin Eris ("Eris, la diosa maligna"), el mangaka participó diseñando a los cinco Ghost Saints, incluyendo sus Silver Cloths y sus nombres (podréis ver sus bocetos en la primera imagen), para el segundo film Kamigami no Atsuki Tatakai ("La ardiente batalla de los dioses" / Asgard) realizó los diseños de varios personajes: Dorbal, Frey, Freya y Loki (podréis ver sus bocetos en la segunda imagen).
-> La segunda película fue lanzada en Toei Manga Matsuri también, pero en el año siguiente (1988). Fue más conocida en el resto del mundo por "La Ardiente Batalla de los Dioses" o "La Batalla de los Dioses". Dura 45 minutos. En el manga, ya había empezado la saga de Poseidón que vio su primer capítulo publicado en Weekly Shounen Jump, y en el anime Shun estaba luchando contra Afrodita en el Templo de Piscis. La película fue estrenada en los cines japoneses el 12/03/1988. Sobre este tema vale aclarar que dicha película NO estuvo basada en el gaiden de Hyôga (Natasha en el país del hielo), como la mayoría cree. El film fue estrenado el 12/03/1988, mientras que dicho gaiden fue publicado sólo unos días antes en la Weekly Shonen Jump #13 del 07/03/1988. En la misma revista, como vimos arriba, se incluían los bocetos de los personajes creados por Kurumada para dicho film (Dorbal, Loki, Freya y Frey) y sus diseños finales a manos de Shingo Araki. Esto confirma que la producción del film ya había comenzado mucho tiempo antes de que Kurumada dibujara el gaiden de Hyôga, lo que significa que tanto Alexer como Natasha, seguramente estuvieron basados en los diseños de Frey y Freya que él realizó para la película. Es la película con la animación más lograda de todas, se puede ver en los colores y los movimientos de los personajes. Un claro ejemplo es la escena en que Seiya viste el Gold Cloth de Sagitario, la forma en que está coloreada y los efectos de luz son superiores a los de la serie de TV. Fue inspirada (en parte) en el tomo 13 del manga, "Natassia del país del hielo". (Koori no kuni no Natasha), y fue la base para crear posteriormente la Saga de Asgard para TV. Se puede ver que muchos de los God Warriors de la teleserie tienen ciertas cosas parecidas a los de la película, sólo que (a diferencia de sus pares en el anime) estos eran todos malvados. Además, se ve a la Natassia del manga (del tomo 13) como Freya, y a Alexer como Frey, ya que ambos son sus calcos exactos. -> Cuando se produjeron estas dos películas, de acuerdo con las ideas de Kurumada, Shiryu no estaba ciego y todavía no había planes para las nuevas bronze cloths.
3:
The Legend of Crimson Boys [真紅の少年伝説: Shinku no Shounen Densetu] Las
películas 3 y 4 se produjeron después del capítulo de Poseidón.
-> Esta película goza de reconocimiento pues tiene la mayor aceptación entre las producciones de TOEI, eso es debido a un argumento interesante, enemigos poderosos y un encanto particular que la diferencia del resto. Es una película con gran animación y colores, además de ser la primera y única película que muestra a Atenea muerta, a un dios tan superior como Abel (el Febo) y a un Seiya totalmente loco y resignado tras el abandono de su amada Saori. Guarda ciertos parecidos con la saga de Hades por la resurrección de los Gold Saints que murieron en las 12 casas. Es la primera producción (ajena al manga, claro) donde se resucita a los Santos de Oro caídos. Todos ellos tienen sus armaduras de oro protegidas por el poder de Abel, para evitar que se vuelvan en contra de sus portadores. También es la primera vez que se ve a los Bronze Saints portando los Gold Cloths que les corresponden, aunque solamente los que fueron revelados en el desenlace de la saga de Poseidón (Hyoga-Acuario; Shiryu-Libra, Seiya-Sagitario). En la tercera película, Shinku no Shônen Densetsu ("La leyenda de los jóvenes escarlata"), Kurumada no estuvo tan involucrado como en las anteriores dos, pero sí tuvo reuniones con la producción y entregó varias ideas para el guión. Por lo tanto, algunas ideas que parecían que Kurumada había tomado de este largometraje, como Hyôga y Shiryû vistiendo los Gold Cloths o los Gold Saints siendo revividos por un dios, podrían terminar siendo ideas que él mismo había aportado para la realización del mismo. ¿Se
basó Kurumada en la película de Abel para crear la saga de Hades en
el manga?
-> El Anime de Saint Seiya no era tan popular con la saga Asgard, la teleserie estaba perdiendo patrocinadores. Toei Animation decidió cancelar el show, así que tuvieron una nueva idea: una película final para cerrar por un tiempo la serie de televisión. El film 4 fue producido en el mismo momento que se producía la saga de Hades en el manga y el final de Poseidón en el anime. La serie de TV estaba en sus momentos finales, por lo que la participación de Poseidón debía ser nula o ser derrotado rápidamente. La película fue estrenada en los cines japoneses el mes de marzo de 1989, un año después de la salida de la "Ardiente Batalla de los Dioses". Dura 45 minutos. Tiene la particularidad de tomar a personajes de la Biblia (como el Diablo mismo), mostró la conexión con las otras tres películas precedentes y con la serie de televisión, pero muchas ideas de la película 4 fueron reutilizadas en la saga de Hades del manga (no sabemos si Kurumada dio sus ideas para la película o bien tomó ideas de la película para su manga). El film 4 fue lanzado en el Matsuri Toei Manga de 1989, algunas semanas antes del lanzamiento del final de la saga de Poseidón en la televisión y cuando el capítulo de Hades estaba empezando en manga. Shingo Araki se encontraba ocupado en la conclusión de los capítulos finales de la serie de TV, por lo que su participación en la película era imposible. De esa forma se contactó a Masahiro Naoi, esto explica porque esta película es la única que difiere en estética a las 3 precedentes.
5: Heaven Chapter [天界編序奏] ～Overture～ Cuando el Hades Chapter se terminó en V Jump, en 1991, Kurumada y Toei Animation decidieron producir OVAs de ese capítulo, pero por muchas razones, el proyecto fue suspendido por algunos años. Tiempo después, se le dio una nueva vida a ese proyecto, pero Kurumada no continuó con el manga, por lo que el capítulo Tenkai era sólo un conjunto de ideas en su mente. La película 5 fue lanzada en algunas salas de cine de Toei Animation en el comienzo de 2004. Al igual que las otras películas, la producción estaba pensando en el futuro. El Hades Chapter terminó mucho tiempo atrás en el manga, pero no en el anime (ya que Seika y los God Cloths no habían sido mostradas aun). No obstante, Kurumada fue decepcionado por el guión final de la película 5, que no respetó sus ideas, siendo excluído del canon de Saint Seiya. KURUMADA y su idea original en el proyecto del "Tenkai Hen Overture": Masami Kurumada pensaba hacer 3 películas: Heaven Chapter, Sky Emperor Chapter (o Zeus) y Cronos Chapter. Kurumada comentó en una entrevista para la revista Anime Land de Francia, que había escenas o hechos muy importantes eliminados de la película por órdenes de Toei. Éstas eran las siguientes: Shion y Dohko presentarían nuevos Cloth y el Cloth de Libra renacida aparecería de nuevo. Estaba prevista la presencia de Seika y Saori al lado de Seiya en su silla de ruedas. Es entonces cuando Tōma y los Ángeles aparecerían. Iban a ser 5 los ángeles enemigos que combatir. Tōma conducía un carruaje de caballos que guiaba Zeus y había 4 guerreros con él que representaban las ruedas del carro. Los combates ideados por Kurumada eran: Seiya contra Tōma, Ikki y Shun contra dos ángeles guerreros, Shiryu e Hyoga contra otros dos ángeles guerreros. Saori leería una carta de Shun a Seiya para que la escuchara. La carta explicaría qué había sido de la vida de los demás Bronze Saints tras la batalla contra Hades. Los Gold Saints aparecerían petrificados o sellados dentro de un pilar en el "Cielo" como sucede en el film, o incluso en un muro, pero al final se liberarían y volverían a la vida para revertir la situación. La lucha de Shiryu y Hyoga contra Odysseus (y tal vez con otro Ángel, ya que serían batallas de 2 vs. 2) habría sido más larga. Ese fue el guion una vez, pero luego fue recortado. El motivo de las campanas entre Marin y Tōma era un detalle de una importancia capital en la historia, pero desafortunadamente este hecho fue descartado. Aquello por lo que Masami Kurumada estaba "más enojado" era por el final de la película. Su final original era que Athena le rogaba a Apolo que salvara las vidas de los Bronze Saints. Apolo acepta y les limpia la memoria, pero no dejarían de ser Saints, sino que simplemente olvidarían esos sucesos y continuarían su misión como guardianes de la paz y la justicia. Esto daría la posibilidad de continuar la historia con una nueva serie. Ante esto, el propio Shigeyasu Yamauchi (director del film), dijo que el hecho de Seiya perdiera la memoria al final de la película fue idea de Masami Kurumada, probablemente todos los Saints involucrados en la última pelea contra Apolo perdieron la memoria también (aunque la película sólo nos mostrara a Seiya y Saori contra Apolo justo al final, pero la idea era una gran pelea). Por lo tanto, todos pierden la memoria y la idea era dar un nuevo comienzo, sin ese fuerte vínculo con la saga de Hades, demostrando que los dioses Olímpicos no son pura maldad, sino que cada uno piensa diferente. Si bien en un principio la película estaba ideada para ser una secuela directa y canónica de la saga de Hades obra de Kurumada, el mal uso y alteración de su guion hizo que el autor no le diera su aprobación y quedara con el mismo estatus que las películas predecesoras, sin conexión directa con la cronología original. Finalmente en julio de 2006, Kurumada hizo público el manga titulado Saint Seiya: Next Dimension, al que declaró como la continuación oficial de Saint Seiya.
Cada saga del anime/manga tiene un montón de problemas de continuidad, y las películas tienen el mismo problema, pero todas las películas, al igual que todas las sagas de manga (clásico, precuelas EPG, LC, ND ...) tienen una trama básica de ideas que las guía, y lo mismo las películas, la línea de tiempo de la trama es la siguiente: Galaxian Wars -> saga del Santuario -> Películas 1 y 2 -> saga de Asgard TV -> saga de Poseidón -> películas 3 y 4 -> saga de Hades -> Película 5.
DVD
Movie Box El manga y teleserie (1986-1989) de Saint Seiya eran iconos populares en los años 80. La primera película derivada de Saint Seiya fue estrenada en los cines 9 meses después del inicio de la emisión de la teleserie. Esto fue justo antes de que la serie llegara al Junikyu-hen, y por lo tanto era un momento perfectamente elegido ya que la pasión de los fans se encendía. El que puso en escena la primera película fue Kozo Morishita, director de la teleserie, mientras que el guión fue a cargo de Yoshiyuki Suga, quien más tarde trabajó en muchas películas animadas conocidas de Toei Animation como "Akuma-kun" (1991), "Magical Taruto-kun" (1991), e incluso "Slam Dunk" (1994). Suga también colaboró en varios episodios de la teleserie como guionista complementario al compositor de la serie Takao Koyama, y acabará por escribir 3 películas. Él también trabajó más adelante en "B't X" (1996), animé derivado de otra obra de Masami Kurumada. La primera película (Eris) reunió al personal principal de la serie de televisión, como el director de animación Shingo Araki o el compositor de la música Seiji Yokoyama. Shingo Araki trabajó en las tres primeras películas, mientras que Seiji Yokoyama participó en todas. Kozo Morishita y los productores Hatano y Kawata se unieron a Izu Kogen para discutir los enemigos que serían puestos en escena. En lugar de hacer simplemente enemigos para ser derrotados, estos fueron diseñados como reflejos de los héroes, tanto en términos de personalidad como en las armas que poseían. Y la persona que los comandaba sería Eris, la Diosa de la Discordia presente en la mitología griega. La leyenda dice que ella habría lanzado una manzana de oro a 3 diosas, entre las cuales Atenea, lo que tuvo por consecuencia la producción de una guerra (ella también era la hermana gemela de Ares). Varios efectos especiales fueron utilizados, tales como los rayos emitidos por la manzana de oro o los puntos luminosos de las cuerdas de Orpheus. Además, se oyen nuevas bandas sonoras tocadas por una orquesta. Al final, esta película, estrenada durante la "Manga Matsuri", requirió un presupuesto increíble. El nivel de finición de esta película estableció el estándar para esta obra y la pasión de los fans se disparó gracias al efecto combinado del manga y la serie de TV. Por entonces el título de la película en el momento de su emisión era simplemente "Saint Seiya", pero cuando se produjo el lanzamiento del DVD, se añadió el subtítulo "Eris, la diosa maléfica" que Masami Kurumada propuso. Luego, una segunda película (Asgard) llamada "La ardiente batalla de los dioses", fue lanzada en la primavera de 1988. La teleserie se encontraba entonces en el clímax del Junikyu-hen, y los fans japoneses de Masami Kurumada y Saint Seiya tenían más que nunca los ojos encima de la producción animada. El director de esta película fue Shigeyasu Yamauchi, quien dirigió algunos episodios de la teleserie, tales como el número 30 de "Arde, Cosmos de amor!", y el guión fue confiado a Takao Koyama, compositor de la serie en el anime de televisión. El uso de la mitología nórdica como telón de fondo fue una propuesta del productor Hatano, y esto insufló la idea de dar un poco más de flexibilidad al permitir el uso de otras mitologías además de la griega, influencia que abrió nuevas posibilidades para las obras de animación de Saint Seiya. La película ponía en escena a varios personajes de la mitología nórdica como el hijo de Odin Balder (Derbal), Loki, Ullr, Frey y Freyja (Freya), entre otros. Al igual que en la mitología, Hrungnir (peldaño) es atravesado por el martillo Mjollnir y Frey muere por una mujer. No hace falta decir que esta película fue la base del Capítulo de Asgard en la teleserie. A continuación, la tercera película (Abel), "La leyenda del joven ardiente", fue lanzada en el verano de ese mismo año. Fue la película más larga de las distribuidas hasta ese momento, y como su producción se decidió el mes de febrero del mismo año, esta obra se produjo en sólo 5 meses (el director recibió la demanda de Yutaka Takeda, gerente de producción, el día de la primera pre-proyección de la segunda película). El director en cuestión siguió siendo Shigeyasu Yamauchi, que acababa de encargarse de la película precedente, y el guión se confió de nuevo a Yoshiyuki Suga. El elegante Abel diseñado por Shingo Araki y la resurrección de Saga fueron los principales grandes temas de conversación entre los fans. Nuevas canciones principales fueron también gravadas para esta película, la parte vocal fue confiada a Hitomi Toyama, seleccionada en una audición. Divagando un poco, en la obra original los 88 Saints se distribuyen de la siguiente manera: 12 Golds, 24 Silvers y 48 Bronzes, así como 4 Saints de rango desconocido que no han sido revelados aun hoy. ¿Los Corona Saints presentes en esta película formarían parte de estos Saints desconocidos?. La cuestión no falta de interés en cualquier caso. Finalmente, llega la última película (Lucifer) producida durante la serie de televisión, "los combatientes de la última Guerra Santa", que fue lanzada el mes de marzo de 1989, justo antes de que la serie de televisión se completara. Seiya y sus amigos estaban todavía en el santuario submarino en la televisión y la película mostró a un Poseidón derrotado de antemano. La puesta en escena fue asignada a Masayuki Akehi, con quien el productor Hatano había trabajado desde "Ookama Shonen Ken" (1963). Akehi fue director de muchos episodios centrados en Ikki, como los episodios 15, 3, 56, 86 y 107, y prestó especial atención a la representación de Ikki en esta película. Como Shingo Araki (quien fue responsable de dirección de la animación en las películas anteriores) estaba ocupado en la animación de las últimas partes de la serie de televisión, la dirección de la animación de esta película y el diseño de los personajes fueron confiados a Masahiro Naoe (quien que se ocupó de los episodios de la teleserie núms. 15, 36, 41, 56 y 96, así como la película de Hokuto no Ken (1984), Slam Dunk (1993) y muchas otras obras de Toei, que a menudo trabajó en compañía de Akehi). La historia se basa en una propuesta presentada por Yoshiyuki Suga quien sugiere el uso de la Divina Comedia de Dante. Incluso si Akehi conocía el mundo de Dante por su anterior trabajo en Devilman (1972), no había, sin embargo, leído el libro de la Divina Comedia, por lo que tuvo que leerlo todo para hacer esta película. Para adherirse a esta visión, una música con una fuerte connotación religiosa fue encargada a Seiji Yokoyama, y para demostrar que era el final de todas estas largas batallas, una música inspirada en la sinfonía del "Nuevo Mundo" de Dvorak fue creado para el final. Y es con esta obra que concluye (temporalmente) la aventura animada de Saint Seiya. Sin embargo, estas películas siguieron viviendo en los corazones de los fans junto a la serie de televisión, y el deseo de la audiencia terminó conduciendo a las OVA Hades Junikyu-hen (2002) y a la nueva película "Tenkai-hen ~ Joso Overture" (2004).
IDEAS
DEL ANIME RETOMADAS O EXPLOTADAS EN EL MANGA... Es evidente que manga y anime se influenciaron el uno al otro en sus tramas argumentales. Tanto Kurumada como los guionistas de Toei Animation compartieron y tomaron ideas entre sí, lo difícil es saber ¿quién de quién?. ¿Qué ideas de Kurumada se usaron en el anime? Masami Kurumada ha mencionado que no se involucró de una manera muy activa en el anime de su manga pues escribir y dibujar su cómic semanalmente le consumía mucho de su tiempo, por lo que su participación en la adaptación animada no fue demasiado grande. Kurumada menciona que contribuyó en algunas ideas, entre otras: - la técnica del Genrōmaō-ken El Pontífice usurpador (Saga) la aplicó por primera vez a Crystal en la teleserie. Kurumada lo creó para el anime y luego lo integró al canon dándole un nombre ligeramente diferente, en el anime es conocido también como Densetsu no Mao-ken, y en el manga, Densetsu no Ma-ken, y el nombre Genromao-ken apareció primero en el manga. Aunque la versión manga no es una copia exacta, la mecánica y efectos de la técnica si son las mismas. La ilusión diabólica o Satan Imperial utilizada por el Pontífice en el anime sobre Crystal Saint es usada posteriormente en el manga sobre Aioria. El Satanás Imperial (Genrô Maô Ken) se usará mucho después sobre Aioria y sobre Shura en el Episodio G. - el backstory del maestro de Shun y su constelación, Cepheus. Para ese momento el anime se había acercado mucho al manga y Kurumada ya tenía listo el background para Cepheus Daidalos, pero aún no lo había diseñado físicamente, ni había escogido su nombre, sólo su constelación, esto explica porque los eventos que conciernen a Daidalos en el manga son idénticos con Albiore en el anime, pero cambia el nombre, el aspecto físico y el Silver Cloth del personaje, pues Kurumada tenía lista la historia pero no había dibujado esta parte para su manga aun, simplemente la remitió a Toei cuando ellos le consultaron. - Adicionalmente, Kurumada participó más activamente en la confección de las películas, para las cuales contribuyó más sólidamente. Hizo los bocetos de los Ghost Saints de Eris: Orion Jäger, Southern Chross Khristós, Scutum Jan, Lyra Orpheus y Sagitta Maya, todos fueron creados y diseñados por Kurumada y fueron integrados al canon los Cloths de Lyra y Sagitta. De hecho, ellos también existen en el canon sin confirmar contundentemente, pero sí forman parte del universo de Saint Seiya al ser creaciones del autor principal y pues ya que dos de sus 5 Cloths forman parte indiscutible del canon. Kurumada hizo los diseños del Lyra Cloth y el Sagitta Cloth para la primera película (Eris) y luego los integró al canon. Su status es 100% indisputablemente canónico. Es por eso mismo que por consenso general el Orion Cloth, el Scutum Cloth y el Southerncross Cloth se consideran canon, aunque aún no los haya mostrado Kurumada en su manga. De la misma manera, sucede con los personajes de Jäger, Khristós, Orpheus y Jan. Maya es un arquetipo de Ptolemy (diseñado por Kurumada, pero reutilizado en el manga después de Maya del film Eris) incluido el ataque (flechas "físicas" e ilusión). Orpheus (nombre latinizado del film de Eris) y Mime (saga de Asgard) son personajes que aparecen antes de Orphée (nombre afrancesado del Manga). - Frey, Freyja y Baldr de la segunda película sobre Asgard también son creación de Masami Kurumada, y hay que destacar que los primeros dos son idénticos físicamente a Alexer y Nastassja del manga, además, la película toma elementos de narrativa del Nastassja-Hen de Hyoga. Muchas ideas que los fans creen que Kurumada tomó de las películas para el manga, en verdad, fue al revés, él contribuyó a las películas, y así lo ha confirmado. Algunos ejemplos son : - la resurrección de los Gold Saints muertos. La resurrección de los Gold Saints se produjo por primera vez en la película 3, Abel fue el primero que los trajo de vuelta al mundo de los vivos, luego Hades en el manga. En el film 3 sobre Abel, los Caballeros de Oro regresan de entre los muertos por el poder de un dios, y luchan por él, pero también para defender a Atenea (que estaban de lado de Abel, hecho que más tarde resultó ser una estrategia). En la misma película, se rebelaron contra ese Dios y fueron asesinados (referencia a Saga, Shura y Camus en la saga de Hades, si se tiene en cuenta que en Abel, Shura y Camus fueron asesinados fácilmente, puede ser interpretado como referencia a la "batalla" entre Radamanthys contra de DM y Afrodita en la saga de Hades). - la luz solar de los Gold Cloths que consume la oscuridad y que aparece en la 4a. película (Lucifer), idea que concibió mientras escribía y dibujaba el Poseidon-Hen, y que decidió guardar para el Hades-Hen. En el film 4 sobre Lucifer, los Caballeros de Oro son "muertos" y, a continuación, resucitan y concentran toda la potencia es la flecha de Sagitario para resolver el problema, Lucifer es derrotado porque Seiya disparó una flecha con el poder de los caballeros de oro. La idea de la unión de las doce constelaciones para emular la luz solar en Hades, primero salió en la película de Lucifer. La idea de la unión de los 12 Gold Saints para agujerear la oscuridad alrededor de la flecha de Sagitario en el film 4 de Lucifer es utilizada nuevamente para emular la luz solar y derribar el Muro de los lamentos que conduce a Elysion. Finalmente, el guión de la quinta película, Tenkai-Hen ~Overture~, fue completamente escrito por Masami Kurumada, pero Toei lo alteró demasiado. Aun cuando los fans creen lo contrario, el nombre del compañero discípulo y rival de Shiryu, Ôko, se concibió tomando como base a Douko, su maestro, y no al revés. Kurumada ya había revelado el nombre real de Roshi en merchandasing para cuando apareció Oko en el anime. Aparentemente, Kurumada tomó el diseño del personaje de Ôko como inspiración para crear a Dôko joven. Además de que sus nombres son parecidos, ambos están relacionados con el “Tigre”. ¿Qué elementos usó el autor Masami Kurumada del anime producido por Toei y los volvió canónicos en su obra del manga? Un hecho no muy conocido por los fans, es que Masami Kurumada participó en la producción de las primeras dos películas de Saint Seiya, y aportó ideas para la tercera y la quinta. Muchos fans notaron que Kurumada se inspiró en varios elementos explotados con anterioridad en el anime y posteriormente en algunos derivados de su comic. El creador de Saint Seiya no dudó en tomar aquellas ideas del anime, OAVs y spinoffs, que le gustaban y las incorporó / integró al canon usándolas en su manga (canonizándolos por así decirlo, en el proceso). No son demasiadas, aquí tenéis una pequeña lista -no exhaustiva- de algunas creaciones del anime y otras adaptaciones que fueron retomadas por Kurumada:
- La forma en que los Cloths se equipan solos en los Saints, salió primero en el anime. El hecho que las piezas / corazas de los Cloths envuelvan los cuerpos de los Saints por si mismos apareció primero en el anime. Al principio del manga, él mismo Seiya debe colocarse él mismo las corazas de su armadura, a continuación viene a ponerse sobre él pieza a pieza, como por arte de magia.. al igual que en el primer episodio del anime. Aunque este no está completamente claro, la forma en que los Cloths envuelven a su portador por sí mismos, apareció primero en el anime. Pero en el manga apareció por primera vez en el gaiden de Shaka en la isla Death Queen, que fue publicado en enero de 1987, es decir, exactamente un año después de que el manga había comenzado. El anime empezó en octubre de 1986, para ese instante el manga ya iba más o menos por el final del volumen 3. Todo parece indicar que esta forma de envolver de los Cloths al cuerpo de su portador es invento del anime, pero no hay datos acerca de si es una idea que Kurumada creó para el anime. - El diseño de las armaduras... Uno, es el peto del Cygnus Cloth y el del Phoenix Cloth, que en un principio, estos petos en el manga son bastante diferentes y muy angulares, Kurumada tomó los diseños más estilizados y redondeados del anime para los petos de estos Bronze Cloths a partir del final del conflicto de los 12 templos para el Phoenix Cloth, y a partir del Poseidón-Hen para el Cygnus Cloth, en su manga. Dos, se puede encontrar en el diseño de Chamaeleon Juné, en los zapatos de tacón del Chamaeleon Cloth. Ophiuchus Shaina en el anime recibió zapatos de tacón para acentuar feminidad, a diferencia de las botas de piel sin tacón que usa en el manga. Aunque es posible que Kurumada haya tomado este elemento del anime al diseñar a Juné, hay que recordar que hay cierta influencia de la imagen de la Dominatriz en el diseño de Juné, por el látigo que porta. Así que no necesariamente es algo que Kurumada tomó del anime. Tres, aunque en realidad, el anime tomó esto primero del manga de Kurumada: los protectores de hombros del Andromeda Cloth. En su manga, al vestir el Cloth, estas hombreras quedan paralelas a los hombros de Shun, mientras que en el anime quedan orientadas hacia los lados y aseguradas en sus brazos, no en los hombros. Aunque esto fue tomado de su manga, pues el Andromeda Cloth en forma Object tiene las hombreras orientadas a los lados, justo como en el anime, Kurumada empezó a dibujar las hombreras hacia los lados hasta en el Poseidon-Hen. Cuatro, los Silver Cloths de Lyra y Sagitta fueron creados por Kurumada para el primer film de SS, y luego fueron integrados al canon del manga, pues para cuando aparecieron en el film, Kurumada iba apenas a comenzar el arco argumental del conflicto de los 12 templos en su manga.
- La danza que Cygnus Hyôga hacía antes de cada ataque fue creación de Toei Animation. Kurumada aprovechó entonces para incluirlo en el manga, bastándose con una sola viñeta para que el público supiera que el personaje estaba haciendo ese baile característico. - Kurumada toma la canción Pegasus Fantasy y la integra en su manga en el capítulo en el que Saga como Pontífice ayuda a morir al anciano Kashimodo. Es un detalle sin mayor importancia, pero sí, un habitante de la villa Rodrio canta una estrofa del tema tal cual aparece en el anime.
- La capacidad de reflejar ataques por parte de los dioses, Abel fue el primero que mostró dicha capacidad, luego Poseidón en el manga. - La muerte de Kanon del manga, parecida a la de Saga en el film 3 (Abel). - Es probable que la palabra Aurora, de la técnica Aurora Execution, Kurumada la tomara del anime, pues el episodio en que Cygnus se enfrenta a Crystal Saint tiene por título "Aurora taiketsu", es decir, "El duelo aurora". Para este punto, en el manga, Camus no había hecho una aparición aun. - Los ornamentos de la cintura y el cuello de Athena. Al principio, Kurumada los dibujaba un poco menos decorados y sencillos. Es desde cuando Athena explica a Aioria la traición de Saga que Kurumada empieza a emplear la gargantilla y corsé que Athena utiliza en el anime, aunque es más notorio el parecido en el corsé, pues es el mismo del anime. - En el film 1 sobre Eris, caballeros muertos son resucitados para enfrentarse a Atenea, siendo uno de ellos, una especie de líder de los demás (Jaga-Saga en la saga de Hades, posible analogía con los Specters “de oro”). Seiya se desmaya por los efectos del golpe de un adversario (referencia a lo que sufrió con Papillon Myu). Shun se enfrenta a Orpheus, que es la más clara comparación con Lyra Orphée en el Hades. - En el film 2 sobre Durval, uno de los caballeros está poseído y lucha por el otro campo por un tiempo (Shun, poseído por Hades). - La idea del Specter de Papillon evolucionando de un estado de larva, fue tomada de la película 4 de Lucifer, donde se ve algo similar con el Ángel Infernal de Mantis. - el diseño de Shaka: Kurumada lo asemeja a la versión Anime en la saga del Hades Chapter.
- Apolo está inspirado de Abel (tendría que haber sido más parecido a su hermana gemela Artemis). - Seiya reviste la armadura de oro de Sagitario y lanza la flecha al final del film 1 de Eris, escena que se repite en el final de al saga de Poseidón del manga. - La ilusión del Fénix lanzada con el puño, luego con el dedo. - Dohko aparece con orejas puntiagudas a lo Yoda. - Shiryu y Hyoga revisten las armaduras de sus maestros en el film 3 (Abel) y después también al final de la saga de Poseidón del manga. - Las pecheras de Hyoga y de Ikki en las armaduras v2 del manga se inspiran las Cloth V1 del Anime, las hombreras de la Cloth V1 de Shun en el Anime es reutilizada para la Cloth V2 del manga.
- Las burbujas o esferas en las que Atenea proteje a los Bronze Saints al final de la saga de Hades en Elysion aparecieron antes en el Anime cuando estalla la Isla de la Reina de la Muerte y Saori salva a sus caballeros. - La postura de la Aurora Execution debe haber sido inspirada en la postura del Aurora Thunder Attack de Hyoga en el anime, visto que en el manga, cuando Hyoga usa el Diamond Dust sólo usa un puño, y el Kolodny Smerch es un “gancho” o un puñetazo en dirección hacia arriba. - Las hombreras de Shun en el segundo modelo de la Armadura (Saga de Poseidón), son idénticas a las del primer modelo de la armadura de Shun en el anime. - Cuando Hyoga llega a la casa de Escorpio, se emociona al recordar el sacrificio de Shun por salvarlo, y derrama una lágrima en el rostro del Caballero de Andrómeda. En el final de la Saga del Santuario, versión manga, después del suicidio de Saga, Saori no contiene sus emociones y deja caer una lágrima en el rostro de Saga, de la misma forma que paso en el caso de Hyoga y Shun. - El detalle del cuerno de Aldebarán, que en la pre-publicación de la Shônen Jump sólo cae girando sobre el piso, mientras que en el anime cae clavado. Esta idea fue usada por Kurumada para editar esa página en la edición tankôbon, haciendo que se clave en el suelo igual que en el anime. - La uña aguijón escarlata / roja carmesí de los Scorpio Gold Saint, ahora es canon también pues así se vió en Next Dimension con Écarlate. - los colores del anime de Ophiuchus Shaina. - En el Manga Next Dimension, el Gold Saint Gestalt de Sagitario posee una flecha sagrada particular, de poder divino, que le fue entregada por la diosa Atenea en la era mitológica, llamada la "flecha de la Diosa" (女神の矢 Megami no ya), una flecha divina, poderosa y especial. El caso de esta arma es muy parecido a la historia de Excalibur en el anime, fue un obsequio de Atenea al Gold Saint desde la era del mito. En este caso Kurumada retomó la idea de la teleserie clásica, el Gold Saint de Sagitario la posee desde tiempos inmemorables y es un objeto heredado generación tras generación por los Gold Saints de ese signo. - “la flecha de la diosa” que custodia el Gold Saint de Sagitario en el manga Next Dimension puede ser un motivo de "reivindicar" las películas, en las que Seiya siempre derrotaba al dios enemigo o antagonista de turno con la flecha de oro de Sagitario, o simplemente, es algo que se le ocurrió para darle un "mayor estatus" al Gold Saint de Sagitario del siglo XVIII. - El brillo dorado de los Bronze Cloths Como es de conocimiento público, hay veces en que Kurumada se inspira en material no-canónico de Saint Seiya para agregar nuevas ideas a su obra, como son los casos de adaptar el Genromaoken del anime al manga clásico o darle un "hijo" a Shiryu en el manga Next Dimension.
En el primer videojuego de Saint Seiya lanzado el 10 de agosto del 1987 : SAINT SEIYA Gold Legend [黄金伝説: Ougon Densetu], Seiya es capaz de lograr que su armadura adquiera un brillo dorado, al azar, siempre y cuando utilice todo el cosmos posible en un ataque. En el capítulo 51 del manga clásico el fenómeno del Bronze Cloth con brillo dorado se reproduce en la batalla de Seiya vs Baian. El manga clásico comenzó a publicarse en diciembre 1985, un año antes y de froma semanal (republicándose el primer capítulo en enero del 1986) así que en el tiempo de salida debieron casi coincidir, las fechas son cercanas. El videojuego habría salido primero, porque la saga de Poseidón en el manga empezó a publicarse a finales de 1987, casi ya en 1988. Es posible que la idea del brillo dorado surgiera durante la planificación de manga y videojuego y cada uno lo adaptó a su manera, o que Kurumada comentara que tenía planes de volver a una armadura de bronce dorada pero no dejara clara la causa y que los responsables del videojuego improvisaran, al igual que hicieron con el Shadow Saint, el enemigo final que aparece en el templo del Pontífice. Para saberlo con certeza habría que preguntarle a alguien que estuviera implicado en el proyecto y que además tuviera buena memoria o conservara las notas previas. Los volúmenes del manga incluyen comentarios de Masami Kurumada, y en uno de ellos el autor habla sobre este videojuego precisamente.... menciona que se lo regalaron los de la compañía cuando ya estaba listo y que jugaba sin parar. De hecho, Kurumada se implicó también en el desarrollo del videojuego, díó algunas ideas... El hecho es que la idea de los Cloths renacidos con la sangre de los Gold Saints ya había aparecido en el manga para cuando el salió el videojuego... puede que Kurumada tomara la idea del brillo dorado de ahi... pero es dudoso porque si se fijan Kurumada le dio bastante más profundidad al asunto de la sangre de los Gold Saints bañando los Bronze Cloths... hasta pensó quien bañaría a cada Bronze Cloth, con cierta relación con el portador, Leo Aiolia el Pegasus Cloth, Scorpio Milo el Cygnus Cloth, Libra Dōko el Dragon Cloth y Virgo Shaka el Andromeda Cloth (por gratitud a Ikki, además este último caso hasta terminó siendo explotado en Next Dimension), incluso dos de los Gold Saints comparten el mismo signo zodiacal que el del portador (Dohko/Shiryu y Shaka/Shun). Asi que es posible que Kurumada tuviera la idea aun más desarrollada de lo que parece... es evidente que la sangre de unos personajes tan poderosos es un elemento importante de la obra (así como lo son los Cloths) y se podía intuir que su derramamiento sobre las armaduras tendría algún efecto inesperado después, un plot device muy bonito que pudo explotar más adelante (es obvio que para ese punto a Kurumada ya se le había ocurrido de que cada Bronze Saint vestiría un Gold Cloth en cierto momento). - La idea de Shôryû, el hijo adoptivo de Shiryû, fue inspirada por Ryûhô, el hijo de sangre del Dragon Saint en Saint Seiya Omega. A Kurumada le gustó la idea y lo incluyó en Next Dimension, modificando su nombre y su historia. - Otro ejemplo también seria las ideas de Kurumada para el film Tenkai-hen Overture y que pasaron a ser apócrifas luego de que Kurumada descatalogara al film como parte del canon, algunas de ellas son de nuevo parte del canon al haberlas reintegrado Kurumada en su manga Next Dimension. Tenemos hasta los colores de Ophiuchus Shaina (ropas, cabellos y cloth) en el manga Next Dimension. Retconeando los colores originales de ella ahora los del anime son canon xD. De todos modos, hay muchas instancias en las que Kurumada insiste en imponer los frutos de su mente sobre lo que digan las adaptaciones u otros productos, por ejemplo, los colores en Next Dimension siguen siendo prácticamente los mismos del manga original, los Gold Saints del siglo XX siguen siendo la mayoría rubios, Aquarius Camus sigue pelirrojo (esto hasta fue corregido en el volumen 10 cuando en el Special Chapter aparecieron con los colores del anime), el Crateris Cloth del manga es totalmente diferente al del Taizen, y así hay varios ejemplos más… ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: “Por el momento, aún estoy trabajando en Ring ni Kakero 2.” ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: “Tampoco lo tengo previsto. Creo que quiero continuar hasta el día en que los lectores me pidan que pare. En el peor de los casos, cortaran la serie a la mitad. Creo que en el mundo del entretenimiento son raros los trabajos en que el autor consigue desarrollar todo lo que imaginaba. En las revistas comerciales esa es la ley. Por más que el escritor quiera desarrollar bien una historia, si a los lectores no les gusta, ésta es cancelada. Por ello, aquel autor que consigue cautivar a los lectores y mantener el éxito estará consiguiendo un gran logro.” ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Hablando sinceramente, luego de terminar el trabajo no es satisfacción lo que yo siento: es un gran cansancio. Semana tras semana, necesitaba descargar más y más ideas para sorprender al lector, y cuando terminaba estaba totalmente abatido. Con la historia que estoy publicando ahora es lo mismo. Igualmente, retomando el manga luego de veinte años, creo que no existe una obra que esté perfectamente finalizada. Saint Seiya, por ejemplo. Tengo en mi cabeza la Saga de los Dioses, donde Zeus va a aparecer, pero aún no trabajo en ello." ●
Entrevista revista Henshin #31 Brasil (18 enero 2002) Kurumada: "Creo que moriré cuando haga eso. (Risas.) Es que creo que voy a necesitar de mucho trabajo mental y físico para encarar ese desafío. Necesitaré crear personajes carismáticos para cada dios del Olimpo. Tratar sólo de imaginar las armaduras que cada uno de ellos podrá usar. Existe material para hacer cosas lindas. Me imagino lo trabajoso que será pensar en todos esos detalles." Entrevista
revista Champion Red - Japón (2002) Kurumada: "Diez años después de haber finalizado la obra, los fans me siguen preguntando lo mismo. Pero como vengo diciendo, dibujar Cloths es cansador. (Risas.) Cuando pienso en que caeré en el infierno de dibujar Cloths... (Risas.) Tengo ideas en las que he estado pensando. Si dibujara el próximo trabajo, sería la Saga del Cielo. He dibujado a Athena, Poseidón y Hades, pero existen 12 dioses en Grecia. Comenzando por Zeus el líder de los dioses, desarrollaría una gran guerra en el cielo con los 12 dioses. Y luego los guerreros de cada dios, cada uno vistiendo armaduras similares a los Cloths, ubicados en una fila serían cientos... Voy a morir si dibujo eso. (Risas.) Si así sucediese, deberé estar preparado para arriesgarlo todo dibujándolo. No podría mostrar algo incompleto. Lo siguiente será buscar el momento indicado, un lugar favorable y el apoyo de las personas." (Risas.) ●
Anime Land #97 - Francia, diciembre 2003 ¿Entonces no habrá Tenkai-hen protagonizado por nuestros Saints en el reino de Zeus, para un gran final? Kurumada: "Zeus no debería haber sido la saga final de Saint Seiya. En el camino, yo quería terminar con los dioses primordiales Gaia y Chronos, padres de todos los demás. Pero volveré a dibujar pronto a Seiya, para la ocasión de la salida de la nueva película, en febrero próximo. Se trata de una pequeña historia, de una decena de páginas. Creo que saldrá poco antes del estreno del largometraje. Yo actualmente me encuentro desarrollando los villanos del film."
Tauro Aldebarán
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